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18 diciembre 2011

Feliz 65 cumpleaños, Spielberg.

Ehpilber cumple añitos. Uno de los cineastas más exitosos e influyentes de la industria y el director más taquillero ever cumple 65 inviernos hoy. Según el todopoderosos IMDb, tiene ya 50 títulos a sus espaldas como director y más del doble como productor. Su estantería la adornan tres Oscar, los dos que recibió por la Lista de Schindler y la mejor dirección de Salvad al Soldado Ryan... y no me hagáis hablar de Shakespeare in Love, que no respondo... Acepto que no ganase La Delgada Línea Roja pero... dejémoslo, no voy a hacerme mala sangre, que estamos de cumple.

En 1984, Steve fundó su propia productora y se dedicó a producir alguno de mis títulos ochenteros favoritos como Gremlins, Regreso al Futuro o Quién engañó a Roger Rabbit. Diez años después se uniría a dos productores para formar DreamWorks Studios, que se ganó las alabanzas de todos a finales de los 90 con tres ganadoras consecutivas de los Oscar: Gladiator, American Beauty y Una Mente Maravillosa.

Spielberg me ha regalado grandes momentos, grandes personajes y grandes películas a las que contar entre mis favoritas tanto en su faceta de productor como director, qué mejor ocasión para hacerle un pequeño tributo. Me ha costado elegir cinco películas entre su extensa, brillante y ecléctica filmografía, pero, ciñéndome a su labor como director, aquí va.


E.T. El Extraterrestre

Porque... es mágica, especial y emotiva. Por esos planos hasta las rodillas de los adultos. Por capturar la contradicción de sentirse atraído por algo nuevo y excitante a la vez que aterrador. Por hacernos reír, llorar y aplaudir a partes iguales. Por esa inolvidable banda sonora de John Williams...


Indiana Jones y la última cruzada

Porque... es el cierre perfecto a una de las mejores sagas de aventuras jamás producidas (nótese como ignoro la cuarta parte). Por la divertidísima química entre padre e hijo. Por las metareferencias, las persecuciones y por seguir sorprendiendo.


Hook

Porque... es una de mis películas de la infancia. De nuevo perfecta como cine de aventuras familiar. Por su humor, por ese hook depresivo pasado de rosca,  por la vuelta de tuerca al cuento de Peter Pan, por sus eternos daddy issues, aquí más presentes que nunca...


Parque Jurásico

Porque... casi veinte años después sigue siendo un estupendo título de acción y suspense. Por haberme hecho flipar con los dinosaurios como era niña, ¿quién no montó ese Stegosaurus por fascículos después de ver la película?. Por esos efectos especiales que aguantan mejor que la motion capture más sofisticada de estos días. Por (otra más) fantástica e inolvidable banda sonora de John Williams.


La Lista de Schindler

Porque... la obsesión de Spielberg con la Segunda Guerra Mundial nos ha dado grandes títulos bélicos pero lo trágico y emotivo de éste es difícil de igualar. Por la niña del vestido rojo, por esos tristes violines de su banda sonora, por el lirismo de su fotografía y puesta en escena...



Además de estas cinco, quiero acordarme de Minority Report, un gran película de ciencia ficción junto con Encuentros en la tercera fase e Inteligencia Artificial. No me olvido tampoco de El Color Púrpura o esa injustamente olvidada que es Atrápame si puedes que, dicho sea de paso, tiene uno de los mejores títulos de crédito de la historia.


Este año de su 65 aniversario tiene pinta de ser uno de los grandes para el maestro. Después de hacer un viaje al pasado, a las grandes películas de aventuras ochenteras, con la fabulosa y divertidísima Tintin, aún estamos a la espera de War Horse, una producción que huele al Spielberg bélico emotivo que tanto me gusta. Otra que espero con muchas ganas es Lincoln, su película para el año que viene donde Daniel Day-Lewis será el decimosexto presidente de Estados Unidos en mitad de la Guerra Civil americana, ganas ¿eh?.

Gracias por tu talento y dedicación, Steve. Y feliz cumpleaños.














09 julio 2011

Maratón Harry Potter: El Misterio del Príncipe

Después de ceder su puesto a Michael Goldenberg , Steve Kloves vuelve a coger la pluma de Harry Potter para adaptar la que en ocasiones retitulo Harry Potter y el no-misterio del Príncipe, uno de los títulos más fallidos de toda la saga.

Cuando se habla de adaptaciones, mi posición siempre es muy permisiva y comprensiva con la diferencia de lenguajes entre una novela y una película y la imposibilidad de plasmar toda la información que permite ofrecer la palabra escrita, sobretodo cuando se trata de tantas páginas como en la saga de J.K. Rowling. Sin embargo, en este caso considero que la gran causante de que “El misterio del Príncipe” sea tan fallida viene de una adaptación poco hábil y una administración de tramas demasiado irregular y con las prioridades equivocadas.

Los verdaderos conflictos que se manejan en el libro, tomando como columna vertebral el misterio del príncipe mestizo y el pasado de Voldemort. Los episodios hormonados de sus protagonistas son lógicos por edad y resultan entretenidos pero Kloves ha abusado demasiado de ellos en su libreto sobretodo cuando se tiene en cuenta la cantidad de historia y tensión potenciales de la novela y que éstos alivios sentimentales deben funcionar en segundo plano como potenciador de las emociones de sus protagonistas. El guión acaba limitándose a una sucesión de escenas con una conexión muy pobre entre ellas y donde la evolución brilla por su ausencia salvo, quizá, en el caso de Draco Malfoy.

Formalmente, la entrega funciona. La fotografía sigue destacando, el diseño de producción es excelente y David Yates sigue perfeccionando su puesta en escena y el uso del punto de vista de sus planos brilla más que el contenido de las secuencias. Lo más decepcionante del aspecto técnico es, al igual que en la anterior entrega, la banda sonora original de Nicholas Hooper. Carente de toda épica y reminiscencias a cualquier leit-motiv de la saga, la partitura de Hooper es pobre, no acompaña ni consigue destacar por sí misma o elevar la emoción de las secuencias.
Instrucciones de uso: Con el segundo visionado, sabiendo ya lo que uno se va a encontrar, esta sexta entrega gana en entretenimiento y se disfrutan ciertos pasajes de la historia de forma individual. Como conjunto sigue dejando un sabor de boca muy agridulce.
Harry Potter y el Misterio del Príncipe es un trámite necesario para llegar a las dos últimas entregas de la saga pero no funciona por sí misma y deja una sensación de macguffin muy similar a la de La Orden del Phoenix cuando había material suficiente para haber ofrecido dos horas y media de buena mitología harrypotteriana.

