Chuleta cinéfila de fin de semana

La cartelera a veces supone un terreno salvaje inexplorado al que uno tiene que acercarse con cautela. Por eso, he decidido hacer esporádicos repasos a lo que podemos encontrarnos en las salas para que os sea más fácil elegir a quién entregáis vuestros 8 euros de la entrada.

 Hoy viernes 30 de Marzo se estrena algún título interesante que no he tenido la ocasión de ver. Por un lado está Wuthering Heights (Cumbres Borrascosas), la nueva película de Andrea Arnold (Fish Tank) que parece una aproximación distinta y más oscura al clásico. Con ser la mitad de interesante que la reciente versión de Jane Eyre, ya tiene mucho terreno ganado.

El otro estreno interesante es patrio, [REC]3. Tengo sentimientos encontrados. Después de disfrutar con la primera entrega como con pocos títulos del género, la segunda supuso una decepción tremenda. A pesar de eso, los trailers y las reacciones a esta tercera entrega dan buena espina. Seguiremos informando.

Pero no toda la cartelera son estrenos así que paso a comentar de lo que realmente va esta entrada: aquellos títulos que siguen en cartel y recomiendo ver antes de que desaparezcan. Como es de suponer, no he visto todo lo que está en cartelera así que mis recomendaciones se basan en lo que he tenido ocasión de disfrutar. Es una obviedad que aclaro para que no me salgan gnomos gritando algo tipo "¡¡Pero cómo no has puesto esta, que es buenísima!!"

Empiezo con menciones fugaces a títulos que aún colean en algunas carteleras y son imprescindibles: Shame, Young Adult y ¿Ahora adonde vamos?. Tres grandes películas muy distintas entre sí que algunos aún tendrán la suerte de encontrarlas en su cine.

Los Idus de Marzo (The Ides of March) 
Estreno bastante reciente con George Clooney y Ryan Gosling entre otros que narra los entresijos políticos de unas primarias demócratas. Aunque su guión es sólido, los giros de trama y el discurso no aporta nada nuevo. Es una historia que ya hemos visto con unos personajes que ya conocemos. Sin embargo, la estupenda dirección de Clooney merece y el reparto está impecable.

Intouchables (Intocable)
Comedia francesa que está arrasando en la taquilla española. Es un título amable, algo facilón pero efectivo. Una historia entrañable con dos personajes curiosos, divertidos y que conectan mucho y pronto con el espectador. Para salir sonriendo de la sala.

Tyrannosaur (Redención) 
Tras varios atrasos, por fin podemos disfrutar de un gran drama de personajes atormentados. No es un descenso a los infiernos ni un ascenso de ellos, son dos personas diametralmente opuestas que se encuentran y conviven en el infierno. Intensa y con unas interpretaciones excelentes.

Extraterrestre 
Lo nuevo de Vigalondo es el matrimonio perfecto entre la comedia romántica y la ciencia ficción, una historia muy divertida con un enfoque muy original del género y un reparto con una química cómica ilimitada. Altamente recomendable.

No he visto pero tiene buena pinta: We need to talk about Kevin (Tenemos que hablar de Kevin). No he visto pero tiene mala pinta: The Devil Inside, Ira de Titanes (con Furia tuve suficiente, gracias).

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Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (y 3)

 Termino ya con la crónica de la novena edición de la Muestra Syfy. Además del comentario sobre las películas restantes de la muestra, acabaré con unas breves opiniones de algunos twitteros, bloggeros y podcasters de cine con los que compartí esa semana de cine fantástico.

Empiezo con The Woman, cuyo guión se llevó un premio en la pasada edición de Sitges y que me decepcionó bastante. Tiene un planteamiento muy interesante y efectivo pero se queda estancada en él. Se hace repetitiva y cuando llega el momento de acabar, introduce un elemento externo para forzar el clímax y el final. Una pena.

Lo contrario me ocurrió con Apollo 18, otra entrega de suspense en el género found footage que crea muy bien su atmósfera. Quizá falla a la hora de crear personajes con los que conectar, pero el misterio y la tensión están tan bien llevados que lo compensan. Es una pena que un buen título de género como éste que llega de la mano de un realizador español aún no haya encontrado distribución nacional.

El sábado se despidió con 4:44, Last Day on Eath, un título que tuve la ocasión de ver en Sitges y que no tenía intención de volver a sufrir en la muestra. Un alegato ecologista con una premisa interesante desperdiciada con un desarrollo sin sentido, vacío y tremendamente aburrido.

La última jornada de la muestra comenzó con el Phenomena. Junto a trailers y anuncios de la época, pudimos disfrutar de dos joyas de la ciencia ficción como son Ultimátum a la Tierra (1951) y El Planeta de los Simios (1968). Dos ejemplos de cómo el género no necesita de grandes despliegues de efectos para contar grandes historias, poner sobre la mesa interesantes reflexiones y no olvidar la comedia o el suspense por el camino. Sin duda dos imprescindibles títulos que aguantan perfectamente el paso de los años y cuyas virtudes no caben en un breve resumen como éste.

Paso entonces a The Innkeepers, la entrega casa-encantada que no podía faltar, una peculiar producción cuya mejor baza es todo lo ajeno al factor sobrenatural de la historia. Crea dos protagonistas curiosos, divertidos y con una gran química, que aguantan bien la película y consiguen entretener. Sin embargo, falla estrepitosamente en el desarrollo del misterio que, por su naturaleza, no cobra sentido hasta el final, perdiendo así el interés del espectador por el camino.

Fue una película patria la encargada de clausurar estos cuatro días de cine fantástico: Lobos de Arga. Es curioso. Generalmente disfruto de los títulos que parodian y homenajean al género que pertenecen pero suelen tener un fallo: descuidar la trama o a los personajes a favor de ese objetivo. Sin embargo, las películas-homenaje de la muestra han sido todo lo contrario. Ya lo comenté con Hobo with a Shotgun y lo repito con Lobos de Arga, una historia divertidísima, con un humor muy conseguido entre lo campechano y lo salido de madre que explota la química entre sus protagonistas al máximo sin descuidar el desarrollo de la historia. Absolutamente disfrutable de principio a fin.

Y hasta aquí mi crónica de lo que fueron esos cuatro días de cine. Muchas gracias a SyFy por ofrecernos la oportunidad de ver las películas un año más. Me despido con las crónicas express.

Ramón Rey @rrey (Podcast Esta peli ya la he visto) 
Lo mejor: Hobo with a Shotgun, Lobos de Arga, Apollo 18, The Innkeepers, la complicidad de Leticia Dolera con los asistentes, la viejecita del anuncio de Syfy, poder disfrutar de dos clásicos absolutos de la ciencia ficción en la sesión doble de Phenomena y el Trash entre amigos con el villano arremangado.
Lo peor: el retraso en las sesiones, John Carter, Atrocious, Stake Land, que no conservaran la relación de aspecto original de la película en la proyección de The Day the Earth Stood Still y alguna gente que habla constantemente y se ríe sin venir a cuento.

