Los Juegos del Hambre

Mañana 20 de abril se estrena en España, prácticamente un mes después que en el resto del mundo, Los Juegos del Hambre, adaptación homónima de la novela de Suzanne Collins y primera parte de una trilogía que, después de su apabullante éxito de taquilla, no me extrañaría que acabase sacándose una entrega extra de la manga.

Los Juegos del Hambre viene precedida de mucho escepticismo por adaptar una saga de novelas juveniles, por su aparente parecido con Battle Royale o por esa corriente de rechazar lo mainstream y llevar la contraria al hype. Es por esto que quiero exponer los motivos por los que yo disfruté de ella.

Cada año, el Capitolio, gobierno central de Panem, celebra unos juegos letales como castigo a un levantamiento civil del pasado y como recuerdo de su supremacía. Un chico y una chica menores de edad de cada Distrito (24 en total) son enviados a los juegos a matarse los unos a los otros e intentar sobrevivir bajo el escrutinio, los vítores y el espectáculo creado por el Capitolio en torno a ellos, que son televisados nacionalmente. Katniss es una joven pobre del Distrito 12 que se ofrece voluntaria para salvar la vida de su hermana pequeña. Los Juegos del Hambre cuenta su lucha por sobrevivir a esa 74 edición de los juegos.

Katniss es la mayor ventaja con la que cuentan las novelas originales a la hora de enganchar al lector. Es carismática, fuerte e inteligente pero a la vez imperfecta e insegura. La mayor dificultad a la hora de adaptar el film era precisamente la narración en primera persona, obstáculo que el guión salva sin problemas primando el punto de vista de Katniss, y con el estupendo trabajo de Jennifer Lawrence, consiguiendo así que el espectador conecte desde el principio con su causa y camine de su mano durante todo el metraje pero sin dejar de alimentar la tensión con el punto de vista villano cuando es necesario. Otro gran acierto de su guión ha sido el relegar el factor romántico al lugar que le corresponde en este momento de la historia como un elemento más de la pantomima de los juegos.

Lo realmente interesante de esta historia no son los juegos en sí, sino todo lo que le rodea: el hecho de que algo tan sádico se convierta en un reality vorazmente seguido por los habitantes del Capitolio, con un mercado de patrocinios y simpatías deplorable y grotesco que convierten la necesidad de ganarse a la audiencia en un objetivo vital para la supervivencia. La película logra reflejar esta danza de superficialidad a la perfección.

Pero precisamente es esa danza la que hace que la historia, al igual que en las novelas, sea algo irregular. Más de hora y media de metraje está dedicada a ese universo distópico tan interesante y frustrante a la vez. Descubrimos con los ojos de Katniss los excesos, las diferencias sociales, la superfialidad y los secretos del mundo de Panem, elementos que siguen presentes durante los juegos pero se ven aplacados por la urgencia del peligro y la supervivencia. Los juegos son entretenidos y tiene secuencias realmente memorables pero son notablemente menos potentes que todo lo que se ha visto hasta ese momento en la película.

Pero lo más fallido de Los Juegos del Hambre es su director. En su intento por contar la lucha de Katniss de forma orgánica y hacer que el espectador comparta su desasosiego, Gary Ross se excede con el recurso de cámara al hombro y lo combina con el montaje rápido de planos demasiado cortos, consiguiendo así que el desasosiego del espectador realmente sea ajeno a la narración en sí misma. Por suerte, es un problema que prácticamente se limita al primer acto.

Estos dos elementos más criticables no ensombrecen el resultado final de Los Juegos del Hambre, un blockbuster interesante, disfrutable y recomendable para muchos más perfiles de espectador de lo que en un principio aparenta.

Después de convertirse en uno de los mayores éxitos de taquilla de la historia, de convencer a público y crítica, sólo quiero añadir una frase más para los escépticos: Ojala todo el cine comercial fuese como Los Juegos del Hambre. 

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Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (1)

Como ya os comentamos, este pasado fin de semana se celebró en Madrid la novena edición de la muestra de cine fantástico que SyFy nos trae anualmente. Como cada año, hemos tenido el desparpajo habitual de Leticia Dolera para presentar las películas, hemos tenido risas, sustos y aplausos y buenas y malas películas. Tampoco han faltado esos trailers repetidos una y otra vez en cada sesión vitoreados y aplaudidos por el patio de butacas. Este año, hemos tenido un empacho de Mass Effect 3 con su aplaudido y coreado Comandante Shepard y el trailer de esa secuela no declarada de Transformers que es Battleship (Hundir la flota de tó’ la vida) cuyos vítores iban para Rihanna y su BOO! Pero mi vídeo favorito –sin ninguna duda- fue la autopromo de SyFy con la entrañable señora animadora.

Otro coreado fue el Cine Palafox, habitual anfitrión de la Muestra que ha cedido el honor a los Cines Callao. Cada uno tiene sus ventajas e inconvenientes pero personalmente creo que la organización ha sido igual de buena que siempre, esta vez con más aforo, con buen sonido y sin problemas con los subtítulos electrónicos. Sí que ha habido más retrasos con los horarios que otros años y algún que otro problema de micros, pero lo han compensado con extras estupendos como el coloquio con algún director o esa fantástica sesión del Phenomena que, por cierto, han prometido volver a finales de abril a Madrid con el combo Un Hombre Lobo Americano en Londres y La Cosa. 

 

Entramos en materia con la película de inauguración. Hay que decir que la Muestra SyFy no ha sido especialmente mañosa a la hora de elegir los títulos de apertura. The Adjustment Boreau, Watchmen, Ultraviolet o Blade Trinity fueron alguno de los elegidos. Es curioso que alguna excepción que se me ocurre se aleja del perfil blockbusteriano de las citadas como, por ejemplo, The Crazies o Be kind, Rewind. Desgraciadamente, la elegida este año no se une al grupo de las afortunadas: John Carter. 

300 millones de dólares después, más los 100 dedicados al marketing, Disney nos ofrece esta adaptación que desperdicia absolutamente el material original, que no consigue encontrar el tono y falla estrepitosamente en construir unos personajes que interesen ALGO. No pedía más que entretenimiento pero John Carter ni siquiera alcanzó las bajísimas expectativas y exigencias que puse sobre ella. Ya desde ese prólogo explicativo supe que sería un fiasco claramente alejado del tono de la novela de Edgar Rice Burrroghs, trepidante e interesante sin necesidad de aplicarle el filtro blockbusterizador. 

