Los Juegos del Hambre

Mañana 20 de abril se estrena en España, prácticamente un mes después que en el resto del mundo, Los Juegos del Hambre, adaptación homónima de la novela de Suzanne Collins y primera parte de una trilogía que, después de su apabullante éxito de taquilla, no me extrañaría que acabase sacándose una entrega extra de la manga.

Los Juegos del Hambre viene precedida de mucho escepticismo por adaptar una saga de novelas juveniles, por su aparente parecido con Battle Royale o por esa corriente de rechazar lo mainstream y llevar la contraria al hype. Es por esto que quiero exponer los motivos por los que yo disfruté de ella.

Cada año, el Capitolio, gobierno central de Panem, celebra unos juegos letales como castigo a un levantamiento civil del pasado y como recuerdo de su supremacía. Un chico y una chica menores de edad de cada Distrito (24 en total) son enviados a los juegos a matarse los unos a los otros e intentar sobrevivir bajo el escrutinio, los vítores y el espectáculo creado por el Capitolio en torno a ellos, que son televisados nacionalmente. Katniss es una joven pobre del Distrito 12 que se ofrece voluntaria para salvar la vida de su hermana pequeña. Los Juegos del Hambre cuenta su lucha por sobrevivir a esa 74 edición de los juegos.

Katniss es la mayor ventaja con la que cuentan las novelas originales a la hora de enganchar al lector. Es carismática, fuerte e inteligente pero a la vez imperfecta e insegura. La mayor dificultad a la hora de adaptar el film era precisamente la narración en primera persona, obstáculo que el guión salva sin problemas primando el punto de vista de Katniss, y con el estupendo trabajo de Jennifer Lawrence, consiguiendo así que el espectador conecte desde el principio con su causa y camine de su mano durante todo el metraje pero sin dejar de alimentar la tensión con el punto de vista villano cuando es necesario. Otro gran acierto de su guión ha sido el relegar el factor romántico al lugar que le corresponde en este momento de la historia como un elemento más de la pantomima de los juegos.

Lo realmente interesante de esta historia no son los juegos en sí, sino todo lo que le rodea: el hecho de que algo tan sádico se convierta en un reality vorazmente seguido por los habitantes del Capitolio, con un mercado de patrocinios y simpatías deplorable y grotesco que convierten la necesidad de ganarse a la audiencia en un objetivo vital para la supervivencia. La película logra reflejar esta danza de superficialidad a la perfección.

Pero precisamente es esa danza la que hace que la historia, al igual que en las novelas, sea algo irregular. Más de hora y media de metraje está dedicada a ese universo distópico tan interesante y frustrante a la vez. Descubrimos con los ojos de Katniss los excesos, las diferencias sociales, la superfialidad y los secretos del mundo de Panem, elementos que siguen presentes durante los juegos pero se ven aplacados por la urgencia del peligro y la supervivencia. Los juegos son entretenidos y tiene secuencias realmente memorables pero son notablemente menos potentes que todo lo que se ha visto hasta ese momento en la película.

Pero lo más fallido de Los Juegos del Hambre es su director. En su intento por contar la lucha de Katniss de forma orgánica y hacer que el espectador comparta su desasosiego, Gary Ross se excede con el recurso de cámara al hombro y lo combina con el montaje rápido de planos demasiado cortos, consiguiendo así que el desasosiego del espectador realmente sea ajeno a la narración en sí misma. Por suerte, es un problema que prácticamente se limita al primer acto.

Estos dos elementos más criticables no ensombrecen el resultado final de Los Juegos del Hambre, un blockbuster interesante, disfrutable y recomendable para muchos más perfiles de espectador de lo que en un principio aparenta.

Después de convertirse en uno de los mayores éxitos de taquilla de la historia, de convencer a público y crítica, sólo quiero añadir una frase más para los escépticos: Ojala todo el cine comercial fuese como Los Juegos del Hambre. 

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Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (y 3)

 Termino ya con la crónica de la novena edición de la Muestra Syfy. Además del comentario sobre las películas restantes de la muestra, acabaré con unas breves opiniones de algunos twitteros, bloggeros y podcasters de cine con los que compartí esa semana de cine fantástico.

Empiezo con The Woman, cuyo guión se llevó un premio en la pasada edición de Sitges y que me decepcionó bastante. Tiene un planteamiento muy interesante y efectivo pero se queda estancada en él. Se hace repetitiva y cuando llega el momento de acabar, introduce un elemento externo para forzar el clímax y el final. Una pena.

Lo contrario me ocurrió con Apollo 18, otra entrega de suspense en el género found footage que crea muy bien su atmósfera. Quizá falla a la hora de crear personajes con los que conectar, pero el misterio y la tensión están tan bien llevados que lo compensan. Es una pena que un buen título de género como éste que llega de la mano de un realizador español aún no haya encontrado distribución nacional.

El sábado se despidió con 4:44, Last Day on Eath, un título que tuve la ocasión de ver en Sitges y que no tenía intención de volver a sufrir en la muestra. Un alegato ecologista con una premisa interesante desperdiciada con un desarrollo sin sentido, vacío y tremendamente aburrido.

La última jornada de la muestra comenzó con el Phenomena. Junto a trailers y anuncios de la época, pudimos disfrutar de dos joyas de la ciencia ficción como son Ultimátum a la Tierra (1951) y El Planeta de los Simios (1968). Dos ejemplos de cómo el género no necesita de grandes despliegues de efectos para contar grandes historias, poner sobre la mesa interesantes reflexiones y no olvidar la comedia o el suspense por el camino. Sin duda dos imprescindibles títulos que aguantan perfectamente el paso de los años y cuyas virtudes no caben en un breve resumen como éste.

Paso entonces a The Innkeepers, la entrega casa-encantada que no podía faltar, una peculiar producción cuya mejor baza es todo lo ajeno al factor sobrenatural de la historia. Crea dos protagonistas curiosos, divertidos y con una gran química, que aguantan bien la película y consiguen entretener. Sin embargo, falla estrepitosamente en el desarrollo del misterio que, por su naturaleza, no cobra sentido hasta el final, perdiendo así el interés del espectador por el camino.