Luis Castro @tarhod (Podcast: Two Freak Guys) 
Lo mejor: Capitan Shepard, Leticia Dolera, nuestro club de la fila 12, el rollo colegueo que hay durante toda la muestra, el "ay". De pelis Hobo y Los lobos de Arga.
Lo peor: Tener que hacer cada vez que se termina una pelicula toda la cola aunque tengas pase. Algun picoteo trash como kit kat, un buen inicio de la muestra (y no John Carter de Mierda), Atrocius, Innkeepers, Stakeland. El volumen en la sala estaba demasiado alto en varias ocasiones

Mikel Zorrilla @freddyvoorhees (Podcast Normas de equivocación) 
Lo mejor: El nivel general de las películas, bastante más alto que el del año anterior. También el hecho de ir ampliando los eventos especiales al traer el Phenomena. Ahora estoy deseando ver con qué logran superarse el año que viene.
Lo peor: Hubo alguna mala película y ciertos retrasos, pero la verdad es que ha progresado mucho al respecto respecto a años anteriores. No sé, no recuerdo nada que me molestase tanto como para ponerlo aquí.

Pablo díaz @Dark_Pol 
Lo Mejor: Leticia Dolera, el ambiente de la muestra y el Shepard.
Lo Peor: No era en los Palafox, las colas multitudinarias que ya había formadas y que si tenías abono para todas las peliculas, salvo colandote tenias que tragarte enteras, y Rihanna (Boom)
 
Si quieres leer el resto de crónicas:
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (1)
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (2)

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Cine, cinco noches a la semana en La 2.

La 2 estrena nueva temporada de cine con grandes títulos de todo tipo de procedencia y época. Esta programación ocupará cinco noches de la semana que se distribuirán de la siguiente forma:

Los lunes: Selección.
Será el turno del cine de La 2, una selección de películas europeas de calidad de producción reciente con la incorporación de algunos clásicos modernos. Entre otros títulos los espectadores podrán disfrutar de 'La vida en Rosa', 'Bienvenidos al norte', 'La cinta blanca' o 'Cinema Paradiso'.

Los martes: Versión Española .
Grandes títulos recientes y clásicos del séptimo arte español, con Cayetana Guillén Cuervo y un coloquio con los protagonistas. Las próximas citas con nuestro cine son 'Territorio Comanche' de Gerardo Herrero con Imanol Arias y Carmelo Gómez; 'Mentiras y gordas' de Alfonso Albacete y David Menkes con Mario Casas, Ana de Armas y Hugo Silva; 'Todas las canciones hablan de ti' de Jonás Trueba.

Los miércoles: Cine clásico 
Los amantes de los clásicos tienen aquí su punto de encuentro con películas como 'Gilda', 'El halcón y la flecha', 'Dos cabalgan juntos', 'De aquí a la eternidad', 'Doctor Zhivago', 'Casablanca'...

Los jueves: Cinefilia 
Este día se podrán disfrutar grandes clásicos modernos americanos y europeos. El mejor cine de los últimos 30 años de la mano de los mejores directores. 'La lista de Schindler' de Steven Spielberg, 'El cabo del miedo' de Martin Scorsese, 'The boxer' de Jim Sheridan, 'Esencia de mujer' de Martin Brest, 'Las vírgenes suicidas' de Sophia Coppola o 'Las amistades peligrosas' de Stephen Frears.

Los sábados: 'De qué se ríen los europeos' 
En las próximas semanas, se incorporará además un nuevo espacio: las mejores comedias europeas de los últimos años.

Nota de prensa aqui

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Verbo: La importancia del tono.

Tras varios cortometrajes, Eduardo Chapero-Jackson se ha estrenado en el mundo de los largos con Verbo, una historia sobre una joven adolescente que se siente sola e incomprendida ante el mundo que le rodea y decide poner fin a todo. Pero hay alguien ahí fuera que llama su atención, Líriko, un hombre que hará lo que esté en su mano para evitarlo.

La idea de Verbo era buena: crea una mitología en torno a ese mundo del suicidio. Aprovecha los motivos que llevan a ello y las razones o pensamientos que pueden llevar a alguien a superar ese bache. Sin embargo, este planteamiento se abandona absolutamente al servicio de un tono para adolescentes intensos con excesiva y obvia moralina.

Asumiendo que esta aproximación a la historia es completamente consciente y comercialmente comprensible, esta producción de estreno tardío (lleva año y medio en el cajón) tiene numerosos tropiezos en su intento de ser moderna y joven. La estética es resultona aunque obvia y ese envoltorio medio rapero resulta impostado en muchas ocasiones, algo a lo que no ayudan los diálogos en rima generalmente risibles.

Instrucciones de uso: Es obvio que no soy el público y no me extrañaría ver que este título patrio triunfase entre esa población adolescente similar a su protagonista al igual que han lo conseguido vampiros y hombres lobo intensos de la saga Crepúsculo. 

Evaluando ya independientemente del tono, el arranque de la historia es extremadamente lento y la expectativa que genera en un inicio se va esfumando poco a poco hasta convertirse en impaciencia tras más de media hora de introducción.

Verbo probablemente sea una película más que válida para el público al que está dirigida, pero carece de cualquier intento de resistirse a abandonarse a los efectismos, moralismos y dramatismos propios de ese universo para otorgarle a la película algún valor añadido. Se estrena mañana 4 de Noviembre.

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[44 ed. Sitges] ¿Podrás volver a dormir tranquilo?

Los psicokillers han dado mucho juego en la historia del cine. En Mientras Duermes, Jaume Balagueró no teme inspirarse en grandes perturbados como Norman Bates o Hannibal Lecter a la vez que inyecta personalidad en fondo y forma a este sobresaliente thriller psicológico.

Luis Tosar es César, un portero de edificio servicial y educado por el día y meticuloso y frío acosador por la noche. Clara, Marta Etura, vive en uno de los apartamentos del bloque sin darse cuenta del escrutinio que César hace de su vida, aunque ella no es la única víctima de los actos retorcidos del portero.

Tras disfrutar de títulos como [REC] o Para entrar a vivir, Balagueró me sorprende con este oscuro, íntimo e inquietante thriller psicológico en el que el espectador camina de la mano de un personaje perturbador y magnético a la vez. Huyendo del abuso de sobresaltos, de música tramposa y de clímax forzados, el guión se esfuerza en atraparnos en la tensión constante que resulta del permanente peligro a ser descubierto y de la angustia que provocan los actos del protagonista. Ese suspense que nace en los primeros minutos de metraje va creciendo, lento pero seguro, sin desperdiciar el nerviosismo del espectador que, cuando llegan los escasos pero intensos puntos álgidos de la historia, tiene tanta inquietud acumulada que lo vive con gran excitación.