Es la segunda vez en pocos meses que un director salido del seno animado de Pixar se embarca en un título comercial a gran escala. Brad Bird demostró con Mission Impossible: Ghost Protocol que sabía dirigir acción pero al pobre Andrew Stanton no le han permitido dejar su sello y John Carter está dirigida, montada, escrita y diseñada con el piloto automático típico de una película de estudio. 

Un dineral, un cartel nada estrellado, un 3D absolutamente prescindible y ni un poquito de entretenimiento sin pretensiones después, John Carter ha fracasado como película, como Blockbuster (con unos tristes 30 millones de dólares en su fin de semana de estreno en USA que la taquilla internacional acabará compensando) y, probablemente como intento de saga cinematográfica. 

Pero que no punda el cánico. La 9ª Muestra SyFy nos ha traído buenas y disfrutables películas de las que hablaré en las próximas partes de esta crónica. Hasta entonces, id al cine y gastaos el dinero de John Carter en ver la entrañable y divertida Intocable.

Si quieres leer el resto de crónicas:
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (2)
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (y 3)

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El virus blockbusterizador

Stephen King está en boca de todos últimamente. A la adaptación televisiva de Bag of Bones (Un saco de huesos,) que la cadena americana AMC estrena en diciembre, y la adaptación cinéfilo-televisiva de La Torre Oscura, se une una nueva polémica.

Hace ya tiempo que se sabe que King estaba desarrollando Dr. Sleep, una segunda parte para su archiconocida novela El Resplandor. La semana pasada, el escritor hizo unas declaraciones asegurando que ya tenía el segundo borrador. Es cuestión de tiempo que alguien anuncie la compra de derechos. Hasta entonces, tenemos otra de sus novelas a vueltas: The Stand (Apocalipsis). La adaptación cinematográfica de este título está ahora en manos de Ben Affleck, que se convirtió en el director después de que David Yates rechazara la oferta.

En una reciente entrevista, preguntaron a Yates por este rechazo. Me ofrecieron The Stand. Me encanta The Stand. Lo leí cuando era un niño y era uno de mis libros favoritos de la adolescencia. Me encanta Stephen King, creo que es un escritor notable, decía. Tras Harry Potter, es normal querer trabajar con un autor que tiene el mismo alcance que J.K. Rowling y, sinceramente, Stephen King lo tiene. Sin embargo, mi problemas han sido con la adaptación. Quería trabajar con Steve Kloves y él conmigo, y los dos estábamos comprometidos a hacerlo, pero pensando en cómo queríamos enfocar la adaptación acabamos dejándolo. Nos retiramos.

Básicamente, lo más interesante de lo que cuenta Yates es que la historia de Apocalipsis no te lleva precisamente al tipo de blockbuster que Warner estaba buscando. Lo que me encanta del trabajo de King y de Apocalipsis es el hecho de que Stephen King te introduce de lleno en las vidas de esa gente y ves el mundo desde una perspectiva humana muy íntima, algo que me gusta. Sentimos la presión de crear ese estilo de cine mega-comercial, algo que podíamos hacer con Harry Potter porque existía en el material original, lo que no ocurre en este caso. Me preocupaba no ser capaz de desarrollar lo que el estudio estaba buscando partiendo de esa novela. Podía fácilmente ver una nueva adaptación a miniserie, una miniserie con muchos niveles, interesante e intricada”. 

Ben Affleck me gusta como director pero, ¿significan estas palabras de Yates que se ha involucrado en algo destinado al fracaso? Ya demostraron con Prince of Persia (y, para el caso, con muchas de las adaptaciones de libros de King) que un buen material de partida no garantiza absolutamente nada, y que la inserción de esos pastiches de cine comercial en una historia excelente se cargó el resultado. No soy ninguna purista de las adaptaciones, todo lo contrario, de hecho. Pero la fiebre de lo mainstream que sufren los estudios de cine tiene el superpoder de convertir algo con potencial en algo lamentable y olvidable que, además, tiene un efecto terrible sobre el material original.

Solo queda confiar que Warner no se cargue la que probablemente sea una de las mejores novelas de Stephen King y desaproveche algo que se mueve en ese género post-apocalíptico que tanto se lleva últimamente.

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Me muero por ver: The Hunger Games, J. Edgar y lo nuevo de Daldry

THE HUNGER GAMES

¿Qué?: Cada año, el malvado gobierno del capitolio obliga a los doce distritos de Panem a enviar a dos jóvenes, un chico y una chica, a participar en Los Juegos del Hambre. Estos juegos, creados como castigo a la rebelión que hace muchos años perdió el pueblo, son televisados a nivel nacional y en él los 24 participantes son obligados a luchar y matar hasta que sólo quede uno. Esta es la premisa de la trilogía literaria de Suzanne Collins que ahora Lionsgate intenta convertir en la próxima gran saga cinematográfica.
¿Quién?: Gary Ross, director de la estupenda e ignorada Pleasantville, se aleja de su estilo habitual de historias para embarcarse en este título que se mueve entre la acción, la fantasía y el drama. Jennifer Laurence, que no para de trabajar desde su papel en Winter’s Bone, encarna a Katniss, la única y gran protagonista de la historia. Junto a ella encontramos a un numeroso casting entre los que destacan Elizabeth Banks, Stanley Tucci y Woody Harrelson.
A favor: Recientemente decidí hacerme con las novelas con algo de temor a su calidad de historia juvenil. No podría haber estado más equivocada. A pesar de ser juvenil en su esencia, la historia cuenta con personajes carismáticos, historias siniestras y un tono oscuro y algo sádico que me engancharon de principio a fin.
En contra: Una de las grandes virtudes del libro es el relato en primera persona, que consigue que el lector conecte con el personaje de Katniss y camine de su mano celebrando sus victorias, lamentando sus errores y sintiéndose frustrado por ciertos comportamientos. Cada personaje está definido desde su visión y me resulta difícil imaginar cómo han adaptado la narración. Además, con este tipo de producciones juveniles siempre hay peligro de que eliminen los aspectos más siniestros de la historia.
¿Cuándo?: A España llegará el 20 de Abril.
Pronóstico: A pesar de todo, tengo grandes esperanzas puestas en Los Juegos del hambre, ya que el material, en buenas manos, tiene cualidades para convertirse a la vez una buena película en su género, una buena adaptación y un saga de éxito comercial.