08 julio 2011

Maratón Harry Potter: La Orden del Fénix

Tras cuatro capítulos de introducción, Harry Potter llega con La Orden del Fénix al meollo del mítico duelo entre el malvado Voldemort y su némesis, "El chico que vivió". O debería, porque a la hora de la verdad novela y película funcionan más por algunos elementos individuales que sobresalen dentro de la función (las consecuencias de la aparición del personaje de Dolores Umbridge, las clases de Oclumancia del profesor Snape o el ejército de Dumbledore serían buenos ejemplos) que como obra en sí misma: después del clímax de El cáliz de fuego cabría esperar una entrega más explosiva y directa, pero nada más lejos.... los avances se reducen a los miedos del Ministerio y un duelo en las localizaciones de este que acaba con la muerte de uno de los personajes más queridos de la serie.

Tras enamorar a la crítica e industria televisiva con la sensacional miniserie política State of Play, David Yates dirige con la primera de sus cuatro aportaciones a la saga un capítulo efectivo y funcional pero que no llega a brillar particularmente en ningún momento. Afortunadamente, la hasta el momento de su publicación novela más larga de la saga se convierte en la película más corta de las ocho, un acierto si tenemos en cuenta que La Orden del Fénix es el peor macguffin de toda la serie. Por muy prometedor que pudiese parecer en un momento el título del libro, con el paso de las páginas (los minutos en este caso) nos damos cuenta de que los tiros van por otras partes.... un tanto dispersas.
Instrucciones de uso: la carismática presencia de Imelda Staunton o Helena Bonham Carter como unas agradecidas villanas y las aventuras del nuevo ejército de Dumbledore dan brillo a una entrega tan entretenida y formalmente impoluta como inferior a los libros, un clásico en la saga.

Notablemente superior al blockbuster medio, las sensaciones de que las aventuras de Harry Potter podrían ir más allá en la gran pantalla continuán.... pero hay que ser consciente de que un libro es un libro y una película, una película: hay que dejar de lado los talifanismos y disfrutar de La Orden del Fénix como lo que es: una obra menor dentro de la saga y un complemento perfecto a los que amamos las aventuras de la Rowling. No se le debe pedir mucho más.

07 julio 2011

Maratón Harry Potter: El Cáliz de Fuego

Continuamos con el especial dedicado a la saga Harry Potter, la serie de películas que ha conquistado a jóvenes y no tan jóvenes desde que en 2001 se estrenase la adaptación del primero de sus libros, La piedra filosofal. Ahora es momento de hablar de El Cáliz de Fuego, la continuación inmediata de El prisionero de Azkabán, la mejor película inspirada en la saga basada en las novelas de JK Rowling (al menos hasta que veamos la segunda parte de Las Reliquias de la Muerte el próximo 15 de julio).

Tras el agotamiento de un Alfonso Cuarón que había dado nueva vida a la serie con la anterior entrega de la serie, el director elegido para capitanear el barco era Mike Newell: artesano que ya había demostrado su versatilidad en películas tan distintas como Cuatro bodas y un funeral, Donnie Brasco o La sonrisa de Mona Lisa: el realizador inglés (el primero en la saga hasta ese momento) aporta unos mínimos más que correctos, pero al producto le falta la garra y personalidad de la que si disponía Azkaban.

A favor de la película podemos decir que apuesta por la aventura de lleno, ofreciendo un relato muy entretenido gracias a las posibilidades que da el torneo de los Cuatro Magos. Las pruebas (menos a vida o muerte de lo que nos quieren vender), las consecuencias de la aparición en escena de Fleur Delecour y compañía y las excentricidades del nuevo profesor de Artes Oscuras (continuando con la famosa maldición en este puesto de trabajo) entretienen a las audiencias hasta el magnífico clímax de la película, con ese retorno por todo lo alto de un Lord Voldemort al que da vida Ralph Fiennes.
Instrucciones de uso: Aunque carece del poso de El prisionero de Azkabán o (en su mayor parte) el dramatismo que caracteriza las posteriores películas de la saga, El Cáliz de Fuego funciona a la perfección como cinta de aventuras y acción en la que hay cabida para la comedia, el romance y hasta el terror. No es un prodigio de personalidad, pero es entretenida a rabiar.
La esperadísima aparición de Aquel que no debe ser nombrado y la muerte de un Cedric Diggory interpretado por el entonces desconocido Robert Pattinson marcan el punto de inflexión en la saga: si antes estábamos viendo un relato juvenil que se oscurecía por momentos, después del clímax de la cuarta película queda claro que estamos ante un relato más tenebroso y adulto de lo que nos espérabamos encontrar cuando descubrimos por primera vez el mágico mundo de Rowling.

No acostumbra a entrar en el top de películas favoritas de la saga, pero poco más se le puede pedir a El cáliz de fuego de lo que ya da. Los que se quejaban de que había subtramas que se quedaban fuera de la película tienen que entender que una película no es un libro y que no es fácil sintetizar más de 700 páginas en algo más de dos horas y media.

05 julio 2011

Maratón Harry Potter: El Prisionero de Azkabán

Con la tercera entrega de la saga, Alfonso Cuarón toma el relevo a Chris Columbus, entrando de lleno en la etapa más oscura y adulta de las historias del joven mago. Respetando y adaptando fielmente lo que se relata en la novela de J. K. Rowling, Cuarón nos presenta una historia de hombres lobo, espectros terroríficos y asesinos sanguinarios sin miedo a dejar que el inocente misterio de las dos aventuras anteriores de paso a un tono tétrico y siniestro de lo más disfrutable.

El Prisionero de Azkabán probablemente sea, a día de hoy, la película más redonda de toda la saga de Harry Potter. Personajes sombríos, constantes referencias al pasado de Harry Potter y el origen de la leyenda y poderosos sentimientos que se manejan como el abandono, la traición, la venganza, la soledad o la injusticia se combinan en un cocktail perfecto con un Cuarón muy dinámico, muy cuidadoso con el segundo plano y especialmente hábil con los travelings y las secuencias más épicas que, junto al tono que comentaba y una excelente y tenebrosa fotografía, consigue atrapar al espectador en la red de esta historia repleta de detalles y guiños para el seguidor más fiel o el más perspicaz.
Instrucciones de uso: Las aventuras en Howgarts empiezan a dejar de ser aptas para todos los públicos y los más peques de la familia empezarán a sentirse incómodos en sus butacas, además de que la mitología empieza a tomar una forma y un cáliz muy densos para el espectador infantil.