Fue una película patria la encargada de clausurar estos cuatro días de cine fantástico: Lobos de Arga. Es curioso. Generalmente disfruto de los títulos que parodian y homenajean al género que pertenecen pero suelen tener un fallo: descuidar la trama o a los personajes a favor de ese objetivo. Sin embargo, las películas-homenaje de la muestra han sido todo lo contrario. Ya lo comenté con Hobo with a Shotgun y lo repito con Lobos de Arga, una historia divertidísima, con un humor muy conseguido entre lo campechano y lo salido de madre que explota la química entre sus protagonistas al máximo sin descuidar el desarrollo de la historia. Absolutamente disfrutable de principio a fin.

Y hasta aquí mi crónica de lo que fueron esos cuatro días de cine. Muchas gracias a SyFy por ofrecernos la oportunidad de ver las películas un año más. Me despido con las crónicas express.

Ramón Rey @rrey (Podcast Esta peli ya la he visto) 
Lo mejor: Hobo with a Shotgun, Lobos de Arga, Apollo 18, The Innkeepers, la complicidad de Leticia Dolera con los asistentes, la viejecita del anuncio de Syfy, poder disfrutar de dos clásicos absolutos de la ciencia ficción en la sesión doble de Phenomena y el Trash entre amigos con el villano arremangado.
Lo peor: el retraso en las sesiones, John Carter, Atrocious, Stake Land, que no conservaran la relación de aspecto original de la película en la proyección de The Day the Earth Stood Still y alguna gente que habla constantemente y se ríe sin venir a cuento.

Luis Castro @tarhod (Podcast: Two Freak Guys) 
Lo mejor: Capitan Shepard, Leticia Dolera, nuestro club de la fila 12, el rollo colegueo que hay durante toda la muestra, el "ay". De pelis Hobo y Los lobos de Arga.
Lo peor: Tener que hacer cada vez que se termina una pelicula toda la cola aunque tengas pase. Algun picoteo trash como kit kat, un buen inicio de la muestra (y no John Carter de Mierda), Atrocius, Innkeepers, Stakeland. El volumen en la sala estaba demasiado alto en varias ocasiones

Mikel Zorrilla @freddyvoorhees (Podcast Normas de equivocación) 
Lo mejor: El nivel general de las películas, bastante más alto que el del año anterior. También el hecho de ir ampliando los eventos especiales al traer el Phenomena. Ahora estoy deseando ver con qué logran superarse el año que viene.
Lo peor: Hubo alguna mala película y ciertos retrasos, pero la verdad es que ha progresado mucho al respecto respecto a años anteriores. No sé, no recuerdo nada que me molestase tanto como para ponerlo aquí.

Pablo díaz @Dark_Pol 
Lo Mejor: Leticia Dolera, el ambiente de la muestra y el Shepard.
Lo Peor: No era en los Palafox, las colas multitudinarias que ya había formadas y que si tenías abono para todas las peliculas, salvo colandote tenias que tragarte enteras, y Rihanna (Boom)
 
Si quieres leer el resto de crónicas:
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (1)
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (2)

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Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (2)

Estaba yo dudando entre dividir las entradas restantes de la crónica de la Muestra en dos, contando lo mejor en una y lo peor en otra, o hacerlo cronológicamente. Lo primero me parecía lo más divertido, pero finalmente he optado por no hacer tanta sangre a la vez con comentarios más variados.

Comienzo entonces por el viernes y Hell, proyección a la que no asistí porque ya había tenido ocasión de ver este título post-apocalíptico en Siges, donde se llevó un premio por su fotografía. En ese océano de mediocridad de la programación del festival de Sitges 2011, hubo pocas islas y una de ellas fue Hell, una producción muy estándar, que bebe de los tópicos y giros habituales en su género pero los combina lo suficientemente bien como para resultar entretenida e incluso ofrecer algún que otro momento destacable.

Menos afortunada es Stake Land, más post-apocalismo, este con vampiros. Un título exageradamente pretencioso que abusa de la voz en off, herramienta que utiliza para explicar y definir personajes y situaciones que no sabe describir mediante acciones y diálogos. Pocas veces he visto un uso de la música más fuera de lugar que en Stake Land, con temas completamente alejados del tono que intentan otorgar emotividad e incluso optimismo a secuencias que sugieren lo contrario. Intenciones que además tratan de fomentar con la fotografía. Muy risible todo.

Una de las mejores entregas del festival fue la penúltima proyección del viernes, Hobo with a Shotgun. Salida del mundo de los trailers falsos de Grindhouse, este título de acción combina perfectamente la parodia y el exceso con una trama y personajes a los que agarrarse, algo que este tipo de productos homenaje suele descuidar. Con momentos pasados de rosca, villanos sobreactuados y un protagonista que hasta consigue inspirar ternura, Hobo with a Shotgun es fuente segura de risas y aplausos con una dirección y diseño de producción excelentes.

Los encargados de poner la guinda al pastel esa noche fueron Vigalondo, Minchinela, Lardín y Sr. Ausente con su despiporrante Trash Entre Amigos. La película elegida fue Stonhenge Apocalypse, una de esas mediocridades salidas de la factoría Hecho en Syfy que dio mucho de sí con Egipcios dejados, villanos que son piedras, viajes de Londres a New York en coche y una sala de científicos con un mural de mariposas, o pajarillos, o tortugas… nunca lo sabremos. El Trash Entre Amigos es una experiencia necesaria para todo ser humano.

El sábado comenzó con las dos propuestas animadas de la muestra, Lorax y The Prodigies. No pude ver la primera, que se ha convertido en uno de los estrenos más potentes de Estados Unidos del 2012, así que paso a comentar la segunda. 

