Déjate arrastrar por la Melancolía.

Lo reconozco: me gusta Lars Von Trier. Es un director que sabe castigar al espectador y transmitir todo tipo de sentimientos a la vez que tortura a sus protagonistas, generalmente femeninas. Tras Anticristo, estaba algo desencantada con un director que tanto me había emocionado con títulos anteriores pero ese no es más que un borrón en una carrera brillante en la que Melancholía conquista un puesto privilegiado.

Melancholia tiene dos grandes partes diferenciadas. En una encontramos a una sutil y estupenda Kristen Dunst, una joven que celebra su reciente matrimonio junto a su familia en un gran caserón. Justine es depresiva y, por mucho que lo intenta, le es difícil negar su naturaleza. En la segunda parte nos encontramos con Clare, magnífica Charlotte Gainsbourg, la hermana de Justin que trata de lidiar con ella a la vez que intenta ignorar que hay un planeta que se acerca a la tierra amenazante con chocar contra ella y acabar con toda vida.

Al igual que comentaba con Another Earh, Lars Von Trier usa aquí el elemento fantástico como metáfora para explicar y condicionar los sentimientos de sus dos protagonistas. También comparando con otra maravilla reciente, El árbol de la vida, Melancolía cuenta sentimientos, sensaciones y conceptos abstractos y consigue transmitirlos con la estética, la fotografía, las sutilezas de sus actrices y el recurso de la ciencia ficción.

Instrucciones de uso: Von Trier recurre aquí a un ritmo pausado y contemplativo que combina con un tono intenso y dramático. Es una de esas películas que hay que saber lo que uno va a ver e ir con el humor adecuado. 

Melancolía atrapa desde sus magistrales y polémicos primeros minutos y mantiene al espectador anclado en un relato rebosante de detalles, momentos especiales y metáforas que son capaces de resumir un sentimiento con un gesto o una historia con una secuencia. Esa limusina atascada en el camino al arranque del film es un claro ejemplo de esto último. Se estrena hoy mismo 4 de Noviembre.

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[44 ed. Sitges] ¿Podrás volver a dormir tranquilo?

Los psicokillers han dado mucho juego en la historia del cine. En Mientras Duermes, Jaume Balagueró no teme inspirarse en grandes perturbados como Norman Bates o Hannibal Lecter a la vez que inyecta personalidad en fondo y forma a este sobresaliente thriller psicológico.

Luis Tosar es César, un portero de edificio servicial y educado por el día y meticuloso y frío acosador por la noche. Clara, Marta Etura, vive en uno de los apartamentos del bloque sin darse cuenta del escrutinio que César hace de su vida, aunque ella no es la única víctima de los actos retorcidos del portero.

Tras disfrutar de títulos como [REC] o Para entrar a vivir, Balagueró me sorprende con este oscuro, íntimo e inquietante thriller psicológico en el que el espectador camina de la mano de un personaje perturbador y magnético a la vez. Huyendo del abuso de sobresaltos, de música tramposa y de clímax forzados, el guión se esfuerza en atraparnos en la tensión constante que resulta del permanente peligro a ser descubierto y de la angustia que provocan los actos del protagonista. Ese suspense que nace en los primeros minutos de metraje va creciendo, lento pero seguro, sin desperdiciar el nerviosismo del espectador que, cuando llegan los escasos pero intensos puntos álgidos de la historia, tiene tanta inquietud acumulada que lo vive con gran excitación.

A este nivel de tensión hay que sumarle esa dualidad tan complicada de manejar en la que se encuentra una audiencia por un lado consciente de la maldad de César y por otro inclinada hacia ese hombre al que han ido acompañando durante toda la película. Empatizar con el antagonista siempre es divertido.

Instrucciones de uso: Mientras duermes juega con un suspense muy sutil que surge lentamente de la naturaleza enfermiza de los actos del protagonista, por lo tanto se aleja de otros psicokillers más agresivos como podría ser Freddy Kruger.

Mientras Duermes ha sido uno sin duda uno de los mejores títulos que he podido disfrutar en el Festival de Sitges, un thriller fantástico y muy distinto a lo que estamos acostumbrados a encontrarnos últimamente en este género, sobretodo entre las producciones patrias. Se estrena hoy mismo, 14 de Octubre. No volveréis a ir a la cama tranquilos sin mirar antes debajo de la cama.

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[44 ed. Sitges] Explorando nuestra Otra Tierra...

Another Earth llega a Sitges tras triunfar en el festival de Sundance, donde fue galardonada con el premio Alfred P. Sloan y la mención especial del jurado en el apartado de ficción. En ella conocemos a Rhoda y John, dos personas perdidas que comparten un suceso trágico que les afecta de forma muy distinta. Al mismo tiempo, aparece en el cielo una nueva tierra que parece ser un espejo de la nuestra.