Harry Potter y el Prisionero de Azkaban te grapa a la butaca, te atrapa en su atmósfera gris, te presenta a nuevos e interesantes personajes, inyecta profundidad a los magos protagonistas y nos hace partícipes de una aventura de interés y drama considerablemente superiores al que tenían las dos entregas anteriores. Acabo con una pregunta inocente… ¿Qué sería de esta historia sin la increíblemente inteligente y tenaz Hermione Granger?

01 julio 2011

Maratón Harry Potter: La Cámara Secreta

Ya quedan menos de dos semanas. Parece que fue ayer cuando los fans de las aventuras de Harry Potter estallamos en rabia, nerviosismo y posterior alegría (todo en uno) al enterarnos de que el esperadísimo desenlace de la saga, Las Reliquias de la Muerte, llegaría partidos en dos entregas. Antes de que podamos ver de una vez por todas el final (de una era, cómo han insistido en destacar en la campaña de promoción del film), es el momento de continuar con el maratón de la las adaptaciones de las novelas de JK Rowling.

Es un hecho: Harry Potter y la Cámara Secreta es la película menos interesante de la saga. Después de convencer más o menos a todo el mundo con la adaptación de la primera entrega, Chris Columbus se enfrentaba al reto de poner en imágenes la que es claramente la novela menos interesante de la saga: una vez ya hemos perdido el factor "introducción" de La Piedra Filosofal, el marcado tono infantil, ligero y mayoritariamente autoconclusivo no hace ningún favor a un Columbus que tampoco destaca en su puesta en escena. Menos mal que tiene a John Williams para darle un punto de épica extra al conjunto, como queda claro cada vez que escuchamos el mítico theme de la película.

En La Cámara Secreta conocemos a a Dobby y Draco Malfoy, viajamos al pasado de la mano de un joven Lord Voldemort y oímos hablar de Azkaban, pero nada de ellos es suficientemente determinante para el futuro de la saga o interesante por sí mismo para hacer de esta segunda entrega un gran momento de la saga. Tampoco ayuda la pronta desaparición de Hermione en la trama ni la abusiva duración de 160 minutos, como si de una película de Scorsese se tratase.
La Cámara Secreta sufre el efecto transición que pasa a menudo en las sagas de aventuras: no tiene la ventaja de introducirnos en el universo de la serie ni tiene un desenlace poderoso: es un entretenido y efectivo, pero poco brillante paso al tono más oscuro, interesante y dramático que supondría El prisionero de Azkabán.
Inconvenientes (más que defectos, si somos justos) al margen, La cámara secreta es una película entretenida y una adaptación fiel al material de Rowling, qunque yo la veo más como un puente que hay cruzar cuanto antes para llegar a lo verdaderamente potente de la saga.

30 junio 2011

Maratón Harry Potter: La Piedra Filosofal

Dos millones de dólares. Ese es el precio que separaba, en 1999, a Warner Bros de los derechos de adaptación cinematográfica de los cuatro primeros libros de la serie de J.K. Rowling “Harry Potter”. Tras el rechazo de Steven Spielberg, que personalmente me resultaba una opción acertada, fue Chris Columbus el que llevaría a cabo la realización de la primera entrega con el libreto de Steve Kloves en mano, guionista de casi toda la saga.

Doce años después, es increíble cómo pasa el tiempo, estamos a pocas semanas del estreno de la última entrega de las aventuras de Harry y Warner Bros ha querido conmemorar este final organizando maratones en varios cines por toda España, evento al que La Última Película se ha unido sin dudar.

Harry Potter y la Piedra Filosofal funciona perfectamente como película introductoria a una larga e intricada historia de magos y brujas. A pesar de tratarse de una historia de gran continuidad, cada libro, y por tanto cada adaptación cinematográfica, elabora sus historias a partir de una trama prácticamente autoconclusiva que funciona como columna vertebral. Esto se aprecia de forma más clara en las primeras entregas pero La Piedra Filosofal tiene una particularidad y es que relega esa trama a un claro segundo plano, dedicando así la mayor parte del metraje a presentar ese maravilloso mundo de los magos.

Una década después, se estrenó en 2001, la magia de ese primer contacto con el mundo mágico consigue mantenerse. Volvemos a sorprendernos con las escaleras y los cuadros que se mueven, con la majestuosidad de Hogwarts, los hechizos y encantamientos y, en general, todos esos pequeños detalles que hacen tan especial este universo harrypotteriano. Destacar la brillante banda sonora original creada por John Williams, esas 30 notas que componen el leitmotiv principal ya han pasado a formar parte de la historia del cine.
Intrucciones de uso: Este primer contacto con la saga es el más infantil de todo lo que vendrá después. Poco a poco, la saga se va oscureciendo lo que probablemente la convierta en más interesante para aquellos que vean La Piedra Filosofal demsiado naif

Harry Potter y la Piedra Filosofal es divertida, sorprendente y, por supuesto, mágica. No es la mejor entrega pero es una puerta hacia un mundo muy especial lleno de conjuros malignos, deportes de riesgo, dragones, traiciones y tramas que van creciendo en torno al entrañable trío protagonista al que, literalmente, hemos visto crecer.

23 junio 2011

Travis Bickle, un antihéroe de ayer y hoy

Todo el mundo está más o menos de acuerdo que el espectacular éxito planetario a mediados de los 70 de Star Wars y Tiburón son las responsables (culpables, dirán otros) de que el cine de Hollywood se haya convertido en lo que es hoy, pero Coppola, Friedkin o Scorsese son igual de responsables que Lucas y Spielberg en la transformación radical de un cine comercial que no dejaba de lado las ambiciones artísticas.

No hay más que ver una película como Taxi Driver para darse cuenta de que esta mítica cinta al servicio de un inolvidable Robert De Niro es mucho más radical, transgresora y moderna que el 99% del cine que vemos hoy en día en las pantallas. Hace unos meses el genial director neoyorquino demostraba con la polémica pero ocasionalmente brillante Shutter Island que, a sus 70 años, es capaz de rodar con más brío, garra y lucimiento visual que la gran mayoría de sus colegas contemporáneos.

Taxi Driver es cine en estado puro, una propuesta que vista treinta y cinco años después de su estreno nos queda claro que supuso un salto adelante visual y argumental que sintetiza las virtudes del mítificado - y con razón - cine de los años 70, cuando las nuevas promesas dejaban atrás la moda de musicales y peliculas más clásicas que triunfaron en la década anterior para apostar por un estilo seco, violento, arriesgado y provocador.
INSTRUCCIONES PARA USO: Comprátela, póntela en el TCM, vete a verla en la filmoteca... pero no te la pierdas: son películas como Taxi Driver las que han convertido del cine en el considerado séptimo arte. Pocas veces la asociación contínua de un director, un actor y un guionista han dado tanto de sí como la ecuación formada por tres incógnitas tan brillantes como Scorsese, De Niro y Schrader. Imprescindible.
Desprestigiado en la última década por unas elecciones profesionales que han dejado claro que le interesa más el dinero que recuperar una gloria que, seamos sinceros, jamás podría igualar, De Niro compone en la figura de Travis Bickle uno de los personajes más influyentes y fascinantes de la historia del cine. El ganador del Oscar por El Padrino 2ª Parte y Toro Salvaje (otra colaboración con Scorsese) se habrá hartado de escuchar de fans y no fans la inolvidable frase Are you talking to me?, pero eso es lo que tiene ser historia del cine.