J. EDGAR

¿Qué?: J. Edgar Hoover fue el primer director de la Oficina Federal de Investigación americana (FBI) y mantuvo ese puesto durante casi 50 años. Este biopic explora la vida pública y privada de una de las figuras más enigmáticas y controvertidas del S. XX.
¿Quién? Tras dos títulos bastante alejados de la calidad a la que nos tiene acostumbrados, Clint Eastwood vuelve a ponerse tras las cámaras. Le acompaña en esta aventura Leonardo DiCaprio, un actor definitivamente alejado de su imagen carpetera que ha sabido reconducir su carrera hasta el punto de convertirse en uno de los mejores actores de su generación. Junto al absoluto protagonista se pasean otros nombres como Naomi Watts, Judi Dench o Geoff Pierson.
A favor: A pesar de sus últimas películas, Eastwood sigue siendo garantía de calidad y confío que este sea el material que necesitaba para volver a regalarnos uno de esos dramas con toques de suspense que tan bien sabe hacer.
En contra: Aunque no sea garantía de nada, cierto es que la acogida de la crítica americana ha sido considerablemente fría. Casi tanto como lo fue con Más allá de la vida.
¿Cuándo?: A España llegará el 27 de Enero de 2012.
Pronóstico: ¿Estamos ante el primer oscar de DiCaprio? Juzgando sin ver, espero que así sea. Hasta entonces me quedo con esta broma de Funny or Die sobre el tema.

EXTREMELY LOUD & INCREDIBLY CLOSE

¿Qué?:Basada en una novela de Jonathan Safran Foer, cuenta la historia de un niño que pierde a su padre en los ataques del 11 de Septiembre. Desconectado de su destrozada madre y convencido de que su padre le dejó un mensaje escondido, se embarca en una búsqueda por la ciudad de Nueva York.
¿Quién?: Con una filmografía brillante, Stephen Daldry vuelve con una historia emotiva y, probablmente, lacrimógena acompañado del guionista de maravillas como Forrest Gump o El Dilema. En el reparto nos encontramos con Tom Hanks, Sandra Bullock, John Goodman, Viola Davis, James Gandolfini, Max Von Sydow y el debutante Thomas Horn como el niño protagonista.
A favor: ¿Habéis visto esas credenciales? Tras Las Horas, El Lector y Billy Elliot, con Eric Roth escribiendo y esos aires de drama existencial , estoy totalmente vendida a Extremely Loud and Incredibly Close. Más currículum es el autor de la novela, también artífice de Everything is Illuminated, una película muy peculiar y recomendable también basada en su obra.
En contra: Me cuesta pensarlo pero este tipo de historias de niño descubriendo cosas de la vida pueden ser demasiado almidonadas si se van de las manos. Pero tengo confianza plena en sus autores.
¿Cuándo?: A España llegará el 17 de Febrero.
Pronóstico: Insuperable.


Me despido con vídeos de otras grandes esperadas como Brave, de la que ya habló mi compañero Daniel, que ya tiene nuevo trailer y A Dangerous Method, la nueva película de David Cronenberg . Aún tengo pendiente hablar de ella, pero no perdáis la vista a Shame, fantástica cinta de Steve McQueen, sin duda uno de los mejores títulos del 59 Festival de San Sebastián.

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Las películas de Gantz en pantalla grande!

Tras su exitoso paso por el Festival de Sitges 2011, los Cinemes Nàpols de Barcelona nos ofrecen la oportunidad de ver Gantz y su secuela, Perfect Answer en pantalla grande. Este manga de Hiroya Oku ha sido todo un éxito y tuvo también una adaptación a anime que se emitió por todo el mundo.

Ahora, de la mano de Shinsuke Sato, nos llegan estos live-action protagonizados por Kazunari Ninoyima (a quien vimos en Cartas desde Iwo Jima de Clint Eastwood) y Kenichi Matsuyama, de Tokyo Blues.

A partir del 25 de noviembre, ambas películas que conforman la saga se podrán ver en los cines Nápols de Barcelona en tres pases diarios, Gantz a las 16h y Gantz: Perfect Answer a las 18:30h y las 21:30h. El precio de las entradas será de 5€ en días laborables y 7€ en fin de semana.

¡Pero esto no es todo! Mediatres Studio, distribuidora de las películas, quiere organizar una fiesta en torno a este estreno y todos aquellos que asistan al visionado haciendo cosplay (es decir, disfrazados de algún personaje o elemento del mundo manga-anime) recibirán códigos promocionales que les proporcionarán un 20% de descuento en cualquier compra hecha en la tienda online de Media 3 Store. Las compras superiores a 10€ tendrán envío gratis y un poster de regalo de la película adquirida.

Por si no sabéis de qué trata Gantz, aquí os dejo las sinopsis oficiales.

“GANTZ”:

Kei Kurono (Kazunari Ninomiya) y Masaru Kato (Kenichi Matsuyama) son dos jóvenes que son atropellados juntos por un tren, pero en lugar de morir aparecen sin ninguna explicación en un apartamento vacío, junto con otras personas igual de desorientadas que ellos. El apartamento no está vacío ni mucho menos; una misteriosa esfera de color negro llamada Gantz les confirma que todos han muerto y están obligados a participar en un mortal juego en el que tendrán que luchar contra unos monstruos alienígenas. Como ayuda contarán con unos trajes y armas especiales que les conferirán súper-poderes, y con los que serán capaces de enfrentarse a estas invisibles amenazas para el resto de mortales. ¿El objetivo final? Ser el número uno en puntuación y conseguir así un billete de vuelta entre los vivos.

 “GANTZ: PERFECT ANSWER”:

El detective Shigeta (Takayuki Yamada) investiga las misteriosas desapariciones de personas que están teniendo lugar, además de perseguir a una extraña secta que busca el pequeño orbe negro.

Mientras tanto, Kei Kurono (Kazunari Ninomiya) continúa su aventura matando a aliens para lograr alcanzar la puntuaión máxima, mientras se dedica a cuidar del hermano de Kato (Kenichi Matsuyama). Pero de pronto Gantz empieza a actuar de forma extraña y las normas que rigen la batalla dan un vuelco.

Para los que, como yo, no puedan ir a estos cines a disfrutar de las películas en pantalla grande, Gantz ya está a la venta en DVD y Perfect Answer se podrá adquirir a partir del 29 de Noviembre. 

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La correcta guerra de los botones

En 2004, Christophe Barratier me regaló esa fábula encantadora que es Los Chicos del Coro, cuya banda sonora tarareo y chapurreo a pesar de no saber más frances que el típico Voulez-vous coucher avec moi ce soir. Es por eso que, cuando Sensacine me invitó al visionado de su nueva película, adaptación de la novela de Louis Pergaud, no me lo pensé dos veces.

La nouvelle guerre des boutons nos lleva a un pequeño pueblo francés en 1944 donde, mientras la segunda Guerra Mundial sacude el mundo, los niños de la zona libran su propia batalla con un pueblo vecino. Con este planteamiento, Barratier introduce más elementos en el juego que van desde una niña judía huyendo de los nazis hasta revoluciones ocultas en la sombra.