The Prodigies 3D parte de una idea muy interesante pero muy mal desarrollada. No es novedosa, pero al comienzo se intuyen unas intenciones de tratamiento original que poco a poco van desapareciendo en unos personajes planos, contradictorios y unas tramas de creciente absurdo. El estilo de la animación no permite mucha expresividad pero lo suple con una dirección y montaje excelentes. Panos dinámicos y sugerentes que aprovechan perfectamente las virtudes del 3D. Una pena que el guión no acompañe al aspecto técnico.

Acabo con la gran atrocidad del fin de semana: Atrocius. Nadie ha hecho jamás este chiste. Arbustos moviéndose bajo la luz verdosa de los infrarrojos y gente gritando, eso es lo que mejor puede describir este horror de título. El found footage se ha puesto de moda y muchos parecen creer que con una cámara temblorosa que grabe cosas es suficiente. No, señores. Hay una cosa que se llama atmósfera y otras dos que se llaman trama y personajes. El realismo, una cualidad que hay que saber manejar para convertirla en un aspecto positivo de una película, parece considerarse una exigencia de este género que tanto se explota últimamente. La verosimilitud es casi siempre una mejor opción. Tus personajes pueden decir cosas interesantes sin riesgo a resultar irreales. Un found footage sin vulgarismos ni coletillas es posible, troncos. Joder, qué fuerte.

Próximamente, el resto de visionados del sábado y las proyecciones del domingo. Si queréis saber más sobre la muestra, podéis leer la primera parte de la crónica.

Si quieres leer el resto de crónicas:
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (1)
Crónica de la IX Muestra Syfy de Cine Fantástico (y 3)

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[44 ed. Sitges] ¿Podrás volver a dormir tranquilo?

Los psicokillers han dado mucho juego en la historia del cine. En Mientras Duermes, Jaume Balagueró no teme inspirarse en grandes perturbados como Norman Bates o Hannibal Lecter a la vez que inyecta personalidad en fondo y forma a este sobresaliente thriller psicológico.

Luis Tosar es César, un portero de edificio servicial y educado por el día y meticuloso y frío acosador por la noche. Clara, Marta Etura, vive en uno de los apartamentos del bloque sin darse cuenta del escrutinio que César hace de su vida, aunque ella no es la única víctima de los actos retorcidos del portero.

Tras disfrutar de títulos como [REC] o Para entrar a vivir, Balagueró me sorprende con este oscuro, íntimo e inquietante thriller psicológico en el que el espectador camina de la mano de un personaje perturbador y magnético a la vez. Huyendo del abuso de sobresaltos, de música tramposa y de clímax forzados, el guión se esfuerza en atraparnos en la tensión constante que resulta del permanente peligro a ser descubierto y de la angustia que provocan los actos del protagonista. Ese suspense que nace en los primeros minutos de metraje va creciendo, lento pero seguro, sin desperdiciar el nerviosismo del espectador que, cuando llegan los escasos pero intensos puntos álgidos de la historia, tiene tanta inquietud acumulada que lo vive con gran excitación.

A este nivel de tensión hay que sumarle esa dualidad tan complicada de manejar en la que se encuentra una audiencia por un lado consciente de la maldad de César y por otro inclinada hacia ese hombre al que han ido acompañando durante toda la película. Empatizar con el antagonista siempre es divertido.

Instrucciones de uso: Mientras duermes juega con un suspense muy sutil que surge lentamente de la naturaleza enfermiza de los actos del protagonista, por lo tanto se aleja de otros psicokillers más agresivos como podría ser Freddy Kruger.

Mientras Duermes ha sido uno sin duda uno de los mejores títulos que he podido disfrutar en el Festival de Sitges, un thriller fantástico y muy distinto a lo que estamos acostumbrados a encontrarnos últimamente en este género, sobretodo entre las producciones patrias. Se estrena hoy mismo, 14 de Octubre. No volveréis a ir a la cama tranquilos sin mirar antes debajo de la cama.

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Saltando al vacío de la mano de un genio

"Dejad descansar la película una noche en vuestra cabeza. Es todo lo que pido". Son palabras salidas de la boca de Pedro Almodóvar poco antes del pase de prensa de la película nº 18 del más fascinante director y guionista que ha dado el cine español para quien esto escribe. Filias y fobias al margen, La piel que habito supone una huída hacia adelante en la filmografía de un cineasta que, sin renunciar a momentos esporádicos más lúdicos y ligeros, está determinado a abrazar la oscuridad en sus historias. No deja de ser curioso que el cineasta se enfrente al fondo más perturbador e incómodo de su carrera desde la puesta en escena más luminosa y sencilla, una maravillosa dirección de fotografía de José Luis Alcaine (su socio en películas como Volver o Mujeres al borde de un ataque de nervios) que fue reconocida en el último festival de Cannes.

Por segunda vez en su carrera (la primera fue la irregular Carne Trémula), Almodóvar se lanza a adaptar muy libremente un material ajeno. La muy negra Tarántala, del novelista francés Thierry Jonquet, da una serie de ingredientes tan interesantes como potencialmente incómodos (locura, cirugía estética, venganza, sexo y obsesión) que acaban convirtiendo a la película en un thriller con toques de terror psicológico y melodrama made in Almodóvar que no lo tendrá particularmente fácil para convencer ni a los más férreos seguidores del director de Todo sobre mi madre ni a los clásicos detractores que periódica y erroneamente le acusan hacer una y otra vez la misma película. Con La piel que habito queda claro que no es el caso.

En unos tiempos en los que el cine de terror y el thriller no atraviesa precisamente por su mejor momento, Almodóvar ofrece un vuelta de tuerca tan perturbura como contenida, tan elegante como retorcida, tan interesante como compleja. Desde el más ambiguo e irreal (que no inveresímil) de los entornos, La piel que habito presenta una serie de giros rocambolescos, fascinantes y entretenidos que derivan en lo que algunos han denominado el mejor truco final desde El sexto sentido. Estamos ante una película que puede pecar de excesiva, pero a la que jamás se le puede acusar de aburrida..... y también sería divertida si no fuese por ese giro que termina por provocarnos un nudo en el estómago (si no eres de los espectadores que se han salido del relato ante lo extremo e incómodo de la propusta), una de esas revelaciones que se merecen una alerta de spoilers como una casa. Podéis escuchar cuantas opiniones de las películas queráis, pero por favor, que no os la cuenten.