¿Por qué hablo de Taxi Driver a estas alturas de la vida? Más allá de la terrible confesión de que no había visto una de las películas más emblemáticas de uno de mis directores top five, no puedo dejar de recordar que la siempre recomendable Filmoteca Nacional ha exhibido en las últimas semanas un ciclo en homenaje al músico Bernard Herrman, responsable de la banda sonora del film y célebre ante todo por sus trabajos para Alfred Hitchcock. Todo imprescindibles.


13 agosto 2009

Las peores películas de verano (Edición 2000, Parte I)

Un mes después de hacer el especial Las mejores películas de verano de la década (parte I, II y III), nos vamos con su némesis: Las peores películas de verano de esta década que está a punto de acabar. En esta ocasión serán solo diez películas las elegidas, que se publicarán en dos pares. Vamos allá con la primera, que contiene las cinco menos malas de lo peor del cine palomitero estival de los últimos años.

10. La tormenta perfecta (Wolfgang Petersen, 2000)
Porque... me pareció poco emocional, creíble (a pesar de estar basada en una historia real) y satisfactoria a fin de cuentas.
Porque... es uno de esos casos en los que los efectos especiales NO son suficientes, a pesar de que eso es todo lo que la película te esté ofreciendo.
Porque... todavía no me creo las buenas críticas que tuvo en su momento.
A pesar de... George Clooney, Dios en la tierra, envidado por ellos y deseado por ellas (y ellos también), en un papel bastante soso.

9. El código Da Vinci (Ron Howard, 2006)
Porque... me dejo claro que prefiero ponerme yo mismo un cilicio que volver a ver una película basada en un libro de Dan Brown si me he leído el material original antes. La brutal efectividad del autor americano desaparece una vez conoces las sorpresas.
Porque... es un coñazo. Sin colorantes ni conservantes.
Porque... el pelo de Tom Hanks (fantástico actor, por otra parte) en esta película está entre lo ridículo y lo grotesco. Yo me imaginaba en el papel más a un, precisamente, George Clooney.
A pesar de... contar un buen director (irregular y artesanto también, sí, pero nadie puede negar que tiene buenas peliculas) y un excelente reparto. No la salva de la quema.

8. Superman Returns (Bryan Synger, 2006)
Porque... Synger fue un mamón al abandonar la tercera entrega de X Men para hacer un aburrido reboot de Superman. Una decisión lógica en principio pero fracasada al ver lo que hizo.
Porque... el (brillante) título español de la película: Superman Returns, el regreso ya hacía preveer todo un clásico del cine reciente.
Porque... es tremendamente olvidable. Y olvidada. Que cansinos son los continuos rumores sobre una segunda parte que no tiene razón de ser.
A pesar de... que, a estas alturas, Brandon Routh esté más cerca de dedicarse a la prostitución que al cine. No me da pena.

7. La mandolina del capitán Corelli (John Madden, 2001)
Porque... es un pecado salir de una película tan perfecta y preciosa como Shakespeare in love para meterse en ESTO. Muy mal, señor Madden.
Porque... es ñoña, intrascendente y clásica en el peor sentido de la palabra .
Porque... es un maravilloso pretexto para aquellos que se dedican, día sí, día también, a echar mierda sobre la (terroríficamente prolífica y floja) carrera de Penélope en Ameríca hasta el estreno de Volver.
A pesar de... no recuerdo nada positivo de ella. Ah, sí, que Penélope no se lió con un Nicolas Cage pre-peluquín.

6. Garfield (Peter Hewitt, 2004)
Porque... es insultante que esta película, estrenandose el mismo fin de semana que Mar adentro, se colocase en el número 1 de la taquilla española.
Porque... es infantil a lo Beverly Hills Chihuahua y no a lo Disney.
Porque... tiene en Garfield un muy interesante personaje protagonista que queda muy light, rancio y caduco en su versión cinematográfica.
A pesar de... todo hicieron una segunda parte. Esta vez no me la colaron.

13 julio 2009

Las mejores películas del verano (Edición 2000, parte II)

10. El diario de Noa (Nick Cassavettes, 2004)
Porque... uno es un ñoño, muy ñoño y esta es una ñoñería industrial. Pero una noñería bien escrita, dirigida e interpretada.
Porque... su pareja protagonista es estupenda: Ryan Gosling es uno de los mejores actores jóvenes de Hollywood (sus papeles en Lars and the real girl y Half nelson le deberían haber dado no una sino dos nominaciones) y Rachel McAdams, que a estas alturas debería ser una estrella.
Porque... es taaaaan bonita, además de la mejor adaptación del cine de un libro del muy muy muy ñoño y repetitivo (pero taaaaan bonito) Nicholas Sparks. Las otras son Mensaje en una botella (bien), Noches de tormenta (mal) y Un paseo para recordar (reaccionaria, además que redefine la palabra ñoña, pero me encanta)
A pesar de... que dicen que el libro que adapta es mejor. ¿No lo son siempre si los has leído antes?


9. Spider - Man 2 (Sam Raimi, 2004)
Porque... da mil vueltas a sus dos compañeras de saga.
Porque... es espectacular y entretenida en sus más de dos horas de metraje. Es completa (hay drama, comedia, romance y acción) como pocas.
Porque... es una de las tres mejores películas de superhéroes de la historia.
A pesar de... Mary Jane es una mamarracha que elige a Tobey Maguire por encima de James Franco. Retarded total :p


8. Harry Potter y el prisionero de Azkaban (Alfonso Cuarón, 2004)
Porque... se distancia del tono más infantiloide las dos primeras entregas dirigidas por Christopher Columbus, entrando en materia y dándole un toque más adulto y oscuro gracias al aclamado fichaje del mexicano Cuarón.
Porque... .es una excelente adaptación, convirtiendo el mejor libro de la saga en el que, hasta hoy, es la mejor película de la saga.
Porque... nada falla en la película, ni el casting (con los fichajes de Gary Oldman o Emma Thompson), ni la música de Williams (la última que hizo) ni su excelente ritmo.
A pesar de... nada. Es la película que todos los potteradictos queríamos ver.