La guerra de los botones es una historia entrañable, protagonizada por niños que parecen una versión a medio gas de aquellos coristas, que comienza como una fábula infantil de aventuras pero se pierde en su intento de reflexionar sobre algunos aspectos que el entorno histórico pone sobre la mesa. Estas dos líneas no convergen de forma natural ni satisfactoria, las secuencias de los adultos ni cuadran ni interesan y el resultado final es una desconexión total de todo lo que ocurre en la película.

Instrucciones de uso: A pesar de todo, lo nuevo del francés es entretenido y tiene algún punto cómico que provocó risas en la sala. Aunque fallida en sus pretensiones, no deja de ser un título correcto que se deja ver.

En el reparto destacan caras conocidas del cine francés como el últimamente multiempleado y polifacético Guillaume Canet, directo de Pequeñas mentiras sin importancia y actor en El Caso Farewell, ese título de 2009 que ha tardado dos años en llegar a España. También encontramos a Kad Merad y Gérard Jugnot, ambos en Los Chicos del Coro, o la aparición fugaz de Laetitia Casta.

La guerra de los botones es uno de esos títulos que caminan en el limbo del “sin más”. Una película lo suficientemente entretenida para que se deje ver y lo suficientemente insípida para resultar olvidable. Se estrena en España el viernes 11 de Noviembre. Aquí os dejo el trailer en Español (que casi me sangran los oidos al oír como han doblado a la niña).

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Crítica Harry Potter y las Reliquias de la Muerte parte II

El fin ha llegado, It all ends, Todo acaba,.... Los eslóganes de la Las Reliquias de la Muerte parte II pueden variar, pero el concepto está muy claro: el 15 de julio se terminarán de una vez por todas las aventuras de Harry Potter, el joven mago que consiguió que millones de niños recuperasen el apetito por la lectura. Y lo hace a lo grande, con una película que está enamorando a los pocos que hemos tenido la oportunidad y placer de poder verla: hasta el diario británico The Guardian, que siempre había sido muy duro con las adaptaciones de las novelas de JK Rowling, se ha rendido a los pies de una película que está a la altura de las grandes expectativas que había sobre ella.

La saga, que ha pasado por las manos de directores tan diferentes como Alfonso Cuarón, Chris Columbus, Mike Newell o el novato David Yates, ya había llegado a cotas muy puntuales de excelencia con El prisionero de Azkabán (la mejor película de la saga hasta el estreno de este desenlace), pero Las Reliquias de la Muerte consigue lo más difícil: encuentra un equilibrio perfecto entre las espectaculares secuencias de acción y los momentos emocionales de la película.

Conscientes de que no habrá más películas con estos personajes (si la Rowling vuelve a este universo es algo que está por ver), el guionista Steve Kloves no se olvida de Neville Longbottom, la profesora McGoenagall o la matriarca del clan de los Weasly, personajes muy secundarios en la saga que tienen varios momentazos que consiguen llevar al éxtasis a un público tan entregado como emocionado. El nivel de aplausos en la sala me recordaba inevitablemente a El retorno del Rey y La Venganza de los Sith, casualmente (o no) desenlaces de otras sagas que marcaron una época en el cine mainstream.

Entre las muchas cosas que hay que aplaudir de la cinta nos encontramos con su ajustada duración: poco más de 120 minutos - la película más corta de todas - son más que suficientes para contar el final del mítico duelo entre Harry Potter y Voldemort, un enfrentamiento que ha dejado en el camino numerosas víctimas (varias de ellas tienen una breve, emotiva y - por qué no decirlo - un tanto confusa aparición que llevará a las lágrimas a más de un fan) y que ha visto como ha sido ligeramente modificado en su salto al cine, en uno de los pocos cambios en relación al material original.

Tras recibir numerosas críticas por tener en su filmografía alguna de las peores películas de la serie (como El misterio del Príncipe), Yates se saca la espina y crea una serie de escenas antológicas que dejan a la audiencia boquiabierta y emocionada, empezando ya por ese robo en Gringotts que pone rápidamente sobre la mesa las cartas con las que jugará la película. Es difícil quedarse con una sola escena de la película: Las Reliquias de la Muerte está llena de grandes momentos, como ese esperadísimo beso entre dos de los protagonistas que le roba todo el protagonismo a la pareja formada por Harry y Ginny, una trama que jamás funcionó y que carecía por completo de química (más por culpa de ella: Radcliffe aguanta perfectamente el peso de una entrega que recae sobre sus hombros más que nunca).

Instrucciones de uso: Tradicionalmente las adaptaciones de las novelas de Rowling se han quedado uno o dos peldaños por debajo del material original, pero Yates y compañía se ponen las pilas en el desenlace de una saga de aventuras que ha marcado una generación. Épica y emoción se dan la mano en la película más imprescindible del verano.

Como detalle más anecdótico pero determinante a la hora de decidir cómo ver la película nos encontramos con un 3D que merece cada uno de los tres euros extras que hay que pagar para ver la película en este formato. La película no se rodó así, pero la conversión se ha hecho con mimo y cuidado: la Warner no iba a permitir que su niña bonita quedase mal ante sus millones de fans. Y como muestra, la negativa de los productores a estrenar el capítulo anterior en el formato tridimensional: si van a hacer la conversión, la hacen bien. Y eso es lo que vemos. En contra un pequeño pero: la fotografía, uno de los apartados tradicionalmente más acertados de la película, brilla menos que en otras ocasiones.

Reconociendo que en esta crónica se me ha ido de las manos un poco la vena fanática, lo que es innegable es que Las Reliquias de la Muerte segunda parte hará disfrutar enormemente tanto a espectadores más metidos en el mundo potteriano como a los que se han acercado a él ocasionalmente. Un regalo para la vista y los oídos (cortesía de un Alexandre Desplat en estado de gracia) que nos deja una sensación agridulce con sus títulos de crédito final: nos da pena llegar al final, pero todo es más fácil con un producto redondo y, nunca mejor dicho, mágico como este.

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Maratón Harry Potter: El Misterio del Príncipe

Después de ceder su puesto a Michael Goldenberg , Steve Kloves vuelve a coger la pluma de Harry Potter para adaptar la que en ocasiones retitulo Harry Potter y el no-misterio del Príncipe, uno de los títulos más fallidos de toda la saga.