Mike Cahill escribe junto a Brit Marling (quien también interpreta el papel principal) una historia de tragedias y culpas donde la ciencia ficción sirve como metáfora indispensable para comprender y acompañar a los personajes en su camino de redención y superación. Esa tierra espejo pesa sobre ambos protagonistas, que se preguntan si sus otros yo habrán sufrido el mismo destino que ellos. El propio Cahill hacía referencia a La doble vida de Verónica como una de sus inspiraciones y referentes para esta película.

Al igual que contaba Vigalondo en San Sebastián a raíz de Extraterrestre (podéis escuchar un corte en el especial Donostia de Esta peli ya la he visto), el realizador estadounidense concibe la ciencia ficción como un vehículo para narrar otro tipo de historias y, como en este caso, complementarlas y completarlas.

Intrucciones de uso: En esta producción independiente, el fondo escapa al muy bajo presupuesto, algo que la forma no puede, por lo que es intimista y pausada. Personalmente disfruto mucho con este estilo de narrar pero, ya que el trailer oficial vende algo considerablemente distinto a lo que luego os encontraréis al ver la película, he considerado adecuado hacer la aclaración.

Además de un guión repleto de detalles, referencias y metáforas, destacan el uso de una música electrónica y melancólica que, junto a una fotografía que juega con el frío y el calor, acompañan al tono desconsolado y triste de una historia en la que es otra tierra la que ofrece un atisbo de esperanza.

En el siguiente vídeo de la rueda de prensa en Sitges, Mike Cahill habla de la simbología en la secuencia de la sierra musical, el uso de la música para reforzar conceptos y cómo el aspecto visual va evolucionando a la vez que los personajes.

Another Earth pone sobre la mesa la tristeza de la pérdida, el rechazo a la autoindulgencia y la superación como resultado de una ecuación matemática de los miedos y traumas de dos personas.

PD: Tras San Sebastián, ahora estoy a tiempo completo en el Festival internacional de cine fantástico de Sitges. No temáis, más críticas de las películas vistas en ambos festivales están por venir… Sólo necesito tiempo.

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43 ed. Sitges: Thirteen Assassins.

El samurai Shimada recibe el encargo secreto de matar al hermano del Shogun, Naritsugu, que carece de todo escrúpulo y su ascenso al poder está dejando muchas vidas en el camino. Reunirá a doce hábiles samurais para la tarea. ¿Problema? Son 13… contra todo un ejército controlado por Naritsugu.
Takashi Miike vuelve a la carga con esta historia de violencia, honor y muerte que divide en dos partes de estilo, propósito y ritmo muy diferenciados.

La primera es una larguísima presentación de la situación. Miike nos relata, poco a poco, los entresijos entre los clanes de samuráis, los problemas creados Naritsugu y cómo Shimada va reuniendo poco a poco a esos trece dignos samuráis. Los mejores.

El estilo aquí es más sobrio, clásico y elegante pero todos esos diálogos y ese ritmo tan pausado hacen que se haga algo tedioso. No ayuda tampoco el hecho de que los nombres japoneses (y los rostros) nos resultan tan ajenos que es complicado seguir a quien se refieren en todas estas conversaciones. Pero, tranquilos, tendréis vuestra recompensa por estar concentrados durante esa primera parte…

La segunda es un desquiciado, enérgico, vertiginoso y divertidísimo baño de sangre. De alguna forma, Miike es capaz de prestar gran atención a detalles como las diferentes técnicas samuráis (tema que siempre me ha gustado, tengo que confesarlo) y todos esos códigos de honor suyos a la vez que se mueve entre frenéticas secuencias de lucha. En ese sentido, los recursos en la batalla son los usuales en el género (y derivados de esa forma peculiar e incomprensible a veces que tienen los espadachines nipones de pelear) pero esa atención por el detalle, el valor de las pausas dentro de toda esa locura y una ambientación y atmósfera excelentes es lo que hacen que esta apabullante segunda parte del film prevalezca sobre todos los puntos negativos que podríamos enumerar. Por cierto, la cinta se llevó el premio al mejor diseño de producción y el premio del público.

Si te gustan las batallas sangrientas. Si disfrutas con las formas elegantes pero contundentes de la lucha samurai y, en definitiva, si quieres pasar un buen rato, Thirteen Assassins es tú película.

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43 Ed. Sitges: La Casa muda

Una hija y su padre se mudan a una casa para trabajar para su dueño. Puertas y ventanas están tapiadas y poca luz del exterior consigue colarse en su nuevo hogar. Laura intenta dormir pero no puede: oye ruidos en el piso de arriba. A partir de ahí ya os podéis imaginar.