Instrucciones de uso: No dejes que te estropeen los giros argumentales, libérate de prejuicios y vete a un cine a ver el primer experimento con el terror y el thriller psicológico del más internacional y ambicioso de nuestros directores. Hará las delicias de los fans del cine sugerente, atrevido y provocador dispuestos a olvidar algún que otro pecado argumental.

Agradecido y emocionado debe estar Antonio Banderas con su primer trabajo con Almodóvar en más de veinte años: Robert Ledgard, un vengativo y repugante cirujano sin límites que, curiosamente, saca del malagueño la más contenida y carismática de sus interpretaciones en al menos diez años. La frialdad del protagonista de ¡Átame! o La ley del deseo contrasta con la espectacular belleza y poderío de una Elena Anaya que hereda el papel protagonista de una Penélope Cruz que no pudo protagonizar la película por problemas de agenda. Consciente de estar ante una oportunidad única, la musa de Medem está a la altura de la etiqueta chica Almodóvar y compone un personaje icónico, difícil y muy muy sugerente. Sin apoderarse la película pero cumpliendo con su trabajo con nota, están Jan Cornet y Blanca Suárez, jóvenes intérpretes que cubren las expectativas donde otros fracasaron (Liberto Rabal o Rubén Ochandiano siendo los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza). En un papel muy presente aunque un tanto desdibujado Marisa Paredes (inolvidable Huma Rojo o Leo Macías) está a la altura de lo que se espera de ella en su sexta colaboración con el director.


El que no hace ningún favor a la película es Roberto Álamo y, sobre todo, su personaje en uno de esos clásicos excesos almodovarianos que tan para atrás echan a los críticos del cineasta. Ni Álamo hace un buen trabajo (lo que resulta sorprendente después de fascinar y enamorar con su interpretación en el Urtain de Animalario), ni su personaje hace otra cosa que entorpecer y dificultar una trama que es más simple de lo que parece ni se entiende en ningún momento que su personaje sea brasileño. Demasiados ni en un personaje de esos que justifican la frase "lo que no suma, resta". Detalles como ese o la confusión sobre el origen y motivaciones de la venganza de Robert enturbian la estructura de una película diferente y original que se debe consolar con la etiqueta de notable. Que no es poco.

Imperfecta, confusa, excesiva y deliberadamente loca.... Se pueden utilizar numerosos adjetivos para definir La piel que habito y no todos ellos serán positivos, pero si la película y la propia carrera del cineasta se han ganado una calificación es la de imprescindible. Los genios, incluso cuando no nos ofrecen su obra magna (no siempre se puede estar a altura de películas tan brillantes y únicas como Volver, Átame, Hable con ella o tantas otras), merecen ser escuchados, vistos y apreciados. Siempre.

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El origen del planeta de los simios.... o cómo un mono se convirtió en el personaje del verano

No deja de ser curioso que haya tenido que venir un perfecto desconocido como Rupert Wyatt para conseguir lo que Tim Burton no pudo hacer hace ya diez años: insuflar de nuevo vida a la saga El planeta de los simios. Con un presupuesto ajustado (93 millones de dólares), esta precuela nos explica la aparición de estos avanzados e inteligentes simios que terminan por dominar y esclavizar a los seres humanos. ¿Y quién es el origen de todo esto? Cesar, un mono al que da vida (y de qué manera) Andy Serkis. El mismo que hizo de King Kong y Gollum, sí.

Es característica ya habitual que los blockbusters veraniegos estén llenos de personajes planos y vacíos que sirven exclusivamente para hacer avanzar la acción de una película llena de secuencias espectaculares que en realidad no van a ninguna parte (hola saga Transformers). Esto no sucede en esta ocasión.

En El origen del planeta de los simios las cosas están contadas sin prisa pero sin pausa, sin olvidarse en ningún momento de la palabra "conflicto" y con un tono que parece más cercano al drama que a cualquier otra cosa. El tono shakespeariano de las relaciones paternofiliales y la evolución del personaje de Shakespeare se apoderan de un guión sorprendemente acertado, que hace honor al concepto "progresión dramática". Aquí las cosas no suceden porque sí, se toman su ritmo y todas están encaminadas a explicarnos cómo y por qué un grupo de monos se acaba rebelando. Un grupo de animales que, de la mano de la genial WETA, acaba teniendo más corazón y profundidad que los personajes humanos que tampoco se benefician de un casting particularmente acertado: con un James Franco cumple pero no tiene el carisma que había demostrado en otras intervenciones y una Freida Pinto que nos recuerda que ser guapa y buena actriz no es necesariamente lo mismo. Su personaje, inutil para la trama, es uno de los pocos defectos de la potente y hasta emotiva historia que cuenta el film.

Instrucciones de uso: Sin cambiarte la vida ni redefinir el cine comercial en ningún momento (tampoco es labor de un novato como Rupert Wyatt), El origen del planeta de los simios nos recuerda que los blockbusters también pueden ser emotivos y que, en las peliculas, el término conflicto no es necesariamente un sinónimo de pelea.

A los detractores (los pocos que hay: la película ha sorprendido por gustar de un modo casi unánime a crítica y público) que echan de menos el maquillaje en los monos y que se quejan de un exceso de humanización de los monos por culpa de los efectos especiales, sólo se les puede decir una cosa: gracias a la estupenda técnica del film nos encontramos con un sensacional trabajo de Serkis que consigue, una vez más, que una criatura digital tenga alma y conecte con el especador. Tambíén ayuda una más que acertada puesta en escena de Wyatt, que nos permite regalarnos varios planos espectaculares (como ese reflejo en el que se ve la huída de todos los monos) que se ven acompañados de una brillante banda sonora a cargo de Patrick Doyle.