Cuando se habla de adaptaciones, mi posición siempre es muy permisiva y comprensiva con la diferencia de lenguajes entre una novela y una película y la imposibilidad de plasmar toda la información que permite ofrecer la palabra escrita, sobretodo cuando se trata de tantas páginas como en la saga de J.K. Rowling. Sin embargo, en este caso considero que la gran causante de que “El misterio del Príncipe” sea tan fallida viene de una adaptación poco hábil y una administración de tramas demasiado irregular y con las prioridades equivocadas.

Los verdaderos conflictos que se manejan en el libro, tomando como columna vertebral el misterio del príncipe mestizo y el pasado de Voldemort. Los episodios hormonados de sus protagonistas son lógicos por edad y resultan entretenidos pero Kloves ha abusado demasiado de ellos en su libreto sobretodo cuando se tiene en cuenta la cantidad de historia y tensión potenciales de la novela y que éstos alivios sentimentales deben funcionar en segundo plano como potenciador de las emociones de sus protagonistas. El guión acaba limitándose a una sucesión de escenas con una conexión muy pobre entre ellas y donde la evolución brilla por su ausencia salvo, quizá, en el caso de Draco Malfoy.

Formalmente, la entrega funciona. La fotografía sigue destacando, el diseño de producción es excelente y David Yates sigue perfeccionando su puesta en escena y el uso del punto de vista de sus planos brilla más que el contenido de las secuencias. Lo más decepcionante del aspecto técnico es, al igual que en la anterior entrega, la banda sonora original de Nicholas Hooper. Carente de toda épica y reminiscencias a cualquier leit-motiv de la saga, la partitura de Hooper es pobre, no acompaña ni consigue destacar por sí misma o elevar la emoción de las secuencias.

Instrucciones de uso: Con el segundo visionado, sabiendo ya lo que uno se va a encontrar, esta sexta entrega gana en entretenimiento y se disfrutan ciertos pasajes de la historia de forma individual. Como conjunto sigue dejando un sabor de boca muy agridulce.

Harry Potter y el Misterio del Príncipe es un trámite necesario para llegar a las dos últimas entregas de la saga pero no funciona por sí misma y deja una sensación de macguffin muy similar a la de La Orden del Phoenix cuando había material suficiente para haber ofrecido dos horas y media de buena mitología harrypotteriana.

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Maratón Harry Potter: La Orden del Fénix

Tras cuatro capítulos de introducción, Harry Potter llega con La Orden del Fénix al meollo del mítico duelo entre el malvado Voldemort y su némesis, "El chico que vivió". O debería, porque a la hora de la verdad novela y película funcionan más por algunos elementos individuales que sobresalen dentro de la función (las consecuencias de la aparición del personaje de Dolores Umbridge, las clases de Oclumancia del profesor Snape o el ejército de Dumbledore serían buenos ejemplos) que como obra en sí misma: después del clímax de El cáliz de fuego cabría esperar una entrega más explosiva y directa, pero nada más lejos.... los avances se reducen a los miedos del Ministerio y un duelo en las localizaciones de este que acaba con la muerte de uno de los personajes más queridos de la serie.

Tras enamorar a la crítica e industria televisiva con la sensacional miniserie política State of Play, David Yates dirige con la primera de sus cuatro aportaciones a la saga un capítulo efectivo y funcional pero que no llega a brillar particularmente en ningún momento. Afortunadamente, la hasta el momento de su publicación novela más larga de la saga se convierte en la película más corta de las ocho, un acierto si tenemos en cuenta que La Orden del Fénix es el peor macguffin de toda la serie. Por muy prometedor que pudiese parecer en un momento el título del libro, con el paso de las páginas (los minutos en este caso) nos damos cuenta de que los tiros van por otras partes.... un tanto dispersas.

Instrucciones de uso: la carismática presencia de Imelda Staunton o Helena Bonham Carter como unas agradecidas villanas y las aventuras del nuevo ejército de Dumbledore dan brillo a una entrega tan entretenida y formalmente impoluta como inferior a los libros, un clásico en la saga.

Notablemente superior al blockbuster medio, las sensaciones de que las aventuras de Harry Potter podrían ir más allá en la gran pantalla continuán.... pero hay que ser consciente de que un libro es un libro y una película, una película: hay que dejar de lado los talifanismos y disfrutar de La Orden del Fénix como lo que es: una obra menor dentro de la saga y un complemento perfecto a los que amamos las aventuras de la Rowling. No se le debe pedir mucho más.

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Maratón Harry Potter: El Cáliz de Fuego

Continuamos con el especial dedicado a la saga Harry Potter, la serie de películas que ha conquistado a jóvenes y no tan jóvenes desde que en 2001 se estrenase la adaptación del primero de sus libros, La piedra filosofal. Ahora es momento de hablar de El Cáliz de Fuego, la continuación inmediata de El prisionero de Azkabán, la mejor película inspirada en la saga basada en las novelas de JK Rowling (al menos hasta que veamos la segunda parte de Las Reliquias de la Muerte el próximo 15 de julio).

Tras el agotamiento de un Alfonso Cuarón que había dado nueva vida a la serie con la anterior entrega de la serie, el director elegido para capitanear el barco era Mike Newell: artesano que ya había demostrado su versatilidad en películas tan distintas como Cuatro bodas y un funeral, Donnie Brasco o La sonrisa de Mona Lisa: el realizador inglés (el primero en la saga hasta ese momento) aporta unos mínimos más que correctos, pero al producto le falta la garra y personalidad de la que si disponía Azkaban.

A favor de la película podemos decir que apuesta por la aventura de lleno, ofreciendo un relato muy entretenido gracias a las posibilidades que da el torneo de los Cuatro Magos. Las pruebas (menos a vida o muerte de lo que nos quieren vender), las consecuencias de la aparición en escena de Fleur Delecour y compañía y las excentricidades del nuevo profesor de Artes Oscuras (continuando con la famosa maldición en este puesto de trabajo) entretienen a las audiencias hasta el magnífico clímax de la película, con ese retorno por todo lo alto de un Lord Voldemort al que da vida Ralph Fiennes.

Instrucciones de uso: Aunque carece del poso de El prisionero de Azkabán o (en su mayor parte) el dramatismo que caracteriza las posteriores películas de la saga, El Cáliz de Fuego funciona a la perfección como cinta de aventuras y acción en la que hay cabida para la comedia, el romance y hasta el terror. No es un prodigio de personalidad, pero es entretenida a rabiar.

La esperadísima aparición de Aquel que no debe ser nombrado y la muerte de un Cedric Diggory interpretado por el entonces desconocido Robert Pattinson marcan el punto de inflexión en la saga: si antes estábamos viendo un relato juvenil que se oscurecía por momentos, después del clímax de la cuarta película queda claro que estamos ante un relato más tenebroso y adulto de lo que nos espérabamos encontrar cuando descubrimos por primera vez el mágico mundo de Rowling.