7. Buscando a Nemo (Andrew Stanton y Lee Unkrich, 2003)
Porque... el personaje de Dory, la peza amnésica, es de los más frescos y divertidos de los últimos años. Hilarante ("Yo hablo balleeeenoooooo", "¿Conciencia, estoy muerta?").
Porque... cuenta con un doblaje fantástico, ya en su versión en castellano (con Anabel Alonso o José Luis Gil) o en la original (con Ellen DeGeneres como Dory).
Porque..
. es tierna, divertida y con un mensaje "aceptable". Estupenda tanto para niños como para los que dejamos de serlo hace años.
A pesar de... que, para algunos, es una de las peores películas de Pixar. La acusan de clásica y convencional pero para mí me parece uno de los mejores trabajos de la compañia.


6. Minority Report (Steven Spielberg, 2002)
Porque... Steven Spielberg vuelve a demostrar que es uno de los más grandes del cine espectáculo y la ciencia ficción. La puesta en escena es espectacular.
Porque... es una propuesta fascinante, interesante y original y con un gran desarrollo.
Porque... para mí es la última gran película de un director extraordinario. Desde entonces propuestas interesantes pero más irregulares de lo necesario.
A pesar de... que Javier Bardem rechazase salir en la película porque "no me apetecía perseguir a nadie por los tejados". Colin Farell aprovechó la oportunidad.

Las mejores películas del verano (del 11 al 15)

11 julio 2009

Las mejores películas del verano (Edición 2000, parte I)

Leyendo el otro día en Internet un artículo sobre el cine de verano me dio una idea para hacer una serie de posts repasando las que, para mí, son las mejores y peliculas veraniegas de la última década. Desde un punto de vista completamente subjetivo analizaré los por qués 8al más puro estilo Joe Marlango) de las inclusiones en las respectivas listas. Antes de nada, aclarar que la lista se limita a estrenos americano.

Repasando los estrenos de cada año no hice sino darme cuenta de la agudizante secuelitis que vive Hollywood en los últimos años. No es algo nuevo pero ver como desde mayo hasta agosto de 2007 llegaron a las pantallas la tercera parte de las aventuras de Shrek, Oceans Eleven, Piratas del Caribe, Spider Man 3 o la saga Bourne... además de otras sagas, es bastante significativo. Que cada uno saque sus conclusiones.

El reportaje constará de 6 posts, tres para las mejores películas del verano y otros tres para las peores. Aquí vamos con la primera parte. Sois bienvenidos a comentar si estáis en desacuerdo conmigo o echáis de menos alguna película en las listas. ¡Allá vamos!


15. Sexo en Nueva York (Michael Patrick King, 2008)
Porque... es una gozada ver de nuevo a Carrie, Samantha, Miranda y Charlotte cuatro años después de que terminase una de las mejores (y más infravaloradas entre algunos públicos) mejores series de la historia de la televisión.
Porque... es arriesgado (los no fans dirán que innecesario) hacer una comedia de dos horas y medias, para contentar a los fans de todo el mundo.
Porque... fue tal éxito que ya se prepara una secuela de para el año que viene.
A pesar de... que en realidad no es más que un capítulo alargado y que no contaba apenas nuevas historias.


14. Charlie y la fábrica de chocolate (Tim Burton, 2005)
Porque... Roal Dahl fue mi escritor favorito durante la infancia. Matilda, Las brujas, Charlie, Volando solo... maravilloso.
Porque... me emocioné muchísimo con la escena en que Charlie encuentra el billete dorado. Una de las pocas películas en las que he llorado en mi vida, consiguió transportarme quince años atrás.
Porque... tiene una puesta en escena genial y Johnny Depp, el taquillero más outsider (o outsider más taquillero), sigue siendo un grande, a pesar de que le dejemos hacer lo que le de la gana y todos estemos encantandos. Haga lo que haga.
A pesar de... que entre Burton y yo sigue habiendo una pequeña muralla. Creo que es un gran director pero no termina de engatusarme del todo. Aún así, cada película suya es un "must", como dicen por allí.


13. Colateral (Michael Mann, 2004)
Porque... Tom Cruise compone su primer papel de villano y vuelve a demostrar que es un actor mucho mejor de lo que se piensa. Qué lástima que haya estropeado su imágen pública de esa manera.
Porque... Michael Mann rueda como nadie. No nos olvidemos además de la espectacular fotografía de la película.
Porque... merecía más suerte en los Oscar. Que Jamie Foxx se llevase la única nominación es completamente injusto (y todos sabemos que lo hizo porque estaba de moda por Ray).
A pesar de... que tengo fatales recuerdos de su estreno español. El mismo que día que fui a la presentación con Tom Cruise fue la única vez que me han robado la cartera en Madrid.


12. Lío embarazoso (Judd Appatow, 2007)
Porque... es la mejor y más representativa muestra de la nueva corriente de comedias que preside Appatow. Bienvenidos al peterpanismo más gamberro.
Porque... descubre a Seth Rogen y vuelve a poner en el mapa a Paul Rudd (aunque much@s nos enamoramos cuando le vimos en esa comedia romántica imposible Mucho más que amigos, con Jennifer Aniston), entre otros aciertos de casting.
Porque... la vi en cines en Canadá, a pelo y me enteré de absolutamente todo... lo que me llenó de alegría. Claro que, una semana después, me fui a ver Becoming Jane y el inglés de época me derrotó total y absolutamente.
A pesar de... que dos horas y diez pueden ser demasiado, aunque he de reconocer que pasaron volando.


11. Wall·E (Andrew Stanton, 2008)
Porque... es la primera historia de amor de Pixar.
Porque... logra que cojas un cariño enorme a un robot que se siente completamente humano. Wall·E es el ET de los 2000, sin duda.
Porque... su primera e inolvidable hora de metraje dicen mucho con muy poco.
A pesar de... que la segunda mitad de la película es más convencional. No está a la altura del magistral inicio.

06 abril 2009

La magia de Jurassic Park sigue viva

Recientemente los cines de la Filmoteca nacional en Madrid ofrecieron la oportunidad de volver a disfrutar en la gran pantalla de uno de los títulos más improtantes en la historia moderna del cine: Parque Jurásico.

Hace casi 16 años del estreno una de las obras insignia del ambicioso y visionario Steven Spielberg, concretamente se estrenó en nuestro país el 20 de Septiembre de 1993, y a pesar del tiempo pasado, el título conserva su magia y todo aquello que la hace especial.