A este nivel de tensión hay que sumarle esa dualidad tan complicada de manejar en la que se encuentra una audiencia por un lado consciente de la maldad de César y por otro inclinada hacia ese hombre al que han ido acompañando durante toda la película. Empatizar con el antagonista siempre es divertido.

Instrucciones de uso: Mientras duermes juega con un suspense muy sutil que surge lentamente de la naturaleza enfermiza de los actos del protagonista, por lo tanto se aleja de otros psicokillers más agresivos como podría ser Freddy Kruger.

Mientras Duermes ha sido uno sin duda uno de los mejores títulos que he podido disfrutar en el Festival de Sitges, un thriller fantástico y muy distinto a lo que estamos acostumbrados a encontrarnos últimamente en este género, sobretodo entre las producciones patrias. Se estrena hoy mismo, 14 de Octubre. No volveréis a ir a la cama tranquilos sin mirar antes debajo de la cama.

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Se busca director de película

La productora Cronopia Films busca un director para su nueva película: Blue Lips, una película coral bajo el mando de las productoras de "Nevando voy", Candela Figueira y Maitena Muruzábal.

Blue Lips nace de la necesidad de explorar nuevos caminos en la producción cinematográfica. A través del ingenio, la creatividad y los nuevos medios de comunicación como la página web www.bluelipsthemovie.com y las redes sociales, Facebook y Twitter, Cronopia Films emprende este proyecto experimental.

En 2001 unos jóvenes estudiantes de cine, procedentes de todo el mundo se conocieron en Los Ángeles. Diez años después, tras diversas experiencias profesionales y personales, se vuelven a reunir con el objetivo de crear un largometraje juntos.

La película, que se rodará el próximo año, cuenta la historia de seis personajes que se encuentran por todo el globo: Buenos Aires, Honolulu, Roma, Río de Janeiro, Los Ángeles y Pamplona, y cada una de las historias será realizada por un director local. Es en Pamplona donde todos los personajes, por diversos motivos, acaban. En este viaje a San Fermin 2012 convergen todas las historias y todos los directores coordinarán el rodaje del desenlace de esta producción.

El largometraje cuenta actualmente con cinco directores, entre los que destaca el español Álvaro Ron, que se encargará del rodaje en Roma. Junto con los directores argentinos Daniela De Carlo, Julieta Lima y Martín Mouriño y el peruano Nobuo Shima, el sexto director, residente en España, tendrá la oportunidad de trabajar en un proyecto innovador.

Desde el 21 de septiembre está abierta la convocatoria en la web oficial, donde pueden verse las bases del concurso, para optar a ser elegido el director. Los participantes tienen hasta el próximo 30 de noviembre para hacer llegar un vídeo en el que detalle sus experiencias tras la cámara.

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[59 ed. SS] Intrusos, árboles y malvados.

Como cada año, he asistido al Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Bueno, corrijo, estoy asistiendo. En tres días estoy ya cerca de las veinte películas y el ritmo de proyecciones, pases de prensa, entrevistas y encuentros con los directores y actores está impidiendo que tenga tiempo de pisar la sala de prensa para escribir unas líneas.

Por no dejar a ciegas el blog hasta que disponga del tiempo suficiente para escribir críticas con propiedad, he decidido hacer unos repaso rápido a lo visto cada día. Comienzo con las películas del viernes 16.

Intruders
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Juan Carlos Fresnadillo presenta su nueva película e inaugura una de las ediciones con más variedad de géneros de los últimos años. Aunque el drama familiar es interesante, el guión no aprovecha el fondo que tiene la historia, lo profundo del secreto y el origen de lo sobrenatural de la historia. Todos estos elementos ceden terreno al terreno al thriller psicológico que sí que aprovecha las posibilidades de generar tensión en el espectador. Intruders se queda en algo correcto muy lejos de los excelentes trabajos anteriores del director.

The Tree of life
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En este caso, mi idolatrado Terrence Mallick no decepciona y nos regala una absoluta maravilla visual y conceptual en El árbol de la vida. Mallick sigue fiel a su estilo y forma de narrar las historias, tomándose así su tiempo para exponer las ideas sobre las que reflexiona recreándo al espectador con poesía, metáforas, verdades y pensamientos mediante imágenes que transmiten a la perfección sensaciones, sentimientos y una atmósfera melancólica y, a la vez, esperanzadora. Mallick reflexiona sobre la vida, la fe, la infancia, la muerte y lo que nos convierte en lo que somos. Impresionantes los primeros 40 minutos, la banda sonora de Alexandre Desplat y una fotografía aferrada a un ocaso permanente.

No habrá paz para los malvados
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Enrique Urbizu se atreve de nuevo con el cine de género. Con una narrativa visual excelente que tapa algunas (no todas) grietas de guión, esta vez se atreve con una mezcla de cine negro y western que resulta refrescante en el panorama nacional. José Coronado está magnífico, creerlo, en la piel de un antihéroe hundido que provoca un maremágnum de investigaciones, asesinatos y burocracias durante una borrachera. Aunque el resultado final es satisfactorio y la historia tiene buen ritmo, el desarrollo del caso es bastante torpe en su tramo intermedio y desconecta al espectador. Elena Miquel, protagonista femenina de la cinta, está muy plana en un personaje que podría haber dado mucho más. Con todo, No habrá paz para los malvados es cine patrio de lo más recomendable.

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Saltando al vacío de la mano de un genio

"Dejad descansar la película una noche en vuestra cabeza. Es todo lo que pido". Son palabras salidas de la boca de Pedro Almodóvar poco antes del pase de prensa de la película nº 18 del más fascinante director y guionista que ha dado el cine español para quien esto escribe. Filias y fobias al margen, La piel que habito supone una huída hacia adelante en la filmografía de un cineasta que, sin renunciar a momentos esporádicos más lúdicos y ligeros, está determinado a abrazar la oscuridad en sus historias. No deja de ser curioso que el cineasta se enfrente al fondo más perturbador e incómodo de su carrera desde la puesta en escena más luminosa y sencilla, una maravillosa dirección de fotografía de José Luis Alcaine (su socio en películas como Volver o Mujeres al borde de un ataque de nervios) que fue reconocida en el último festival de Cannes.

Por segunda vez en su carrera (la primera fue la irregular Carne Trémula), Almodóvar se lanza a adaptar muy libremente un material ajeno. La muy negra Tarántala, del novelista francés Thierry Jonquet, da una serie de ingredientes tan interesantes como potencialmente incómodos (locura, cirugía estética, venganza, sexo y obsesión) que acaban convirtiendo a la película en un thriller con toques de terror psicológico y melodrama made in Almodóvar que no lo tendrá particularmente fácil para convencer ni a los más férreos seguidores del director de Todo sobre mi madre ni a los clásicos detractores que periódica y erroneamente le acusan hacer una y otra vez la misma película. Con La piel que habito queda claro que no es el caso.