No acostumbra a entrar en el top de películas favoritas de la saga, pero poco más se le puede pedir a El cáliz de fuego de lo que ya da. Los que se quejaban de que había subtramas que se quedaban fuera de la película tienen que entender que una película no es un libro y que no es fácil sintetizar más de 700 páginas en algo más de dos horas y media.

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Maratón Harry Potter: El Prisionero de Azkabán

Con la tercera entrega de la saga, Alfonso Cuarón toma el relevo a Chris Columbus, entrando de lleno en la etapa más oscura y adulta de las historias del joven mago. Respetando y adaptando fielmente lo que se relata en la novela de J. K. Rowling, Cuarón nos presenta una historia de hombres lobo, espectros terroríficos y asesinos sanguinarios sin miedo a dejar que el inocente misterio de las dos aventuras anteriores de paso a un tono tétrico y siniestro de lo más disfrutable.

El Prisionero de Azkabán probablemente sea, a día de hoy, la película más redonda de toda la saga de Harry Potter. Personajes sombríos, constantes referencias al pasado de Harry Potter y el origen de la leyenda y poderosos sentimientos que se manejan como el abandono, la traición, la venganza, la soledad o la injusticia se combinan en un cocktail perfecto con un Cuarón muy dinámico, muy cuidadoso con el segundo plano y especialmente hábil con los travelings y las secuencias más épicas que, junto al tono que comentaba y una excelente y tenebrosa fotografía, consigue atrapar al espectador en la red de esta historia repleta de detalles y guiños para el seguidor más fiel o el más perspicaz.

Instrucciones de uso: Las aventuras en Howgarts empiezan a dejar de ser aptas para todos los públicos y los más peques de la familia empezarán a sentirse incómodos en sus butacas, además de que la mitología empieza a tomar una forma y un cáliz muy densos para el espectador infantil.

Harry Potter y el Prisionero de Azkaban te grapa a la butaca, te atrapa en su atmósfera gris, te presenta a nuevos e interesantes personajes, inyecta profundidad a los magos protagonistas y nos hace partícipes de una aventura de interés y drama considerablemente superiores al que tenían las dos entregas anteriores. Acabo con una pregunta inocente… ¿Qué sería de esta historia sin la increíblemente inteligente y tenaz Hermione Granger?

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Maratón Harry Potter: La Cámara Secreta

Ya quedan menos de dos semanas. Parece que fue ayer cuando los fans de las aventuras de Harry Potter estallamos en rabia, nerviosismo y posterior alegría (todo en uno) al enterarnos de que el esperadísimo desenlace de la saga, Las Reliquias de la Muerte, llegaría partidos en dos entregas. Antes de que podamos ver de una vez por todas el final (de una era, cómo han insistido en destacar en la campaña de promoción del film), es el momento de continuar con el maratón de la las adaptaciones de las novelas de JK Rowling.

Es un hecho: Harry Potter y la Cámara Secreta es la película menos interesante de la saga. Después de convencer más o menos a todo el mundo con la adaptación de la primera entrega, Chris Columbus se enfrentaba al reto de poner en imágenes la que es claramente la novela menos interesante de la saga: una vez ya hemos perdido el factor "introducción" de La Piedra Filosofal, el marcado tono infantil, ligero y mayoritariamente autoconclusivo no hace ningún favor a un Columbus que tampoco destaca en su puesta en escena. Menos mal que tiene a John Williams para darle un punto de épica extra al conjunto, como queda claro cada vez que escuchamos el mítico theme de la película.

En La Cámara Secreta conocemos a a Dobby y Draco Malfoy, viajamos al pasado de la mano de un joven Lord Voldemort y oímos hablar de Azkaban, pero nada de ellos es suficientemente determinante para el futuro de la saga o interesante por sí mismo para hacer de esta segunda entrega un gran momento de la saga. Tampoco ayuda la pronta desaparición de Hermione en la trama ni la abusiva duración de 160 minutos, como si de una película de Scorsese se tratase.

La Cámara Secreta sufre el efecto transición que pasa a menudo en las sagas de aventuras: no tiene la ventaja de introducirnos en el universo de la serie ni tiene un desenlace poderoso: es un entretenido y efectivo, pero poco brillante paso al tono más oscuro, interesante y dramático que supondría El prisionero de Azkabán.

Inconvenientes (más que defectos, si somos justos) al margen, La cámara secreta es una película entretenida y una adaptación fiel al material de Rowling, qunque yo la veo más como un puente que hay cruzar cuanto antes para llegar a lo verdaderamente potente de la saga.

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Maratón Harry Potter: La Piedra Filosofal

Dos millones de dólares. Ese es el precio que separaba, en 1999, a Warner Bros de los derechos de adaptación cinematográfica de los cuatro primeros libros de la serie de J.K. Rowling “Harry Potter”. Tras el rechazo de Steven Spielberg, que personalmente me resultaba una opción acertada, fue Chris Columbus el que llevaría a cabo la realización de la primera entrega con el libreto de Steve Kloves en mano, guionista de casi toda la saga.

Doce años después, es increíble cómo pasa el tiempo, estamos a pocas semanas del estreno de la última entrega de las aventuras de Harry y Warner Bros ha querido conmemorar este final organizando maratones en varios cines por toda España, evento al que La Última Película se ha unido sin dudar.

Harry Potter y la Piedra Filosofal funciona perfectamente como película introductoria a una larga e intricada historia de magos y brujas. A pesar de tratarse de una historia de gran continuidad, cada libro, y por tanto cada adaptación cinematográfica, elabora sus historias a partir de una trama prácticamente autoconclusiva que funciona como columna vertebral. Esto se aprecia de forma más clara en las primeras entregas pero La Piedra Filosofal tiene una particularidad y es que relega esa trama a un claro segundo plano, dedicando así la mayor parte del metraje a presentar ese maravilloso mundo de los magos.

Una década después, se estrenó en 2001, la magia de ese primer contacto con el mundo mágico consigue mantenerse. Volvemos a sorprendernos con las escaleras y los cuadros que se mueven, con la majestuosidad de Hogwarts, los hechizos y encantamientos y, en general, todos esos pequeños detalles que hacen tan especial este universo harrypotteriano. Destacar la brillante banda sonora original creada por John Williams, esas 30 notas que componen el leitmotiv principal ya han pasado a formar parte de la historia del cine.