El origen del planeta de los simios es un buen ejemplo de las virtudes y concesiones que debería tener una buena película de verano. Y es que, señores, que sea verano no significa que se nos haya fundido el cerebro.

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La hilarante boda de mi mejor amiga

Una vez más, no se han lucido con la traducción de Bridesmaids, una comedia divertida con toques ácidos, absurdos e incluso escatológicos que está muy lejos de esas comedias románticas simplonas que el título español puede evocar.

Judd Appatow es sin duda uno de los productores cinematográficos de comedia en alza actualmente. Tras títulos como Virgen a los 40, Lío embarazoso o Supersalidos, Kristen Wiig y Annie Mumolo, actrices y guionistas en el mítico programa de sketches Saturday Night Live, se acercaron a Appatow con este proyecto de mujeres protagonizado por mujeres que él aceptó sin dudar.

Wiig y Mumolo cuentan lo natural que resultó para todos la escritura de este guión. Tras realizar ellas el trabajo de escritura, dedicaron días a interpretar e improvisar las secuencias, eliminando y añadiendo detalles, frases o gags que perfeccionaban el ritmo y la fluidez de la historia. Cuando Paul Feig entró como director de la cinta, que tampoco está falto de credenciales con fantásticas series a sus espaldas como The Office o Arrested Development, se completó el grupo creativo que nos ha regalado una de las mejores comedias del año.

La mayor virtud de Bridesmaids es su protagonista, Annie. Aunque tenga un punto de loca y emocionalmente torpe, resulta una mujer muy natural con la que es fácil identificarse. Esta naturalidad se translada al resto de mujeres que, dentro del amplio rango de personalidades y actitudes, conforman un grupo que desarrolla una química muy real y tremendamente divertida que hace evidente esa tendencia a la improvisación que se trasladó también al rodaje.

Instrucciones de uso: No voy a negar la evidencia, aunque considero que este título es apto tanto para hombres para mujeres, ya que hay humor para todos los gustos, los temas, conflictos y enfrentamientos de un reparto con seis mujeres son bastante femeninos. Pero claro, es precisamente la habilidad y genialidad de introducir una secuencia increíblemente escatológica en el típico momento “probémonos vestidos de novia” lo que aleja a la película de ser la típica comedia para mujeres.

La boda de mi mejor amiga es tan divertida como recomendable, con un reparto excelente y, en definitiva, un soplo de aire fresco en un género que está en terribles horas bajas como es el de la comedia romántica. Se estrena este viernes 12 de Agosto.

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Esta vez sí, Woody Allen vuelve por la puerta grande

Woody Allen no debía de estar en clase el día que el profesor dijo eso de que, a veces, en la vida, menos es más. A sus 75 años de edad, el cineasta neoyorquino mantiene su costumbre de estrenar una película todos los años hasta estar a punto ya de contar con 50 títulos en su filmografía como director. Tras años en la cuerda floja, lo podemos decir con todas las letras: el director de Annie Hall ha recuperado su mojo gracias a la más que recomendable Midnight in Paris.

Harto de ver cómo la prensa española sobrevaloraba la obra más reciente del neoyorquino, un servidor no sabía que pensar cuando leyó las críticas unánimas provenientes de Cannes que avisaban de las virtudes de su último trabajo, una comedia que le llevaba de nuevo a la muy cinematográfica ciudad de París.

La ciudad francesa, que ya visitó en la comedia musical Todos dicen I love you, es el escenario en el que se reune un fantástico grupo de actores en el que nos encontramos a Rachel McAdams, Michael Sheen, Marion Cotillard o Kathy Bates acompañan a un extraordinario Owen Wilson, un cómico que nunca había sido santo de mi devoción y que aquí sobresale como el carismático protagonista de una historia cuyos detalles jamás deberían ser revelados a los espectadores que aún no han visto la película (una deferencia que no han tenido muchas de las críticas escritas sobre el film).

Sin entrar demasiado en materia, el último paso en el tour europeo del director (que ya le ha llevado a Londres - en tres ocasiones - y Barcelona, con un rodaje previsto este verano en Roma) sigue a un escritor de televisión (cuyas aspiraciones artísticas son ponerse de una vez por todas a escribir una novela que desafíe sus habilidades creativas) que va de viaje a la ciudad parisina con su prometida y la familia de esta, quedando atrapado en una rutina y un futuro que le agobian.... hasta que encuentra una fascinante y un tanto mágica vía de escape.

INSTRUCCIONES DE USO: Dejad de lado la crisis creativa en la que se encontraba el director y guionista durante la última década: la aventura francesa de Allen convencerá y conquistará a los que se dieron por vencido con el director de la mediocre Conocerás al hombre de mis sueños o a los que, como un servidor, seguían viendo sus películas por defecto, sin interés ni pasión alguna. Una auténtica delicia.

Si Midnight in Paris (cuyo referente más directo en la filmografía del cineasta sería la fantástica La rosa púrpura del Cairo) sobresale como el mejor trabajo de Allen desde Match Point es porque se deja llevar visual y conceptualmente más allá , ofreciendo una propuesta visual sorprendentemente cuidada por Allen (que siempre ha prestado más atención a los diálogos que a la puesta en escena del film) y lanza una reflexión que debería ser tenida en cuenta: el mito de que todo tiempo pasado fue mejor probablemente sea eso... un mito.

Cuando ya pensábamos que Spielberg, Eastwood y Scorsese eran los únicos genios de los años 70 que aún tenían cosas que contarnos, el director de Midnight in Paris se saca un conejo de la chistera con una propuesta divertida, curiosa y llena de guiños que nos hace recordar por qué le consideramos durante décadas uno de los grandes del cine. Y está claro que no soy el único que lo piensa: esta deliciosa comedia va directa a convertirse en la película más taquillera de Allen en las dos últimas décadas.