En unos tiempos en los que el cine de terror y el thriller no atraviesa precisamente por su mejor momento, Almodóvar ofrece un vuelta de tuerca tan perturbura como contenida, tan elegante como retorcida, tan interesante como compleja. Desde el más ambiguo e irreal (que no inveresímil) de los entornos, La piel que habito presenta una serie de giros rocambolescos, fascinantes y entretenidos que derivan en lo que algunos han denominado el mejor truco final desde El sexto sentido. Estamos ante una película que puede pecar de excesiva, pero a la que jamás se le puede acusar de aburrida..... y también sería divertida si no fuese por ese giro que termina por provocarnos un nudo en el estómago (si no eres de los espectadores que se han salido del relato ante lo extremo e incómodo de la propusta), una de esas revelaciones que se merecen una alerta de spoilers como una casa. Podéis escuchar cuantas opiniones de las películas queráis, pero por favor, que no os la cuenten.

Instrucciones de uso: No dejes que te estropeen los giros argumentales, libérate de prejuicios y vete a un cine a ver el primer experimento con el terror y el thriller psicológico del más internacional y ambicioso de nuestros directores. Hará las delicias de los fans del cine sugerente, atrevido y provocador dispuestos a olvidar algún que otro pecado argumental.

Agradecido y emocionado debe estar Antonio Banderas con su primer trabajo con Almodóvar en más de veinte años: Robert Ledgard, un vengativo y repugante cirujano sin límites que, curiosamente, saca del malagueño la más contenida y carismática de sus interpretaciones en al menos diez años. La frialdad del protagonista de ¡Átame! o La ley del deseo contrasta con la espectacular belleza y poderío de una Elena Anaya que hereda el papel protagonista de una Penélope Cruz que no pudo protagonizar la película por problemas de agenda. Consciente de estar ante una oportunidad única, la musa de Medem está a la altura de la etiqueta chica Almodóvar y compone un personaje icónico, difícil y muy muy sugerente. Sin apoderarse la película pero cumpliendo con su trabajo con nota, están Jan Cornet y Blanca Suárez, jóvenes intérpretes que cubren las expectativas donde otros fracasaron (Liberto Rabal o Rubén Ochandiano siendo los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza). En un papel muy presente aunque un tanto desdibujado Marisa Paredes (inolvidable Huma Rojo o Leo Macías) está a la altura de lo que se espera de ella en su sexta colaboración con el director.


El que no hace ningún favor a la película es Roberto Álamo y, sobre todo, su personaje en uno de esos clásicos excesos almodovarianos que tan para atrás echan a los críticos del cineasta. Ni Álamo hace un buen trabajo (lo que resulta sorprendente después de fascinar y enamorar con su interpretación en el Urtain de Animalario), ni su personaje hace otra cosa que entorpecer y dificultar una trama que es más simple de lo que parece ni se entiende en ningún momento que su personaje sea brasileño. Demasiados ni en un personaje de esos que justifican la frase "lo que no suma, resta". Detalles como ese o la confusión sobre el origen y motivaciones de la venganza de Robert enturbian la estructura de una película diferente y original que se debe consolar con la etiqueta de notable. Que no es poco.

Imperfecta, confusa, excesiva y deliberadamente loca.... Se pueden utilizar numerosos adjetivos para definir La piel que habito y no todos ellos serán positivos, pero si la película y la propia carrera del cineasta se han ganado una calificación es la de imprescindible. Los genios, incluso cuando no nos ofrecen su obra magna (no siempre se puede estar a altura de películas tan brillantes y únicas como Volver, Átame, Hable con ella o tantas otras), merecen ser escuchados, vistos y apreciados. Siempre.

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Sobre los cortos nominados a los Goya 2011

Esta noche los Goya celebran su aniversario de plata. Desde aquella edición en 2003 en la que el “NO a la guerra” fue el gran protagonista no recuerdo un ambiente tan polémico como el que hemos vivido estas últimas semanas en torno a la industria del Cine español. Veremos de qué forma se refleja este asunto en la gala de esta noche pero, hasta entonces, voy a hablar un poco de los cortos de animación y ficción nominados que pude ver en la inauguración de Cortogenia 2011.




CORTOS DE ANIMACIÓN

Exlibris
Este corto de María Trénor pretende ser un homenaje a los libros, al placer de leer y a una de las obras más emblemáticas de nuestra literatura. Si bien el mensaje queda claro desde el principio, la historia resulta muy repetitiva, la animación muy de andar por casa y todo se queda en un intento bastante austero e insípido.

La Bruja
Una romántica bruja busca el amor en este corto de Pedro Solís García. La animación es muy de andar por casa y la historia, que sucede en un entorno mágico, tiene toques cotidianos curiosos pero no pasa de ser un corto simpático.

La Torre del Tiempo.
Este título de Jose Luis Quirós es de lo peorcito de todas las categorías y es que La Torre del Tiempo parece una mala y cutre intro de videojuego. Pretende hacer una reflexión sobre la vida, la muerte y el tiempo y se queda en una historia muy poco interesante, que carece de gancho y con una mitología confusa que el espectador ni se preocupa en entender.

Vicenta
Este es, a mi parecer, el mejor corto de la categoría. Vicenta es víctima de un avaro marido que la ningunea hasta tal punto de no dejar que tenga acceso al dineral que hace años ganaron en la lotería, dineral que se convierte en el centro de esta genial producción. Con una animación por stop motion excelente, Vicenta nos regala una historia cachonda, muy entretenida, con guiños y homenajes cinematográficos y sin ningún pudor a la hora de pasarse de explícita, violenta y absurda. Clara ganadora para mí.


CORTOMETRAJES DE FICCIÓN

Adiós papá, adiós mamá.
Luis Soravilla hace una reflexión sobre lo complicado que le resulta a la juventud actual emanciparse, acompañado con esa tarea complicada que es la comunicación entre padres e hijos y lo hace de una forma muy simpática y con un reparto muy notable en sus papeles. Es un visionado agradable pero que pierde fuerza cuando se compara con el resto de los candidatos.

El Orden de las Cosas
A estas alturas, el tema del maltrato a la mujer es un tema muy manido en nuestro cine y reconozco que mi mirada ante esta historia era bastante recelosa. Sin embargo, he acabado maravillada con la poética y la metáfora en las que se envuelve esta cruda y dura historia con una espléndida Manuela Vellés, que tiene un don natural para sufrir en pantalla, en el papel de una joven que gota a gota ve su vida ahogarse ante sus ojos. Un visionado muy recomendable que sería justo merecedor de un premio que me extrañaría que no recibiese.

Una Caja de Botones
Es navidad y las dificultades económicas de un padre le impiden comprar un regalo para su hija pequeña que descubrirá mucho antes de lo debido la verdad sobre los Reyes Magos. María Reyes Arias es eficiente a la hora de contarnos su historia sobre el poder de la imaginación e ilusión de la infancia, sobre la importancia del apoyo familiar y la amistad, pero no consigue emocionar ni conectar con el espectador. El discurso llega, pero no interesa.