Yo fui a Sitges con ganas de ver una película que me hiciera pasar miedo de verdad como no me ocurría desde que grité con [Rec] y eso esperaba de La Casa Muda. Desgraciadamente no fue lo que me encontré. Nada de lo que digo lo consideraría spoiler pero si sois muy estrictos con esto, saltaos el quinto párrafo.

Y digo que os podéis imaginar porque La Casa Muda es un cúmulo de recursos típicos del género. El gran problema de este film Uruguayo es que tarda mucho en arrancar. Muchísimo.

Se jacta de estar rodada en una sola toma (algo que es evidentemente falso y que canta mucho en la cinta) y utiliza el recurso de estar basada en una historia real para tratar de darle más realismo al asunto pero no se centra en lo que verdaderamente importa: provocar tensión. Juega mucho con la oscuridad, con lo que ni Laura ni el espectador ven y con el silencio, como debe ser, pero la acción entra tan tarde y los impactos son tan predecibles que no consigue provocar el susto.

Se hace repetitiva ya no sólo en la forma de llevar la tensión (Hija mía, Laura, si vas a otear cada rincón de forma tan rigurosa, haz inventario ya que estás) sino también en la historia. ¿¡Donde se ha visto que después de un radical giro de trama la cosa vuelva a repetirse de nuevo?! Frases incluidas. No me olvido de la absurda sorpresa final, completamente efectivista y que carece de coherencia con la mitad de la película. Ah y, por supuesto, tenemos la secuencia redentora tras los créditos, no os la perdáis :P

El miedo es algo muy personal y depende de muchos factores. Quizá yo (y mi acompañante) no estábamos en la actitud correcta. Quizá La Casa Muda debería haber sido más dinámica y olvidarse de jugar a ser “en tiempo real”. Quizá la intención de su director sólo es concentrarse en el aspecto formal, que es estupendo, todo hay que decirlo en detrimento de su calidad como film de terror. Hay muchos “a lo mejores” pero lo que yo tengo claro es que La Casa Muda no es una buena película. Eso sí, no voy a ocultarlo: me reí mucho viéndola y eso no me lo quita nadie.

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43 Ed. Sitges: Colorful.

Eres un alma. Un alma vagando en algún lugar del cielo. Un ángel guardián se te acerca de repente y te informa que has sido premiado. Tienes una segunda oportunidad. Un niño, Makoto, se ha suicidado y tienes la oportunidad de ocupar su puesto.

Ya desde el comienzo, con una perspectiva en primera persona, Colorful nos invita a ponernos en el lugar del nuevo Makoto, un joven que vive entre la falta de comunicación familiar, la marginación e incluso el abuso escolar. Debe acomodarse en este ambiente tremendamente hostil y ajeno y ser capaz de retomar su vida mientras trata de descubrirse a sí mismo.

A pesar de su título, Colorful es una película gris con un protagonista gris. El punto de partida tan interesante consigue enganchar a la historia desde el principio pero ese ritmo lento, con muchos silencios y la gran carga dramática la convierte en tediosa en algunos tramos.

Es de esos títulos que hay que ver en el momento adecuado preparados para ver algo con este tempo tan calmado y un estilo que es hasta comedido en la animación y no aprovecha del todo el poder del color de su título para dar más vida y contrastes a la historia.

Con todo, Colorful es una buena película que reflexiona sobre temas interesantes, que resulta emotiva y que ofrece un abanico de situaciones adolescentes entre las que es difícil no encontrar alguna similitud con nosotros mismos que nos conecte con la historia.

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43 Ed. Siges: Secuestrados

Una familia se muda a una nueva casa en una urbanización de gente bien. Esa noche, tres encapuchados irrumpen en su casa desatando el horror. Este es el simple pero arrollador planteamiento de otro de los mejores títulos que he podido disfrutar en la presente edición del festival de Sitges.

Secuestrados está rodada aproximadamente en once planos secuencia que arrastran al espectador a hora y media de tensión, frustración y desazón. Miguel Ángel Vivas huye de explicaciones innecesarias y aclaratorias o de giros artificiales centrándose en la idea de que algo así puede ocurrirle a cualquiera, haciendo que esta sobrecogedora historia provoque aún más malestar y congoja.

Esta ansiedad se consigue en gran parte gracias a la decisión de Vivas de rodar todo el metraje en una decena de planos secuencia. Eliminados los planos contraplanos y con el añadido de lo que se percibe como tiempo real, la inmersión del espectador en la historia es casi total desde el primer minuto. Por supuesto, este experimento no sería posible sin un elenco a la altura de las exigencias de la propuesta. Tanto secuestrados como secuestradores se entregan totalmente a una acción intensa y casi sin respiro, entrando totalmente en unos papeles con dificultad añadida por aquella acertadísima decisión de rodar en planos secuencia larguísimos, trepidantes que en muchas ocasiones son un admirable ejercicio de coreografía que resultan una inyección de naturalidad de lo más eficaz.