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Confesiones de una profe peligrosa

Kanae Minato publicó en 2008 “Confessions”, novela que tras 2 millones de ejemplares se ha convertido en uno de los mayores betsellers japoneses de los últimos años. La adaptación cinematográfica no tardó en llegar y fue de la mano de Tetsuya Nakashima, realizador nipón que ha obtenido numerosos premios con este trabajo.

Es el último día de clase en un instituto y Yuko Moriguchi se despide de sus alumnos con un discurso de conclusión sorprendente: dos de los presentes son los culpables de la muerte de su hija de cuatro años. Y ya ha planeado su venganza.

Este es el punto de partida de una historia enfermiza y obsesiva para todos los que la protagonizan. Recurriendo a las ventajas del punto de vista múltiple, Nakashima nos relata la verdad de lo ocurrido a través de todos los personajes implicados: la profesora, los alumnos acusados, una compañera de los mismos, sus padres y el profesor sustituto.

Confessions es un drama duro e intenso con ciertos toques de thriller, género que erróneamente han querido destacar en la promoción de la película, que cuenta con unos personajes excéntricos y perturbados a los que la vida ha hecho mucho daño. Es una historia de muñecos rotos con asuntos sin resolver que cobran importancia casi letal en este contexto de presión y dolor. En la historia están implícitas ciertas denuncias sociales como la violencia estudiantil y su relación con la ley de menores, la incompetencia del sistema educativo y la sobreprotección o abandono de los padres, temas que hacen reflexionar y completan la historia.

Pero la verdadera fuerza de esta producción la encontramos en el aspecto visual. Una fotografía de mucho contraste con recurrente visión onírica y surrealista, apoyada por la dirección de Nakashima y sus planos imposibles y combinada con un montaje a cámara lenta y una banda sonora evocadora, atrapa desde el primer momento.

INSTRUCCIONES DE USO: Confessions es muy asiática en su ritmo, algo que se potencia mucho más con el uso de la cámara lenta, y no es apta para aquellos que no disfruten de una historia contemplativa, de ritmo irregular pero mayormente pausado y con una narración centrada principalmente en la psicología de sus personajes y los pequeños detalles que la caracterizan.

¿Por qué os cuento esto ahora? Resulta que el film de Tetsuya Nakashima no ha pasado, casi lógicamente, por las salas españolas y el 5 de julio estará disponible para su compra o alquiler en DVD. Warner ha distribuido hoy un trailer en español de la película. Un dato, el tema de Radiohead que aparece en el trailer es el tema principal de la película y fue ofrecido casi en exclusiva en su momento.

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Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 1

Siempre he sido fiel y ávida seguidora de la saga Harry Potter desde sus inicios. Las películas me introdujeron en su mundo y a partir de ahí, entré en los libros y demás. Aunque creo que todos los títulos se han mantenido siempre en un nivel más que aceptable de entretenimiento e interés, con altibajos, claro, sí es cierto que la última que habíamos visto, Harry Potter y el Misterio del Príncipe, fue una de las entregas más flojas.

En Las Reliquias de la Muerte, primera parte, el mismo equipo nos ofrece todo lo contrario: una de las mejores entregas del mago que combina de forma excelente todos los géneros en los que se mueve. Desde el misterio, la tensión o la acción más pura hasta los alivios cómicos o los momentos más dramáticos o sentimentales, David Yates nos lleva de la mano en este preámbulo al gran desenlace de la historia.

Esta penúltima entrega partía de un problema de base que han sabido superar con creces y es que el contenido de la primera mitad del último libro de Potter es considerablemente lento y se centra más en las luchas internas de sus personajes y su relación con los demás que en propio desarrollo de la historia. Este potencial handicap se convierte sin embargo en una de las mejores bazas de la historia ya que, como sí ocurría en anteriores entregas, la narración no se ve obligada a concentrar toda la información de una sola novela en dos horas de película y puede poner así, el foco en los pequeños detalles, en los silencios, y recrearse en detalles que de otra forma no habría podido explotar.

Lo mejor: Que haya conseguido superar el recelo con el que nos hemos acercado a verla algunos y lo haya hecho de forma tan notable.
Lo peor: Que siempre existan esos hooligans puristas de la obra original que sacan punta a cada detalle que ellos habían visto de otra forma.
La secuencia: Podría decir muchas (y de naturaleza muy variada) pero quiero aprovechar para aplaudir ese pequeño corto dentro de la película que cuenta, con una animación muy peculiar y algo Burtoniana, el origen de las Reliquias de la Muerte.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, primera parte, es un título de lo más divertido, interesante, con un toque oscuro muy atractivo, esa atmósfera y tratamiento visual tan cautivador propios de la saga y, en definitiva, muy entretenido y completamente recomendable.

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58 ed. Donostia: Nothing's All Bad (Smukke mennesker) [Dinamarca]

La ausencia de amor en nuestras vidas es un lugar común en la cinematografía internacional. Esta opera prima del danés Mikkel Munch-Fals toma esta temática y la coloca frente al espejo haciéndonos partícipes de la soledad de cuatro personajes que lo que lo que echan en falta es una pizca de amor propio.

Desde la joven que ha perdido un pecho debido al cáncer hasta el pervertido que intenta cambiar y no lo consigue, Nothing's all bad es una historia de excesos con unos personajes al borde del abismo que harían cualquier cosa por encontrar algo de autoestima en su camino. Se unen a ellos dos una recién jubilada y viuda señora que se encuentra extremadamente sola y un joven atractivo que decide usar su cuerpo para satisfacer los deseos de cualquiera que esté dispuesto a pagar por ello.

Este es un título intimista, de narrativa lenta que deja mucho espacioa sus personajes pero, a pesar de tener un ritmo pausado, la evolución de las tramas es constante y la forma de entrelazarlas le otorga mucho dinamismo al conjunto.