Intrucciones de uso: Este primer contacto con la saga es el más infantil de todo lo que vendrá después. Poco a poco, la saga se va oscureciendo lo que probablemente la convierta en más interesante para aquellos que vean La Piedra Filosofal demsiado naif

Harry Potter y la Piedra Filosofal es divertida, sorprendente y, por supuesto, mágica. No es la mejor entrega pero es una puerta hacia un mundo muy especial lleno de conjuros malignos, deportes de riesgo, dragones, traiciones y tramas que van creciendo en torno al entrañable trío protagonista al que, literalmente, hemos visto crecer.

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Confesiones de una profe peligrosa

Kanae Minato publicó en 2008 “Confessions”, novela que tras 2 millones de ejemplares se ha convertido en uno de los mayores betsellers japoneses de los últimos años. La adaptación cinematográfica no tardó en llegar y fue de la mano de Tetsuya Nakashima, realizador nipón que ha obtenido numerosos premios con este trabajo.

Es el último día de clase en un instituto y Yuko Moriguchi se despide de sus alumnos con un discurso de conclusión sorprendente: dos de los presentes son los culpables de la muerte de su hija de cuatro años. Y ya ha planeado su venganza.

Este es el punto de partida de una historia enfermiza y obsesiva para todos los que la protagonizan. Recurriendo a las ventajas del punto de vista múltiple, Nakashima nos relata la verdad de lo ocurrido a través de todos los personajes implicados: la profesora, los alumnos acusados, una compañera de los mismos, sus padres y el profesor sustituto.

Confessions es un drama duro e intenso con ciertos toques de thriller, género que erróneamente han querido destacar en la promoción de la película, que cuenta con unos personajes excéntricos y perturbados a los que la vida ha hecho mucho daño. Es una historia de muñecos rotos con asuntos sin resolver que cobran importancia casi letal en este contexto de presión y dolor. En la historia están implícitas ciertas denuncias sociales como la violencia estudiantil y su relación con la ley de menores, la incompetencia del sistema educativo y la sobreprotección o abandono de los padres, temas que hacen reflexionar y completan la historia.

Pero la verdadera fuerza de esta producción la encontramos en el aspecto visual. Una fotografía de mucho contraste con recurrente visión onírica y surrealista, apoyada por la dirección de Nakashima y sus planos imposibles y combinada con un montaje a cámara lenta y una banda sonora evocadora, atrapa desde el primer momento.

INSTRUCCIONES DE USO: Confessions es muy asiática en su ritmo, algo que se potencia mucho más con el uso de la cámara lenta, y no es apta para aquellos que no disfruten de una historia contemplativa, de ritmo irregular pero mayormente pausado y con una narración centrada principalmente en la psicología de sus personajes y los pequeños detalles que la caracterizan.

¿Por qué os cuento esto ahora? Resulta que el film de Tetsuya Nakashima no ha pasado, casi lógicamente, por las salas españolas y el 5 de julio estará disponible para su compra o alquiler en DVD. Warner ha distribuido hoy un trailer en español de la película. Un dato, el tema de Radiohead que aparece en el trailer es el tema principal de la película y fue ofrecido casi en exclusiva en su momento.

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127 horas son mas que cinco días

Aron Ralston es un aventurero. Un buen día de 2003 decidió ir a dar un paseo por Blue John Canyon, pero quedó atrapado entre dos paredes de roca sin más ayuda que lo que tenía a mano. Tras cinco días atrapado, y siendo consciente de que nadie sabía donde estaba ni probablemente le echaban de menos, la única opción que le quedaba era dejar su brazo en aquel entorno rocoso para siempre.

Esta es la historia que nos cuenta Danny Boyle en su última película como director, en la que vuelve a su yo más videoclipero y tan crudo y onírico como le recordamos de títulos como Trainspotting.

Con la remarcable interpretación de James Franco como Ralston, 127 horas es una experiencia visual más que narrativa. Durante la hora y media de su protagonista atrapado en una roca, somos testigos de la evolución de una persona cada vez más consciente de su propia muerte.

127 horas es muy efectiva a la hora de transmitir sensaciones. El uso de la luz, los planos subjetivos y de unos puntos de vista muy diferentes y orgánicos, consigue conectar con los cinco sentidos del espectador, que se descubre paladeando los pequeños tragos de agua de Aron o casi sintiendo el agradable calor del sol en su piel.

Boyle se mete en la mente de Ralston y opta por hacer un cocktail de sueños, recuerdos e intento de supervivencia muy efectivo que narrativamente en ocasiones pierde el norte pero es tan hipnotizante que no importa. Además, disfruta jugando con el espectador y la información que éste tiene de la historia y su final.

Los medios han destacado esos 3 minutos de angustia tan explícitos que han provocado desmayos en algún festival pero 127 Horas es mucho más que eso. Es un experimento de realización interesante y recomendable.

Se estrena el 7 de Febrero en España.


PD: Quiero agradecer a 20th Century Fox España por invitarnos a mí y a otros bloggeros a un pase exclusivo en sus oficinas. Apreciamos mucho este tipo de iniciativas que aún no abundan entre el mundo blogger.

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58 ed. Donostia: Elisa K [España]

Este es uno de esos títulos hechos para los críticos cinematográficos gafapastiles que orgasmean sólo escribiendo sobre ellos con frases y metáforas lo más rebuscadas posibles sin importar que realmente luego no digan nada. Ah, sí. Ganó el premio especial del jurado del festival.

Dicho eso (y sintiéndome mucho más liberada) tengo que decir que Elisa K no es una mala película. Por supuesto que no. Pero sí es pretenciosa, y mucho. Esa mezcla de la narración en prosa literaria nada cinematográfica de mano de la voz en off unida al blanco y negro consiguió que la viese con recelo desde el primer momento.

Judit Colell, que ya nos aburrió en una pasada edición del festival con 53 días de invierno, se enfrenta a un tema complicado que, a la vez, no deja de estar algo manido. Desconozco la novela original sobre la que se basa el relato pero a mí toda la historia se me antoja una justificación creada en torno a la desgarradora secuencia que tiene Aina Clotet al término de unos lentos 70 minutos.

¿La recomiendo? No precisamente. No cuenta nada especialmente nuevo, estilísticamente no supone ninguna revolución y no destaca prácticamente en ningún aspecto salvo, quizá, la interpretación. ¿Es una pérdida de tiempo verla? Pues tampoco.

A pesar de todo lo dicho, Elisa K no deja de ser una historia conmovedora con unas buenas interpretaciones cuya naturaleza requiere una conexión con el espectador desde el principio que, si se consigue, probablemente se disfrute de una forma que yo no fui capaz de conseguir.