Que no os confundan algunos comentarios, esto no es Martyrs ni una sucesión de violencia sin sentido. Es más al estilo de Funny Games pero sin artificios, como decía.

Secuestrados es tensión pura y dura. Sí, tiene momentos bestias y no se corta a la hora de mostrarnos la violencia, pero no llega a ser desagradable ni a provocar rechazo. Es una angustia de esas que se disfrutan.

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43 Ed. Sitges: Carne de Neón

Con algunas críticas aún pendientes del 58 Festival de Donostia, comienzo a hablaros de mi poco fructífera asistencia al 43 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges. Digo poco fructífera porque la organización del festival ha dejado bastante que desear y esperemos que se replanteen el sistema de cara a próximas ediciones.

Dicho esto, y sin olvidar mencionar mi gran decepción al ver que el homenaje a Regreso al Futuro por su 25 aniversario había sido cancelado, comienzo a hablaros de mis títulos festivaleros por la primera película a la que asistí: Carne de Neón.

Paco Cabezas dirige este remake de su propio corto que nos atrapa en un mundo de antihéroes marginales y perdedores con un sabroso regusto a la filmografía de Guy Ritchie.

Hay bastantes elementos a destacar dentro de esta divertida y sucia historia pero, sin duda, el más llamativo su trepidante ritmo, que no deja tregua al espectador entre sus momentos más cómicos, los más dramáticos o los más explícitos. Al ritmo se une la acertada dirección artística, que consigue un ambiente sucio y viciado apoyado por esa fotografía de alto contraste que a mí suele gustarme mucho.

Por último, aunque probablemente lo más importante, hay que aplaudir a un excelente elenco que hace suyos unos personajes que de planteamiento podrían haber caído fácilmente en el típico plantel que encontramos en títulos de universos similares. Salvo Mario Casas, al que han aplaudido pero que yo no conseguía creerme en ninguna de sus secuencias dramáticas, todos los intérpretes están fantásticos aunque quiero destacar a una estupenda Ángela Molina, a un odiosamente encantador Vicente Romero y a Dámaso Conde con su adorable Infantita.

No, no es perfecta. Tiene alguna que otra bajada de interés, alguno de sus tramos se hace demasiado largo, y la forma de introducir al policía y su hija (Blanca Suárez) en la trama es bastante torpe pero todas sus virtudes y la falta de títulos de este estilo en nuestro panorama cinematográfico, casi consiguen anular todos esos peros.

Que no os de reparo esa sinopsis llena de putas, yonkis y demás protagonistas de bajos fondos, Carne de neón es una película divertida, entretenida, emotiva, dura con la que seguramente paséis un muy buen rato.

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La ópera prima Moon arrasa en Sitges con cuatro premios

Moon, la opera prima del norteamericano Duncan Jones (hijo del legendario David Bowie), ha cumplido los pronósticos al alzarse como la gran vencedora del festival de Sitges al lograr, entre otros, los galardones a mejor película e interpretación para Sam Rockwell, en otro premio que se veía venir.

La española Elena Anaya se llevó el premio a mejor interpretación femenina por la criticada Hierro, compartido con la coreana Kim Ok-vin por Thirst. La francesa Enter the void se llevó el premio especial del Jurado y Brillante Mendoza por Kinatay el de mejor director. Zombieland, actual número 1 de la taquilla estadounidense, ha ganado el premio del público.

Recordar a los espectadores que Moon se estrenó precisamente el pasado viernes, esperemos que este reconocimiento sirva a la película para aumentar su taquilla.

PALMARÉS SECCIÓN OFICIAL
Mejor Diseño de Producción - Patrocinado por el Parc Audiovisual de Catalunya

Tony Noble por Moon

Mejores Efectos de Maquillaje
Kaatje Van Damme por Mr. Nobody

Mejores Efectos Especiales
KNB EFX Group por Splice

Mejor Banda Sonora Original
Teresa Barrozo por Kinatay

Mejor Fotografía
Benoit Debie por Enter the Void

Mejor Guión
Nathan Parker, basado en la historia original de Duncan Jones, por Moon

Mejor Actriz
Ex-aequo: Elena Anaya por Hierro y Kim Ok-vin por Thirst

Mejor Actor
Sam Rockwell por Moon

Mejor Director
Brillante Mendoza por Kinatay

Premio Especial del Jurado
Enter the Void de Gaspar Noé

Mejor Película
Moon de Duncan Jones

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