En definitiva, Nothing’s all bad es emotiva, íntima, atrevida y con unos personajes tan extremos que consigue hacer de un discurso ya bastante común en este tipo de cine, algo novedoso, llamativo e interesante. Muy recomendable.

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Sesión contínua: Gordos, La Ola y Caché

De vez en cuando no está mal hacer una noche maratón de pelis con un amigo. Como la regla es empezar por las intensas y acabar con las ligeritas, las películas elegidas para esta sesión fueron, por orden, Caché, de Haneke; La Ola de Dennis Gansel; Gordos de Sánchez Arévalo; y Luna Nueva, de la que ni siquiera voy a hablar por razones obvias (y porque tal coñazo a las 4 de la mañana no pudo evitar que me quedase dormida).

Cache (Escondido).
Que sí. El sentimiento de culpa, la mentira, el jugar con el espectador y todo tipo de bla bla, pero no. Mucho había leído sobre este peculiar título y reconozco que tenía ganas de verla ya que todo lo que he visto de Haneke hasta ahora lo he disfrutado mucho. Sin embargo, este título ha sido un borrón en su cuenta para mí.

Caché es un coñazo pretencioso y ególatra que además no resulta interesante ni visualmente con tanto plano fijo y tan nefasta, más bien nula, fotografía. Qué genial es ser un autor y que a todas tus mamarrachadas le saquen un sentido narrativo, filosófico, visual o lo que se precie.

La Ola

Toda una sorpresa. Tiene ritmo, es interesante, cuenta mucho de sus personajes con muy poco, visualmente está muy cuidada y tiene una estética y atmósfera que atrapan. Podría caer fácilmente en el aburrimiento de tanto diálogo y, sin embargo, maneja muy bien la tensión y el interés en todas las secuencias. Recuerda a la serie Skins en su realización, el tono y la forma de tratar a adolescentes y adultos.

El tema político es, como mínimo, interesante y es de esas que te hacen pensar y discutir sobre la reflexión que hace al acabar de verla. Realmente te das cuenta que con dos chorradas y ninguna ideología, la ola se convierte en algo muy peligroso donde el gustirrinín de pertenecer a un grupo está por encima de todo... por hacer un burdo resumen de lo que nos cuenta.

Además, hay que decir que el waterpolo es un deporte estéticamente precioso para ver en cine y más si se rueda con tanta habilidad como lo hace el director. He disfrutado como no está escrito de las pocas secuencias que protagoniza este deporte.

Mi compañero Dani también habló de esta película en su día.

Gordos

Divertida, original, con unos diálogos y una acidez envidiables. El reparto coral está muy bien equilibrado y resulta interesante, inteligente, tiene muy buen ritmo y está bien dirigida y producida. Toda una sorpresa.

¿Lo malo? Deja algo de mal sabor de boca por ese giro hacia el final de la película. La última media hora es demasiado dramática y las resoluciones de algunas historias son tan marcianas que provoca rechazo. A pesar de esto, el balance final es bastante positivo.

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Ciudad de Vida y Muerte, dura pero magnífica

En Ciudad de vida y muerte, Lu chuan se centra en la invasión de los japoneses en Nanking en 1937. Este duro film tuvo una recepción excelente en la última edición del Festival de Cine de San Sebastian.

Para mí, este título es una de esas películas que no sabes si recomendar o no porque, por una parte, cinematográficamente es una apuesta excelente pero, emocionalmente, es absolutamente devastadora y el recomendado puede pensar que le deseas el mal.

Es dura, es cruda, y es explícita. El tratamiento visual destaca por su fotografía excelentemente ejecutada para el blanco y negro. Narrativamente tiene ese ritmo pausado propio de los directores orientales pero sin acercarse al estilo contemplativo.

No es trepidante como otras historias similares (ahí está la fácil comparación con La Lista de Shindler), sin embargo no aburre en ningún momento gracias a la conexión que se crea con el espectador desde casi desde el primer minuto. Apenas tiene diálogos y juega mucho con el sonido ambiente, los pies arrastrándose, los gritos, los disparos y esa atmósfera cargada y dañina.

Hay que decir que los primeros veinte minutos son complicados ya que muestran la invasión, con secuencias de guerras puras y duras. Aún no se conoce a ningún personaje principal y, siendo orientales, a los occidentales nos cuesta mucho distinguir a japoneses y chinos. Pero pasado ese comienzo, en seguida se identifican ambos bandos y sus protagonistas.

Lo mejor: Es excelente a todos los niveles: fotografía, dirección, interpretación, guión...
Lo peor: es realmente cruda y descorazonadora.
La imagen: Los japoneses amontonando los cuerpos de las mujeres que han violado sin parar hasta matarlas.

Si tienes el estómago suficiente para ver las crueldades de las que son capaces los japoneses, Ciudad de Vida y muerte es un magnífico thriller histórico imprescindible para todo cinéfilo.

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Gracias por fumar: Otro tanto para Reitman

A estas alturas, Jason Reitman ha demostrado que tiene un estilo muy característico de contar todo aquello que aborda y definitivamente lo he incluido entre mis directores a tener en cuenta.

Esta intensa crítica pone el dedo en la yaga en ese mundo de la falsa moralidad impecable que muchos nos quieren vender y hace una caricatura de todos aquellos a los que coloca en su film: senadores y congresistas, portavoces de lobbys como el alcohol o las armas, jefazos del cotarro, productores de Hollywood... hasta el hombre que fue el vaquero de Malboro en sus tiempos mozos.

El guión no se anda con chiquitas y coloca a todos ellos en sus extremos más absolutos soltando argumentos de lo más desternillantemente escandalosos. El que se salva es Nick, interpretado Aaron Eckhart, al que estos papeles le vienen de perlas, un hombre que se nos presenta como alguien carente de moral y realmente es todo lo contrario. Eso sí, el cree en la libertad individual de decisión: yo te digo que fumar mola, tú verás lo que haces.