En un momento como el de ahora, en el que la evolución de los efectos especiales crece esponencialmente, parece mentira que unos animatronics como los usados en el rodaje de la película jurásica sigan aguantando el tipo. Esos robots con forma de T-Rex o de Velociraptor que debían tapar si se ponía a llover a mitad del rodaje siguen siendo los mismos terroríficos y peligrosos saurios de hace 16 años.
Michael Crichton puso sobre la mesa, supuso un antes y un después como el propio Spielberg lograse con Tiburón casi 10 años antes.

La realización es impecable, la combinación de humor, tensión y acción es tan hábil como efectiva. No importa cuántas veces se haya escuchado, la banda sonora del maestro John Williams sigue emocionando por sí sola y aún pone la carne de gallina cuando se disfruta de la película. Es especialmente remarcable la famosa e inolvidable llegada del helicóptero a la isla con el live motive principal.

No voy a negar que peca en guión de ciertos giros y momentos típicos del género pero que, porqué no, forman parte de su magia y no cantan demasiado como para hacer que decaiga todo aquello que la hace especial.

Soy consciente de que hay mucha nostalgia en este crítica pero realmente volver a disfrutar de una de mis películas favoritas, que disfruté (y temí) en el cine con tan sólo 10 años, en pantalla grande y, además, en versión original es algo que hace dos semanas nunca hubiese pensado que pasaría. Doy las gracias a la Filmoteca por recuperar todo tipo de clásicos porque, al fin y al cabo, Jurassic Park es un clásico.

11 octubre 2008

¿Donde estarán las nuevas Historias de Filadelfia?

La mejor comedia “políticamente incorrecta” que he visto en muchísimo tiempo. Estrenada en 1940, las siete décadas de lucha feminista y los cambios de rol que ha sobrellevado la mujer dentro de la sociedad pueden hacer que esta maravilla cinematográfica se malinterprete e incluso parezca machista en algunos momentos (o hilarantes, según el prisma, ya se sabe).

Ambientada en la alta sociedad de Filadelfia, un Cary Gran convertido en C.K. Dexter Haven decide visitar a su ex esposa (Katherine Hepburn) dos días antes de su nuevo enlace junto a George Kittredge (John Howard), un nuevo rico al que le importa más su éxito personal que otra cosa.

Dexter Heaven decide intervenir para ayudar a la novia, que tiene algún que otro problema para conseguir lo que aquel entonces parecía lo más importante: salvaguardar el honor de la familia Lord. A todo esto se une un tema muy actual en nuestros días, un par de paparazzi (James Stewart y Ruth Hussey) que se hacen pasar por dos invitados más para poder conseguir la foto del año (muy a pesar de sus verdaderas aspiraciones). Después de muchos líos, dimes y diretes, borracheras y tanteos a los tres guapos (guapísimos) pretendientes, Katherine Hepburn (que parece encajar perfectamente en cada papel que interpreta, pero que aquí muestra una naturalidad y frescura sorprendentes) acaba más o menos como esperaba(mos): casada, sin líos familiares y siendo mucho más consciente de las limitaciones de los demás y de las suyas propias. El happy end de siempre pero como punto final a una historia que es en sí misma un ejemplo del Star System en sus mejores años.

Las razones por las que les recomendaría (más bien les obligaría) a ver esta película son tan obvias y variadas que creo que les pueden convencer por ellas mismas. Historias de Filadelfia no es una película complicada pero puede presumir de un cuidado guión, dónde el éxito de los diálogos (algunas veces más monólogos que diálogos) y la historia en sí, está basado en un juego de dobles sentidos.

Un reparto de esos que hace que la película valga la pena sólo por ver al divertidísimo y guapísimo Cary Grant (perdón por la redundancia, pero es cierto) y a la impactante Katherine Hepburn. Y como sello de garantía, detrás de todo esto encontramos al director George Cukor y en este ocasión a Joseph L. Mankiewicz como productor.

Un film más que recomendable si lo que quiere es pasar una relajada y entretenida tarde de fin de semana y además ver a buenos actores haciendo un buen trabajo.

Lo mejor: Katherine, que traspasa la pantalla con cada palabra, gesto o mirada. Y un James Stewart divertido.
Lo peor: el final tan precipitado, en todos los sentidos.
La secuencia: la presentación tan surrealista de Tracy Lord y los dos periodistas encubiertos.

18 septiembre 2008

Cuando el Oscar se equivoca

Como ya sabreis, esta semana se han anunciado las precandidatas españolas a los Oscar de 2009> Los girasoles ciegos, de Jose Luis Cuerda; Siete mesas de billar frances, de Gracia Querejeta y Sangre de mayo, de, como no, Jose Luis Garci. La elegida se anunciara el 26 de septiembre. Pero vamonos mas lejos y mas atras en el tiempo.

Son incontables las ocasiones en que los aficionados pensamos "pues no estoy de acuerdo con este Oscar". Lo raro es que sea un propio ganador el que lo reconozca. Allá por 1982, Steven Spielberg y su mágico E.T. El extraterrestre emocionaban a crítica y público al mismo ritmo que destrozaban las taquillas de todo el mundo. Sin embargo, la Academia decidió premiar finalmente a Gandhi, un biopic sobre el lider pacifista hindú, que se convirtió en la gran ganadora de la noche con 8 Oscars, dejando a E.T. con 4 Oscars técnicos.

Ya hubo periodistas entonces que se quejaron amargamente de esta decisión. El crítico del New York Times Vincent Carnby escribió E.T. y Tootsie son películas. Ghandi es un libro de texto muy bien ilustrado.

Ahora, 26 años después, Richard Attenborough, director de Gandhi, confesaba en una entrevista a la radio de la BBC: Mi compañera Diana y yo fuimos a ver E.T. en Los Ángeles poco antes de la época de premios y nada más verla nos dijimos: no tenemos ninguna oportunidad. E.T. debería ganar y lo hará. Sin la premisa de Mahatma Gandhi y su historia, nuestra película no sería nada. Gandhi ess una obra narrativa más que una obra cinematográfica, cómo sí lo era E.T. Steven Spielberg, cuyo cine me encanta, es un genio y E.T. es una película extraordinaria. Digno de aplaudir, la verdad. Ahora sólo falta que gente como Paul Haggis o Roberto Benigni (el de actuación, no película extranjera) continuen sus pasos.