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Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 1

Siempre he sido fiel y ávida seguidora de la saga Harry Potter desde sus inicios. Las películas me introdujeron en su mundo y a partir de ahí, entré en los libros y demás. Aunque creo que todos los títulos se han mantenido siempre en un nivel más que aceptable de entretenimiento e interés, con altibajos, claro, sí es cierto que la última que habíamos visto, Harry Potter y el Misterio del Príncipe, fue una de las entregas más flojas.

En Las Reliquias de la Muerte, primera parte, el mismo equipo nos ofrece todo lo contrario: una de las mejores entregas del mago que combina de forma excelente todos los géneros en los que se mueve. Desde el misterio, la tensión o la acción más pura hasta los alivios cómicos o los momentos más dramáticos o sentimentales, David Yates nos lleva de la mano en este preámbulo al gran desenlace de la historia.

Esta penúltima entrega partía de un problema de base que han sabido superar con creces y es que el contenido de la primera mitad del último libro de Potter es considerablemente lento y se centra más en las luchas internas de sus personajes y su relación con los demás que en propio desarrollo de la historia. Este potencial handicap se convierte sin embargo en una de las mejores bazas de la historia ya que, como sí ocurría en anteriores entregas, la narración no se ve obligada a concentrar toda la información de una sola novela en dos horas de película y puede poner así, el foco en los pequeños detalles, en los silencios, y recrearse en detalles que de otra forma no habría podido explotar.

Lo mejor: Que haya conseguido superar el recelo con el que nos hemos acercado a verla algunos y lo haya hecho de forma tan notable.
Lo peor: Que siempre existan esos hooligans puristas de la obra original que sacan punta a cada detalle que ellos habían visto de otra forma.
La secuencia: Podría decir muchas (y de naturaleza muy variada) pero quiero aprovechar para aplaudir ese pequeño corto dentro de la película que cuenta, con una animación muy peculiar y algo Burtoniana, el origen de las Reliquias de la Muerte.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, primera parte, es un título de lo más divertido, interesante, con un toque oscuro muy atractivo, esa atmósfera y tratamiento visual tan cautivador propios de la saga y, en definitiva, muy entretenido y completamente recomendable.

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58 ed. Donostia: Hjem til jul (Home for Christmas [Noruega]

En navidad lo que se llevan son esas historias sobre la importancia de la familia y la amistad normalmente contadas desde un punto de vista optimista. Home For Christmas no es una excepción. Adaptada de una selección de historias cortas del autor noruego Levi Henriksen, nos presenta pedacitos de las vidas de un grupo muy heterogéneo de personajes, desde un vagabundo hasta un médico a domicilio.

Esa diversidad de personajes y sus múltiples formas de amor recuerda mucho a la estupenda Love Actually, con la que es imposible no comparar. Sin embargo hay algo en lo que Home for Christmas se desbanca y es el tono. Aunque hay bastantes dosis de humor, de esperanza y de ternura, también hay mucho hueco a la desesperación y la tristeza. Es una combinación agridulce bastante equilibrada que hacia el final se inclina más por el drama que por la comedia.

Como ocurre en este tipo de títulos corales, hay historias con más fuerza, más originales o con las que conectas más y otras menos interesantes que se convierten en pequeños baches, ya que la percepción de ellas es mucho peor al estar deseando que pasen a la siguiente.

Home for Christmas es una de esas historias de personajes entrañable y emocional que vienen estupendamente para una tarde lluviosa de domingo. Ah! Y mejor en navidades y en compañía.

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43 Ed. Sitges: Colorful.

Eres un alma. Un alma vagando en algún lugar del cielo. Un ángel guardián se te acerca de repente y te informa que has sido premiado. Tienes una segunda oportunidad. Un niño, Makoto, se ha suicidado y tienes la oportunidad de ocupar su puesto.

Ya desde el comienzo, con una perspectiva en primera persona, Colorful nos invita a ponernos en el lugar del nuevo Makoto, un joven que vive entre la falta de comunicación familiar, la marginación e incluso el abuso escolar. Debe acomodarse en este ambiente tremendamente hostil y ajeno y ser capaz de retomar su vida mientras trata de descubrirse a sí mismo.

A pesar de su título, Colorful es una película gris con un protagonista gris. El punto de partida tan interesante consigue enganchar a la historia desde el principio pero ese ritmo lento, con muchos silencios y la gran carga dramática la convierte en tediosa en algunos tramos.

Es de esos títulos que hay que ver en el momento adecuado preparados para ver algo con este tempo tan calmado y un estilo que es hasta comedido en la animación y no aprovecha del todo el poder del color de su título para dar más vida y contrastes a la historia.

Con todo, Colorful es una buena película que reflexiona sobre temas interesantes, que resulta emotiva y que ofrece un abanico de situaciones adolescentes entre las que es difícil no encontrar alguna similitud con nosotros mismos que nos conecte con la historia.

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58 ed. Donostia: Come Reza Ama (Eat Pray Love) [EEUU]

Julia Roberts es premio Donostia este año y eso me genera opiniones enfrentadas. Por una parte, no me parece tan escandalosamente vergonzoso como dárselo a Matt Dillon (que se lo llevó a casa en 2006) cuando Clint Eastwood no lo tiene, por ejemplo. Pero, aunque creo que ella es única y que lo merece más que muchos, no puedo evitar que me resulte algo “de broma” este premio.

Julia vino a España, junto a Ryan Murphy, Javier Bardem y Richard Jenkings, a presentar su nueva película Come Reza Ama, adaptación cinematográfica de la novela autobiográfica del mismo titulo que firma Elizabeth Gilbert. Y es un coñazo.

Sí, la estructura por los capítulos del título funciona, tiene reflexiones interesantes y es fácil sentirse identificado con la crisis existencial que atraviesa la protagonista y la forma en la que va descubriendo y entendiendo la vida. Y tiene momentos concretos bastante memorables.

Pero esos pocos puntos positivos no son suficientes ni se utilizan de forma efectiva en una historia mucho más repleta de tópicos de lo que ella se cree, de un ritmo demasiado lento y con una falta de personalidad preocupante. Suerte que Julia Roberts y su encanto le dan un poco de luz a cada secuencia. En cualquier caso, es muy probable que Come Reza Ama guste a aquellos que hayan disfrutado con la de la novela, ya que la fidelidad en la adaptación se nota a pesar de no haberla leído.

En definitiva, un título que llega a aburrir por su ritmo irregular, su excesiva duración, la insuficiente presencia de sus secundarios y por realmente no aportar nada nuevo. Y lo dice alguien que se traga hasta el título más insignificante de este género. Come Reza Ama se estrena en España hoy, 24 de Septiembre.

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