Zumo de limón.
Hay un dicho que dice que si la vida te da limones, haz limonada. Jorge Muriel y Miguel Romero nos cuentan la historia de esa limonada tan amarga que es casi imposible de digerir. Una historia sobre el invierno de una pobre anciana con demasiado carácter que se queda sin su compañero de toda la vida y tiene que enfrentarse a la soledad del abandono por parte de sus hijos. Es un homenaje a nuestras abuelas, una deliciosa y conmovedora historia de un nieto que cree firmemente que todos hemos cometido errores en nuestra vida pero que no por ello merecemos pasar solos nuestros últimos años sobre la tierra. Zumo de limón es un corto muy emocional y amargo que deja un nudo en el estómago y hace que llames a tu abuela nada más salir de la sala. Sin duda el que más he disfrutado y mis favoritos de entre todos los nominados.


Veremos que sucede esta noche en el Palacio Real de Madrid. A partir de las 22:00h de hoy domingo 13 de Febrero, la Plaza de Oriente se llenará de las estrellas de nuestro cine y Andreu Buenafuente será el encargado de presentar la gala que podremos ver en La 1. Aún estáis a tiempo de hacer vuestra quiniela.

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58 ed. Donostia: Elisa K [España]

Este es uno de esos títulos hechos para los críticos cinematográficos gafapastiles que orgasmean sólo escribiendo sobre ellos con frases y metáforas lo más rebuscadas posibles sin importar que realmente luego no digan nada. Ah, sí. Ganó el premio especial del jurado del festival.

Dicho eso (y sintiéndome mucho más liberada) tengo que decir que Elisa K no es una mala película. Por supuesto que no. Pero sí es pretenciosa, y mucho. Esa mezcla de la narración en prosa literaria nada cinematográfica de mano de la voz en off unida al blanco y negro consiguió que la viese con recelo desde el primer momento.

Judit Colell, que ya nos aburrió en una pasada edición del festival con 53 días de invierno, se enfrenta a un tema complicado que, a la vez, no deja de estar algo manido. Desconozco la novela original sobre la que se basa el relato pero a mí toda la historia se me antoja una justificación creada en torno a la desgarradora secuencia que tiene Aina Clotet al término de unos lentos 70 minutos.

¿La recomiendo? No precisamente. No cuenta nada especialmente nuevo, estilísticamente no supone ninguna revolución y no destaca prácticamente en ningún aspecto salvo, quizá, la interpretación. ¿Es una pérdida de tiempo verla? Pues tampoco.

A pesar de todo lo dicho, Elisa K no deja de ser una historia conmovedora con unas buenas interpretaciones cuya naturaleza requiere una conexión con el espectador desde el principio que, si se consigue, probablemente se disfrute de una forma que yo no fui capaz de conseguir.

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43 Ed. Siges: Secuestrados

Una familia se muda a una nueva casa en una urbanización de gente bien. Esa noche, tres encapuchados irrumpen en su casa desatando el horror. Este es el simple pero arrollador planteamiento de otro de los mejores títulos que he podido disfrutar en la presente edición del festival de Sitges.

Secuestrados está rodada aproximadamente en once planos secuencia que arrastran al espectador a hora y media de tensión, frustración y desazón. Miguel Ángel Vivas huye de explicaciones innecesarias y aclaratorias o de giros artificiales centrándose en la idea de que algo así puede ocurrirle a cualquiera, haciendo que esta sobrecogedora historia provoque aún más malestar y congoja.

Esta ansiedad se consigue en gran parte gracias a la decisión de Vivas de rodar todo el metraje en una decena de planos secuencia. Eliminados los planos contraplanos y con el añadido de lo que se percibe como tiempo real, la inmersión del espectador en la historia es casi total desde el primer minuto. Por supuesto, este experimento no sería posible sin un elenco a la altura de las exigencias de la propuesta. Tanto secuestrados como secuestradores se entregan totalmente a una acción intensa y casi sin respiro, entrando totalmente en unos papeles con dificultad añadida por aquella acertadísima decisión de rodar en planos secuencia larguísimos, trepidantes que en muchas ocasiones son un admirable ejercicio de coreografía que resultan una inyección de naturalidad de lo más eficaz.

Que no os confundan algunos comentarios, esto no es Martyrs ni una sucesión de violencia sin sentido. Es más al estilo de Funny Games pero sin artificios, como decía.

Secuestrados es tensión pura y dura. Sí, tiene momentos bestias y no se corta a la hora de mostrarnos la violencia, pero no llega a ser desagradable ni a provocar rechazo. Es una angustia de esas que se disfrutan.

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43 Ed. Sitges: Carne de Neón

Con algunas críticas aún pendientes del 58 Festival de Donostia, comienzo a hablaros de mi poco fructífera asistencia al 43 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges. Digo poco fructífera porque la organización del festival ha dejado bastante que desear y esperemos que se replanteen el sistema de cara a próximas ediciones.

Dicho esto, y sin olvidar mencionar mi gran decepción al ver que el homenaje a Regreso al Futuro por su 25 aniversario había sido cancelado, comienzo a hablaros de mis títulos festivaleros por la primera película a la que asistí: Carne de Neón.

Paco Cabezas dirige este remake de su propio corto que nos atrapa en un mundo de antihéroes marginales y perdedores con un sabroso regusto a la filmografía de Guy Ritchie.

Hay bastantes elementos a destacar dentro de esta divertida y sucia historia pero, sin duda, el más llamativo su trepidante ritmo, que no deja tregua al espectador entre sus momentos más cómicos, los más dramáticos o los más explícitos. Al ritmo se une la acertada dirección artística, que consigue un ambiente sucio y viciado apoyado por esa fotografía de alto contraste que a mí suele gustarme mucho.

Por último, aunque probablemente lo más importante, hay que aplaudir a un excelente elenco que hace suyos unos personajes que de planteamiento podrían haber caído fácilmente en el típico plantel que encontramos en títulos de universos similares. Salvo Mario Casas, al que han aplaudido pero que yo no conseguía creerme en ninguna de sus secuencias dramáticas, todos los intérpretes están fantásticos aunque quiero destacar a una estupenda Ángela Molina, a un odiosamente encantador Vicente Romero y a Dámaso Conde con su adorable Infantita.

No, no es perfecta. Tiene alguna que otra bajada de interés, alguno de sus tramos se hace demasiado largo, y la forma de introducir al policía y su hija (Blanca Suárez) en la trama es bastante torpe pero todas sus virtudes y la falta de títulos de este estilo en nuestro panorama cinematográfico, casi consiguen anular todos esos peros.

Que no os de reparo esa sinopsis llena de putas, yonkis y demás protagonistas de bajos fondos, Carne de neón es una película divertida, entretenida, emotiva, dura con la que seguramente paséis un muy buen rato.