02 septiembre 2008

Dios los cría y ellos se juntan: Vías Cruzadas

Se abre el telón y aparecen un joven (inadaptado), un personaje peculiar (un enano) y una mujer (con trauma a cuestas) intentando ser una familia feliz. Se cierra el telón, ¿qué tenemos ante nuestros ojos?. El espectador medianamente avispado no tardará en reconocer lo obvio: esto es una película indie. A pesar de que este cine me guste, lo cortés no quita lo valiente. Mientras ves estas películas, independientemente de que guste o no la obra en cuestión, te das cuenta de que siempre estamos viendo la misma historia contada de un modo diferente. No importa si ésta se llama Pequeña Miss Sunshine, Lost in Translation o, como en esta ocasión, Vías cruzadas, ya que la aceptación social y la interacción entre personajes que a priori son unos perdedores que no tienen nada que ver entre sí, son el pan de cada día un cada vez más homogéneo cine indie norteamericano.

Si las vías cruzadas del debutante Thomas McCarthy se erigen como una de las propuestas cinematográficas más curiosas e interesantes de su año, es gracias al retrato de personajes de su excelente y honesto guión, que presenta, sin prisas pero sin pausas y afortunadamente sin las estridencias que suelen lastrar películas como la insoportable Extrañas coincidencias. Y es que McCarthy respeta la delgada línea que separa a los personajes diferentes / extrovertidos de los que son exagerada y deliberadamente “freaks” (en el peor sentido de la palabra). No en vano, es inevitable encariñarte con el simpático-a-pesar-de-sí-mismo vendedor de helados, o especialmente, con Olivia (la sensacional Patricia Clarkson, musa del nuevo cine independiente), esa mujer que te conquista ya sea casi atropellando por dos veces al pobre protagonista o cuando es incapaz de superar el dolor por la muerte de su hijo. Otro tema es Finn, su –en principio - inaccesible y arisco protagonista al que finalmente acabamos queriendo porque, en realidad, a través de sus propios traumas no hace más que hablar de las angustias y los temores que todos tenemos.



Es indudable que Robert Redford y su festival de Sundance han ayudado muchísimo a que el cine independiente salga a la luz y a que las distribuidoras y, por tanto, los espectadores se interesen en él. Las carreras de directores como Soderbergh, Todd Haynes, Richard Linklater o Tarantino podrían haber sido muy diferentes de lo que son hoy día de no haber pasado por el Festival. Sin embargo, el éxito del propio festival han acabado por lastrarlo. Lo que antes era para un público más reducido, ahora se intenta masificar con la presencia de estrellas de cine y con argumentos y ritmos más “digeribles” que casi consiguen cargarse su esencia.

Pese a su ligeramente manida premisa inicial, McCarthy opta por seguir su propio camino, con su ritmo y sus particulares personajes. Por mucho que a algunos les moleste, yo me quedo con ese final en el que, como en la propia vida, los conflictos quedan sin una aparente y satisfactoria conclusión, a pesar de que la llegada del pequeño protagonista de la historia a ese pueblo en mitad de la nada haya cambiado de un modo casi imperceptible la vida de todos ellos.

10 agosto 2008

El Caso, el Mito y el Ultimátum de Bourne: Trilogía de calidad.

Las aventuras y desventuras de Jason Bourne estrenan esta nueva categoría en La Última Película. Dentro de la etiqueta RETRO podréis encontar comentarios y críticas referentes a aquellos visionados atrasados (o a revisionados) de películas que no sean de actualidad.

Aprovechando el puente del finde pasado en Madrid, el viernes fue nuestra cita con las tres películas que conforman la saga de Jason Bourne, ese espía sin memoria interpretado por Matt Damon.

Allá en 2002 se estrenaría El Caso Bourne, una gran película de acción que más tarde se convertiría en la primera parte de una de las mejores trilogías del género. Quién no sabe ya que Jason Bourne despierta en un barco pesquero sin nada más que lo que lleva puesto.. ni siquiera conserva su memoria. Durante las casi dos horas de metraje, Bourne descubrirá lo turbio de su pasado mientras investiga su identidad. Esta primera entrega de la saga tiene todos los elementos de una buena película de acción, de espías y de conspiraciones. El guión tiene giros y arcos originales a pesar de lo trillado del género.

Una de las mejores características de la saga, y que ya es una marca de identidad, se evidencia ya en esta primera entrega: Las persecuciones. En este caso tenemos a un habilidoso Bourne, acompañado de una no tan asustada como debería Marie (Franka Potente, protagonista de esa joya que es Corre, Lola, Corre), que recorre las calles, aceras y plazas de París en un mini huyendo de la policía parisina.

El Caso Bourne nos ofrece mucho más de lo que parece y es que Bourne forma parte de un grupo de asesinos de élite que trabaja para el gobierno de los Estados Unidos haciéndole el trabajo sucio. Cuando los jefazos del proyecto Treadstone se enteran que Bourne está vivo, llaman a sus matones que tienen desperdigados por Europa para asesinarle. Es así como conocemos a Clive Owen, un ejecutor de pocas palabras atormentado por las pesadillas que le provoca su trabajo, algo que luego tormentará a Bourne de igual forma.

Tras demostrar sus habilidades infinitas (y sorprendentes), superar y engañar a todo potencial enemigo y desvelar la verdad de su identidad, el Caso Bourne acaba de forma conclusiva (cosa que no pasa con el resto de las entregas) y con un final que puede percibirse como feliz.

Tras la dosis de acción y espionaje casi perfectos que es la primera parte de la saga, en 2004 nos llegó El Mito de Bourne, una producción inferior a su predecesora, aunque no demasiado, cuyo planteamiento ya concebía claramente la existencia de una tercera entrega algo que resulta ser lo peor de la película ya que produce una sensación de no tener identidad en sí misma.

A pesar de ello, esta segunda entrega recoge todos los elementos de la anterior y los potencia constantemente, estableciendo así una estética, elementos y tramas que conforman una identidad propia para la saga. Acción, conspiraciones, persecuciones y un Bourne cabreado porque ya tenía suficiente con sufrir las consecuencias de su pasado, sino que encima le arrebatan a Marie, el pilar básico de la única vida que recuerda haber vivido.

Aquí la conspiración se vuelve más complicada y Bourne va descifrando qué son esos flashes que tiene de su pasado y se las arregla para desenmascarar al topo que busca la CIA, matar al asesino ruso que se cargó a Marie y confesarle a la hija de la vícitma de sus flashes la verdad sobre la muerte de sus padres.

Paul Greengrass (que sustituye a Doug Liman en la dirección, y se hace amo y señor de la saga) demuestra un mejor manejo de la puesta en escena haciendo que secuencias que en la primera película habrían sido geniales sean espectacularmente magistrales. La persecución en Moscú es un claro ejemplo de un manejo de la cámara espléndido unido a un montaje rápido pero claro y efectivo que mantiene la tensión intacta en todo momento. Llegado a éste punto, y ya que es otra parte importante y característica de la saga, debo hablar de John Powell, artífice de la banda sonora de la trilogía. La banda sonora ha conseguido crear una serie de melodías que forman parte de la identidad de la saga, y que sabe potenciar muy bien todas las secuencias que, al fin y al cabo, es él propósito final.