El único problema que le veo este film de diálogos impecables y personajes excelentemente retratados, caracterizados y con el peso justo en la historia es la evidente carencia de un nexo que funcione como columna vertebral para lo que se cuenta. La película es un conjunto de momentos y de anécdotas a veces inconexos que sirven para mostrarnos los argumentos y decisiones de su protagonista. Es de esas que hasta con un pequeño detalle o una frase fugaz ya ha hecho una dura crítica o guiño y si te lo has perdido, lo siento. Requiere atención al 100% y eso es lo que realmente la salva de esa carencia de hilo conductor que guíe al espectador a través de la película.

Gracias por fumar es altamente entretenida, inteligente, atrevida (aunque podría haberlo sido más y ahorrarse ciertas ñoñerías y salidas fáciles), con un elenco fantástico y, en definitiva, muy recomendable.

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Dos números nueve, pero no ambos sobresalientes

Después del juego de palabras chorra, hoy toca hablar de dos títulos de ciencia ficción y aventuras que hacía tiempo esperaba con ganas.

Distrito 9
Distrito 9 es una película con un punto de partida muy interesante, original y atractivo no sólo en sentido narrativo sino también en visual. Es un film con mucho ritmo, que trata muchos temas y lo hace bien. Además es impresionante la calidad visual y de producción que tiene teniendo en cuenta el presupuesto con el que contó.

Pero en Distrito 9 hay dos películas en una. La primera hora, más o menos, nos introduce en clave de falso documental en ese Johannesburgo conflictivo donde se encuentra el distrito alienígena y las acciones de los humanos que tratan de sacarles de ahí.

Esta primera parte del film es brillante por su originalidad, por la historia, por el nivel de crítica social y político que maneja, por cómo introduce a los personajes y consigue que el espectador conecte con dos aliens feos.

¿El Problema? La segunda hora es una sucesión mucho más olvidable de persecuciones, disparos y bombas. Si, se convierte en una película de acción de lo más entretenida y bien llevada pero desaprovecha enormemente todas las interesantísimas cartas que había puesto sobre la mesa Una pena, porque podría haber sido un grandísimo film.

A pesar de esto, es un título de lo más recomendable sin ninguna duda.

Número 9
Reconozco que tenía bastantes expectativas con esa película de animación. Sin embargo, y a nivel general, me ha decepcionado mucho.

Visualmente y en cuanto a dirección artística es tremendamente interesante. La atmósfera oscura y viciada, el universo en el que se mueve y la historia atrapan desde el primer momento.
Sin embargo, se queda a medias tintas en todo lo demás. Es una historia distópica que maneja ideas interesantes pero no sabe aprovecharlas y llevaras a buen puerto. Todo se queda en nada, en algo blanco e inocente. Una película de aventuras entretenida y poco más. Una pena.

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500 días juntos... Memento llega a la comedia romántica

Lo reconozco: la verdad. El trailer, posters y reparto de 500 días juntos me tenía comprado semanas antes de que me sentase a ver esta gran película. ¿Es garantía eso de que me vaya a encantar la película? Hay innumerables ejemplos que gritan no (sin ir más lejos ahí están Agora, Los abrazos rotos, La cinta blanca... y eso éste mismo año). No hay nada como esperar una gran película para terminar con un "pse, no está mal pero...".

¿Quiere decir esto que 500 días juntos es la gran película del 2009? Pues no... y sí. Pocas películas este año han ofrecido escenas tan estimulantes y efectivas - tocándote la fibra sin ser efectistas ni manipuladoras - como algunas que ocupan el metraje de esta ópera prima del debutante Marc Webb. El ejemplo más claro es esa devastadora secuencia de expectativas / realidad que cambia todo en la historia... o el alargado (por otra parte) episodio en Ikea.

No todo es perfecto: ahí estan los clásicos secundarios de estas comedias románticas como la niña sabionda o los amigos freaks... que nunca igualarán al que lo inició la moda diez años atrás: el genial Rhys Ifans de Notting Hill. También está la inevitable escena del karaoke (¿invierten dinero en todas las películas indies? Cuanto daño ha hecho Sofía Coppola) o la clásica historia de protagonista que tiene su carrera soñada aparcada para acabar volviendo a apostar por ella en el último acto, habiéndose dado cuenta de que su felicidad es lo más importante.


¿Por qué si veo todos estos fallos creo que estamos ante una película imprescindible de la actual cartelera? A lo ya comentado hay que añadir la espectacular química entre Summer y Tom, que pasa a formar parte de las grandes parejas románticas del 2000 en un club presidido entre otros por Jesse & Celine (Antes del atardecer) o Ennis del Mar & Jack Twist (Brokeback Mountain) gracias al ángel que desprende la mágica Zooey Deschanel y el enorme talento del verdadero protagonista de la historia, Joseph Gordon-Levitt, que vuelve a estar enorme tras sus extraordinarias interpretaciones en Brick y Piel misteriosa. Qué ganas de ver a este hombre dirigido por Christopher Nolan en la próxima Inception. Y hablando de Nolan, no podemos olvidarnos del toque Memento que tiene la película. Es un acierto contar la película saltando en el tiempo a los diferentes estados y momentos de la relación entre Summer y Tom. Puede descolocar en algún momento pero está bien llevado y es una muestra más de que los responsables de la película han luchado por ofrecer algo nuevo, algo distinto. Y se agradece mucho.

Por último, decir que es triste. Entendible, pero definitivamente triste. Con sus 33 millones de dólares de recaudación, 500 días juntos, todo un éxito indie de taquilla, se queda lejísimos de cintas muy menores, sino directamente mediocres, como La proposición, La cruda realidad o Guerra de novias. ¿Se merecen las nuevas generaciones de espectadores que gente como el debutante Webb o la dupla Scott Neustadter & Michael H. Webber se rompan la cabeza por encontrar algo nuevo en un género tan manido como la comedia romántica? Probablemente no, pero sigue habiendo gente, como un servidor, que agradece que hoy en día haya cineastas que luchen por ofrecer algo nuevo, aunque sea partiendo de los estereotipos.

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