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58 ed. Donostia: Buried (Enterrado) [España]

Lo que Rodrigo Cortés nos ofrece en Buried es tan visceral y emocional que no sólo me resulta extremadamente complicado explicarlo con palabras, sino que casi se me antoja inapropiado.

Paul Conroy se despierta desconcertado en un ataúd de madera: ha sido enterrado vivo. Con las pocas herramientas que le han proporcionado sus captores, hará todo lo posible para que le saquen de su prisión bajo tierra.

Es realmente fascinante lo que Cortés y Chris Sparling (autor del guión y único en los créditos que no es español) han conseguido con este agobiante y claustrofóbico título. Una caja, un personaje cuyo único compañero de aventuras es un movil y la oscuridad. Esos son los tres elementos principales con los que juega este brillante thriller. Una hora y media con un excelentísimo Ryan Raynolds desesperado porque alguien le escuche y ayude.

Como el propio director comentaba en la rueda de prensa, una de sus mejores bazas es la forma en la que evoluciona la trama, donde el espectador va totalmente de la mano de Paul y descubre las cosas a la vez que el protagonista. No se recurren a secuencias en el exterior, no hay más puntos de vista que el de Paul y es ahí donde nace la pronta y profunda conexión con el personaje y el consecuente agobio y frustración del espectador para/con la película.

Los planos muy cortos. La respiración. El sonido de un mechero. La esperanza en forma de vibrador de móvil. La ocasional música de tensión. Los silencios. La oscuridad. Hasta el más mínimo detalle cobra importancia.

Pero para contar lo que realmente quisiera sobre “Enterrado” y explicar los motivos que la convierten en uno de los films más brillantes que he visto este año tendría que meterme de lleno en el devenir de la historia, en los recursos visuales y otros aspectos que requerirían desvelar demasiadas cosas de la película y no. Tenéis que descubirla de la mano de Ryan Raynolds, de la de Sparling, de la mano de Rodrigo Cortés y, por supuesto, de todo el cuerpo sudoroso, tenso, aterrado y desesperado de Paul Conroy.

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Sesión contínua: Gordos, La Ola y Caché

De vez en cuando no está mal hacer una noche maratón de pelis con un amigo. Como la regla es empezar por las intensas y acabar con las ligeritas, las películas elegidas para esta sesión fueron, por orden, Caché, de Haneke; La Ola de Dennis Gansel; Gordos de Sánchez Arévalo; y Luna Nueva, de la que ni siquiera voy a hablar por razones obvias (y porque tal coñazo a las 4 de la mañana no pudo evitar que me quedase dormida).

Cache (Escondido).
Que sí. El sentimiento de culpa, la mentira, el jugar con el espectador y todo tipo de bla bla, pero no. Mucho había leído sobre este peculiar título y reconozco que tenía ganas de verla ya que todo lo que he visto de Haneke hasta ahora lo he disfrutado mucho. Sin embargo, este título ha sido un borrón en su cuenta para mí.

Caché es un coñazo pretencioso y ególatra que además no resulta interesante ni visualmente con tanto plano fijo y tan nefasta, más bien nula, fotografía. Qué genial es ser un autor y que a todas tus mamarrachadas le saquen un sentido narrativo, filosófico, visual o lo que se precie.

La Ola

Toda una sorpresa. Tiene ritmo, es interesante, cuenta mucho de sus personajes con muy poco, visualmente está muy cuidada y tiene una estética y atmósfera que atrapan. Podría caer fácilmente en el aburrimiento de tanto diálogo y, sin embargo, maneja muy bien la tensión y el interés en todas las secuencias. Recuerda a la serie Skins en su realización, el tono y la forma de tratar a adolescentes y adultos.

El tema político es, como mínimo, interesante y es de esas que te hacen pensar y discutir sobre la reflexión que hace al acabar de verla. Realmente te das cuenta que con dos chorradas y ninguna ideología, la ola se convierte en algo muy peligroso donde el gustirrinín de pertenecer a un grupo está por encima de todo... por hacer un burdo resumen de lo que nos cuenta.

Además, hay que decir que el waterpolo es un deporte estéticamente precioso para ver en cine y más si se rueda con tanta habilidad como lo hace el director. He disfrutado como no está escrito de las pocas secuencias que protagoniza este deporte.

Mi compañero Dani también habló de esta película en su día.

Gordos

Divertida, original, con unos diálogos y una acidez envidiables. El reparto coral está muy bien equilibrado y resulta interesante, inteligente, tiene muy buen ritmo y está bien dirigida y producida. Toda una sorpresa.

¿Lo malo? Deja algo de mal sabor de boca por ese giro hacia el final de la película. La última media hora es demasiado dramática y las resoluciones de algunas historias son tan marcianas que provoca rechazo. A pesar de esto, el balance final es bastante positivo.

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Predicciones de los Goya

Siguiendo la idea de la web amiga La katarsis del cine español me apunto a hacer una quiniela de los próximos premios Goya, cuyas nominaciones se anunciarán el 9 de enero. El post servirá además de plataforma de regreso al blog, tras tirarme casi dos meses sin postear. Esperemos que no se repita.

Antes de meterme de lleno en las predicciones decir que este año he visto mucho cine español (fue uno de mis propósitos cinematográficos del 2009) y considero que tanto comercial como artísticamente ha sidon doce buenos meses, a pesar de ciertas decepciones entre las películas más esperadas.

Las películas españolas que he visto de las candidatas a los Goya 2009 son, alfabeticamente: Agora, Celda 211, Dieta mediterránea, El baile de la victoria, El secreto de sus ojos, Fuga de cerebros, Gordos, La vergüenza, Los abrazos rotos, Mapa de los sonidos de Tokyo, Mentiras y gordas, Pagafantas, REC 2, Siete minutos, Spanish movie, Tres días con la familia y Yo, también. Diecesiete películas en total. Me quedan pendientes, entre otras, After, La isla interior, Planet 51 y VOS.

Apuesto demasiado fuerte por la presencia de El secreto de sus ojos, una coproducción que no obstante es la mejor película estrenada durante el pasado 2009 así que si no apuesto yo por ella, que pienso así, ¿quién lo hará?