Con ésto y con todo, y apesar de que es altamente entretenida y mantiene el altísimo nivel de su predecesora, como he dicho antes, y sobretodo se intensifica con el final, la sensación es de transición pero deja todos los elementos sobre la mesa para que se de lugar El ultimátum de Bourne, una película magnífica que pone fin (esperemos) a una de las mejores sagas de acción de los últimos años.

El ultimátum de Bourne está contado en flashback con respecto a la segunda entrega, algo de lo que no nos damos cuenta casi al final del metraje y nos mete de lleno en la venganza de un Bourne que ha decidido no quedarse de brazos cruzados y descubrir qué significan todos los flashes que le abruman. Por su parte, Pamela Landy se da cuenta de lo turbio de Treadstone, la nueva división derivada de ello y algunos peces gordos de la CIA y ayuda a Bourne de lejos pero de cerca.

Greengrass vuelve a demostrar su valía tras una cámara de rápidos movimientos y nos ofrece una de las mejores persecuciones que veremos en muchos años, un despliegue de medios (los extras del film son muy reveladores) y un montón de ideas originales hacen de la persecución por Tánger en general, y los tejados en particular, sea espectacular. En todos sus detalles. Pero no me olvido tampoco de la persecución, esta vez en coche, en Nueva York. Si es que son muy grandes.

Además vuelve a ponerse de manifiesto es gran marca de identidad de Bourne y es que, si la acción se desarrolla en Madrid, se graba en Madrid, y eso le aporta credibilidad, realismo y calidad a la película (me viene a la mente esa plaza en Salamanca llena de mejicanos de En El Punto de Mira).

Se le achacan lagunas en cuanto a la historia y el pasado de Bourne pero que sólo son ciertos en parte. Sí, podríamos haber sabido la vida de Bourne antes de ser reclutado, pero con los detalles que te muestran es suficiente para darte cuenta de que no es un pasado agradable. Además muchos critican que no se aclare nada respecto a la relación de Nikki y Jason, algo que me parece fuera de lugar por dos motivos. Primero, Bourne demuestra que se sale de lo tipicorro y no cae en el sentimentalismo de las relaciones y no tiene miedo a ser fiel a la historia. Bourne tiene su historia de amor con Marie y, después de muerta y tratando de vengarla, lo más lógico y conveniente para la historia es que la relación con Nikki en la tercera entrega, ya que en la segunda apenas aparece, no vaya más allá de la amistad o de ayudarse mutuamente. Sería más criticable que los dos acabasen felices y contentos haciendo bebés.

Y por otra parte, muchos critican que no queda nada claro el pasado y el futuro de ambos. El pasado queda totalmente explicado y no hace falta ser un lince para conocer la verdad. Además, viendo la trilogía de nuevo te das cuenta que, ya en la primera entrega, Nikki le pone ojitos a Bourne la primera vez que se ven. Tuvieron una relación, tristemente Bourne no la recuerda, pero esa relación, tras lo sucedido en la tercera, no puede ir a ningun lado si quieren continuar con sus vidas. El que quiere pensar que Bourne busca a Nikki igual que buscó a Marie, que lo piense.. yo prefieo pensar que cada uno hace su vida sabiendo que el otro sigue vivo. No creo que haya una visión correcta en este aspecto.

Y no puedo terminar sin hablar de Matt Damon, declarado uno de los hombres más sexis del planeta, que ha sabido dar una personalidad y porte a Bourne que no muchos hubiesen conseguido. Ha logrado crear un personaje serio y creible dentro de una saga de acción prácticamente pura cuando, en general, el imaginario de protagonistas de este género es risible, exagerado o una parodia de sí mismo.
Lo mejor de la trilogía: Cómo han hecho de unas grandísimas persecuciones una marca de identidad de la saga. El aprovechamiento artístico y de puesta en escena de las localizaciones Europeas.
Lo peor: los rumores de una cuarta entreg, sin Greengrass ni Damon... ni siquiera Liman.

Para acabar, y a modo de valoración general de la saga, la trilogía de Jason Bourne es cine comercial de entretenimiento de calidad, una saga que derrocha originalidad, espectacularidad y un buen saber hacer cuyo resultado deja al espectador con un sabor de boca inigualable tanto al finalizar cada entrega individualmente como al término de la saga.

30 abril 2007

El verano de Kikujiro

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Hace poco he tenido la oportunidad de volver a ver esta película de Takeshi Kitano que nos narra la historia de Masao, un niño japonés que, llegado el verano, decido ir a visitar a su madre a la que no ve desde que ésta le dejó a vivir con su abuela para porder ganarse la vida y mantenerle.

Tiene la mala, o buena, suerte de encontrarse con Kikujiro, quien le acompaña en su búsqueda en un viaje divertido, difícil y con muchos encuentros.

La historia resulta entrañable desde el primer segundo de metraje y muy divertidad a pesar del considerablemente triste transfondo de la historia.

El personaje de Kikujiro, quien eclipsa todo lo demás, es un gamberro irresponsable que hace las veces de niño compañero de juegos para Masao y las veces de padre protector.

El Film tiene un ritmo consideralemente lento en el que abundan planos de mucha duración, lo que, probablemente, hará que muchos la tachen de aburrida, pero ese ritmo es una combinación perfecta entre todo lo que les ocurre a los protagonistas, el alto contenido de humor y la evolución de la historia y el ritmo pausado. Además, cada capítulo de su aventura veraniega está separado por unas introducciones a modo de album de fotos de Masao donde éste titula cada una de las partes, adelantándonos lo que nos espera.

Hay personajes escéntricos y exagerados que se cruzan en el camino deMasao y Kikujiro, de quien el niño no sabe el nombre y le llama "El Señor" durante todo el film, creando situaciones exageradas, oníricas, emotivas e hilarantes.

La música es un elemento muy presente a lo largo de todo el film y el live motive (aquella melodía que se identifica con un personaje o una situación dentro de una narración) que identifica al protagonista está insertado en los momentos perfectos y, generalmente, corresponde al de la sonrisa del espectador.

Lo mejor: Kikujiro. El hombre pulpo
Lo peor: Que muchos la tildarán de aburrida por su ritmo. Que no haya segunda parte.
La secuencia: El divertidisimo escondite inglés.

**** "El verano de Kikujiro" es una película para disfrutar con cualquier persona y para descubrir lo mejor y lo peor de las personas y que hasta la historia más triste, es mejor afrontarla con una sonrisa.

 
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