PREDICCIONES GOYA 2009

MEJOR PELÍCULA: Agora, Celda 211, Yo, también, El secreto de sus ojos
Runner up: Gordos

MEJOR DIRECCIÓN: Amenábar (Agora), Monzon (Celda 211), Campanella (El secreto de sus ojos), Sanchez Arévalo (Gordos)
Runner up: Almodóvar (Los abrazos rotos)

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Borja Cobeaga (Pagafantas), Álvaro Pastor y Antonio Naharro (Yo, también), Mar Coll (Tres días con la familia), David Planell (La vergüenza)
Runner up: Gabe Ibañez (Hierro)

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Luis Tosar (Celda 211), Carmelo Gómez (Agallas), Ricardo Darín (El secreto de sus ojos), Alberto San Juan (La vergüenza)
Runner up: Antonio de la Torre & Roberto Enríquez (Gordos)

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Rachel Weisz (Agora), Lola Dueñas (Yo, también), Penélope Cruz (Los abrazos rotos), Alexandra Jimenez (Spanish Movie)
Runner up: Olivia Molina (Dieta mediterránea)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Luis Zahera (Celda 211), Eduard Fernández (Tres días con la familia), Pablo Rago (El secreto de sus ojos), Ricardo Darín (El baile de la victoria)
Runner up: Alberto Amarilla (Fuga de cerebros), José Luis García Sánchez (Los abrazos rotos)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Verónica Sánchez (Gordos), Blanca Portillo (Los abrazos rotos), Cristina Marcos (La isla interior), Malena Alterio (Nacidas para sufrir)
Runner up: Vicky Peña (El consul de Sodoma)

MEJOR ACTOR REVELACIÓN: Alberto Amann (Celda 211), Gorka Otxoa (Pagafantas), Guillermo Franchela (El secreto de sus ojos), Pablo Pineda (Yo, también)
Runner up: Paco León & Alfonso Bassave (Dieta mediterránea)

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN: Blanca Suárez (After), Nausicaa Bonín (Tres días con la familia), Toni Acosta (7 minutos), Carmen Machi (La mujer sin piano)
Runner up: Leticia Herrero (Gordos)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Amenábar y Mateo Gil (Agora), Sanchez Arévalo (Gordos), Borja Cobeaga y Diego San José (Pagafantas), David Planell (La vergüenza)
Runner up: Almodóvar (Los abrazos rotos)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Monzón y Jorge Guerricoechevarria (Celda 211), Eduardo Sacheri y Campanella (El secreto de sus ojos), Cesc Gay (VOS), Fernando y Jonás Trueba, Antonio Skarmeta(El baile de fa victoria)
Runner up: El consul de sodoma

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Una de trailers

Ya hay trailer y avance de sinopsis para algunos de los estrenos más interesantes del 2009 / 2010. Entre ellos, una esperada ópera prima, una impresionante reunión de estrellas y la película norteamericana más sorprendente de la temporada.

En El Mal ajeno Diego es un médico acostumbrado a manejar situaciones límite, que se ha inmunizado ante el dolor ajeno. El intento de suicidio de Sara, una de sus pacientes, provocará que el compañero sentimental de ésta señale al médico como responsable directo de lo ocurrido durante un amenazante encuentro. Horas después, Diego sólo recuerda el ruido de un disparo, y la extraña sensación de haber recibido algo más que un encargo durante este incidente... Produce Amenábar, escribe Sánchez Arévalo y tiene a Eduardo Noriega, Belén Rueda y Clara Lago entre sus estrellas. El director nóvel es Oskar Santos.



A mí desde luego, me da un poco igual de qué va Valentine's Day (aunque su título sea suficientemente elocuente) porque lo que importa de la nueva película de Garry Marshall (responsable de ese clásico inevitable que es Pretty Woman)es el apabullante desfile de estrellas que tendrá la película. Hay que ser oportunista para usar el I gotta feeling de los Black eyed peas en el trailer de la película pero se perdona cuando unes en pantalla, entre otras, a tres generaciones maravillosas como Anne Hathaway, Julia Roberts o Shirley McLaine. Para ver las decenas de caras restantes es mejor ver el trailer. Hay tanta estrella junta que, después de presentarlas todas en el avance, no hay tiempo para contar de qué va la película.



La última cinta de la que hablamos es Up in the Air, la primera película del realizador Jason Reitman, desde Juno. George Clooney es la estrella de una película que está arrasando en los festivales y que se perfila como una de las favoritas de cara a los próximos Oscars. Ryan Bingham es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida en la carretera se ve amenazada en el momento en que está a punto de ganar diez millones de millas en vuelos frecuentes, y justo después de haber conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.

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La china City of life gana la Concha de Oro en un prolífico palmarés para el cine español

Por 57ª ocasión, el Festival de cine de San Sebastián cierra sus puertas y, para no faltar a la tradición, vuelve a haber polémica y pitidos varios en la lectura del palmarés decidido por el jurado, presidido en esta ocasión por Laurent Cantent.

La china City of life and death, aclamada por buena parte de la crítica, se ha alzado con la Concha de Oro. El problema aparece cuando la gran favorita de crítica y público, la extraordinaria El secreto de sus ojos (de la que hablaremos muy pronto) se va de vacío. Javier Rebollo, probablemente el más auteur de los cineastas españoles (y sí, no lo digo como algo más positivo), fue nombrado como mejor director mientras la pareja Lola Dueñas - Pablo Pineda, ambos en Yo, también, fueron escogidos los mejores actores. Pineda, primer europeo que padece síndrome de Down en sacarse una carrera, superó a favoritos como Ricardo Darín o Robert Duvall.

Habrá que esperar al estreno de las cintas premiadas (durante mi estancia en el festival sólo pude ver Le refuge, ganadora del segundo premio y de la que hablaremos en unos días) para opinar con propiedad, pero todo a punto a que el jurado ha decidido barrer demasiado para casa en un festival que se ha visto salpicado por la nueva y controvertida Ley del Cine. Con la lectura del palmarés y las críticas ya publicadas de las películas que abrieron la sección oficial y Zabaltegui, abrimos una serie de publicaciones sobre las películas que pudimos ver en Donosti la semana pasada.


PALMARÉS 57 edición Festival de San Sebastián

Concha de Oro a la mejor película: City of life and death, de Lu Chuan (China)
Premio especial del jurado: Le refuge, de François Ozon (Francia)
Concha de Plata al mejor director: Javier Rebollo, La mujer sin piano (España - Francia)
Concha de Plata a la mejor interpretación masculina: Pablo Pineda, Yo también (España)
Concha de Plata a la mejor interpretación femenina: Lola Dueñas, Yo también (España)
Mejor fotografía: Cao yu, City of life and death (China)
Mejor guión: Andres Bowell, Melissa Reeves, Patricia Cornelius y Christos Tsiolkas, Blessed (Australia)

Otros premios
Premio Kutxa Nuevos Directores: Le jour où dieu est parti en voyage, de Philippe van Leeuw (Bélgica)
Premio Horizontes Latinos: Gigante, de Adrian Biniez (Uruguay)
Premio TCM del Público: Precious, de Lee Daniels (Estados Unidos)
Premio TCM del Público a la mejor película europea: Desert flower, de Sherry Horman (Alemania)
Premio Gaztea de la Juventud: The children of Diyarbakir, de Miraz Bezar (Turquía, Alemania)

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Mis últimos visionados: 7 minutos, Enemigos Públicos y American Playboy

Después de mi inactividad blogueril el pasado mes, paso a hacer una breve reseña de las películas que he visto en las últimas semanas. Antes de nada, confirmar que La última película asistirá este año al festival de cine San Sebastián, yo como espectador y mi compañera Adriana como prensa acreditada, así que prepararos para, en las próximas semanas, estar al tanto de las películas más interesantes exhibidas en Donosti.

7 minutos (Daniela Fejerman)

Tras las estimulantes pero no redondas A mi madre le gustan las mujeres y Semen. Una historia de amor, Fejerman debuta en solitario con 7 minutos, la clásica historia coral que sigue a un grupo de gente que acude a un servicio de citas rápidas. La cinta es floja y presenta a una serie de personajes que si bien están bien interpretados (mención especial para Toni Acosta y la siempre acertada Marta Etura) no interesan al espectador.

Son historias sobadas y, lo peor de todo, carentes de gracia y emoción. Desaprovechada y decepcionante. Recordar: la comedia - dramático - sentimental española del año es, sin duda, Dieta Mediterránea. Todos a recuperarla en DVD.

Enemigos Públicos (Michael Mann)

Michael Mann es un fantástico director. Obras como El dilema o Colateral (aún tengo pendiente ver Heat, de la que siempre he leído maravillas), una historia interesante y un reparto con Johnny Depp, Christian Bale y Marion Cotillard recién salida de su Oscar, prometían. ¿Se cumplen las expectativas? A medias.

Desde luego que Enemigos públicos es una película interesante, bien rodada y bien interpretada (Cotillard, en un breve papel, es para mí la mejor del conjunto) pero se pierde en su frialdad y en su original puesta en escena (aquí entra en escena la muy comentada decisión de Mann de rodar en HD: ciertamente le da otro toque pero, la verdad no pega con esta historia).

Lo peor de todo es que este retrato de John Dillinger no es especialmente diferente a cualquier película de gangster. Se supone que este es un hombre mítico y en pantalla no lo parece. A pesar de todo, una buena película.

American Playboy (David Mackenzie)

Hay que reconocer que el chico lo intenta. Ashton Kutcher, guapérrimo oficial de Hollywood y marido de Demi Moore, quiere tener una carrera seria. Tras viejos intentos como la muy efectiva El efecto mariposa o su aventura con Michelle Pfeiffer en la aún inédita Personal effects, Kutcher estrena Amerian Playboy (distribuidores, no se nota naaaada la referencia a la mítica película de Richard Gere) en la que interpreta, con total convicción, a un perdedor tan guapo que no sabe hacer nada más que vivir a cuenta de mujeres pudientes.

Puede parecer la típica comedia, pero no lo es. Es amarga, entretenida y muy sexy (espectacular comeback de Anne Heche, por cierto)... hasta que llega una floja historia de amor, necesaria para el desarrollo del conflicto del protagonista pero que resta interés en el balance general. No es la fórmula de la Coca Cola, pero la película está bien.

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Las mejores películas del verano (Edición 2000, parte III)

5. Ratatouille (Brad Bird, Jan Pinkava, 2004)
Porque... pocas veces en mi vida he salido tan contento del cine. La magia del crítco al disfrutar la comida en la película se aplicó en mi a la hora de ver esta maravillosa película.
Porque... a pesar de ser menos ambiciosas que los últimos Pixar, la sensación de redondez y perfección es mayor. Encantadora.
Porque... es una carta de amor a la pasión que tengamos cualquier persona por nuestras aficiones.
A pesar de... que no la he vuelto a ver desde su exhibición en cines. Asignatura pendiente que intentaré resolver en breve.

4. Gladiator (Ridley Scott, 2000)
Porque... supuso la resurrección a lo grande de un género más que muerto. La dirección y la fantástica música fueron fundamentales para el éxito de esta épica historia.
Porque... el arrebatador carisma de Russell Crowe absolutamente carismático. Si Crowe ganó el Oscar no fue porque estuviese mejor que Denzel Washington o Tom Hanks, sino porque todos los espectadores querían ser el número 2 del gran Máximo Meridio.
Porque... premió finalmente (aunque no como mejor director, lo cual le jodió enormemente) a Ridley Scott con uno de los premios grandes. Aunque yo prefiera Thelma y Louise. Blade Runner y Alien son muy buenas, pero qué queréis que os diga... yo me quedon con las fabulosas Susan y Gina.
A pesar de... que apareciesen en la película zapatillas Nike y carros de los que se caen bombonas. Nadie es perfecto.

3. Star Wars Episodio 3. La venganza de los Sith. (George Lucas, 2005)
Porque... es la película que los fans (y no tan fans) de Star Wars esperaban ver desde que se anunció el desarrollo de una nueva trilogía.
Porque... es emocionante, emotiva y espectacular. El siempre criticado George Lucas estuvo finalmente acertado en la puesta en escena del nacimiento de Darth Vader.
Porque... por fín Hayden Christensen (cuyo mejor trabajo sigue siendo La casa de mi vida... y no, no tiene nada que ver con el reality) está a la altura de su mítico personaje. Aunque para qué engañaros, la escena posterior a su pesadilla ayuda :p
A pesar de... que no hay grandes sorpresas y de que se filtrase casi toda la película en Internet. Un poco de secretismo no habría venido mal.

2. Los Otros (Alejandro Amenábar, 2001)
Porque... es uno de los tres mejores trabajos de Nicole Kidman, que necesita un comeback YA. Consejo para Nic: pídele ayuda a Carlos Baute. Si él puede, tu también.
Porque... Amenábar, niño prodigio del cine español, vuelve a dar una obra maestra: clásica, elegante y fascinante.
Porque... es una de las mejores películas de terror de las últimas décadas, además del mayor éxito en la historia del cine español.
A pesar de... que se le acusase en su día de copiar en el final al sexto sentido de Shyamalan. Sea como sea (que yo creo que es una coincidencia), no hay más que ver la carrera de ambos directores para hacer balance.

1. El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008)
Porque... sería un fantástica muestra de cine de acción e incluso noir si no tuviese un caballero embutido en el bat traje correteando por Gotham.
Porque... es la mejor y más compleja película de superhéroes que he visto en mi vida.
Porque..., entre un fantástico reparto, destaca un inolvidable Heath Ledger, que compone uno de los mejores villanos de la historia. Cada una de las escenas del Joker es extraordinaria (desde su presentación con el número de magia o la de la cárcel), perturbadora y fascinante.
A pesar de... que el clímax con el Joker no está a la altura de lo visto hasta entonces. Y la toma de decisiones de Harvey Dent en el tramo final de la película no termina de convencerme del todo... aún así, pequeños defectos para una película enorme.


Esto ha sido todo. En el tintero me dejo películas como Inteligencia Artificial, Star Trek, la trilogía Bourne, Lilo & Stitch o la incomprendida El bar coyote, pero no había hueco para todas.... en unos días empezaré con la lista de las peores películas de verano de la década, donde prometo dejar el azucar de lado y cebarme un poco con las afortunadas elegidas.

Las mejores películas del verano (del 6 al 10)
Las mejores películas del verano (del 11 al 15)

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