60 ed. Festival Internacional de cine de San Sebastián

Mañana comienza la 60 edición del Festival de San Sebastián y un año más no hemos querido perdérnoslo. Se presenta una edición muy interesante con grandes títulos que nos llegan respaldados por los festivales más prestigiosos y una colección de premios Donostia nada desdeñabe: Dustin Hoffman, Tommy Lee Jones, Oliver Stone, Ewan McGregor y John Travolta.  

Arbitrage, producción estadounidense protagonizada por Susan Sarandon y Richard Gere será la encargada de inaugurar el festival, que dirá adiós con Quartet, el debut como director de Dustin Hoffman.

A lo largo de los nueve días de festival podremos ver cintas tan esperadas como Lo Imposible, Argo, Dans la maison, Fasle Kargadan, Amour, Beasts of the Southern Wild, Cesare deve morire, The Sessions o una de las preseleccionadas para representar a España en los Oscar, Blancanieves.

Si queréis saber más sobre qué podrá verse este año en el festival, podéis acudir a la web oficial o al minucioso y estupendo repaso que hna hecho del programa en Después de 1984.

Al igual que el año pasado, nos reservaremos la gran crónica del festival para el Especial Zinemaldia de Esta peli ya la he visto (podéis escuchar el programa de la edición pasada en este enlace), pero en la medida que sea posible recurriremos La Última Peli para alguna crítica fugaz, entrevistas o destacados de las ruedas de prensa.

También podréis escuchar a Adriana Izquierdo en directo los sábados 21 y 29 en Radio Despí (Barcelona) a partir de las 17h en el programa de cine 'El Octavo Pasajero' y leer a Daniel Martinez Mantilla en Premios Oscar.

Por supuesto, haremos seguimiento segundo a segundo en nuestras cuentas de twitter:
@adriii, @danielmmantilla.

 ¡Nos leemos!

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Verbo: La importancia del tono.

Tras varios cortometrajes, Eduardo Chapero-Jackson se ha estrenado en el mundo de los largos con Verbo, una historia sobre una joven adolescente que se siente sola e incomprendida ante el mundo que le rodea y decide poner fin a todo. Pero hay alguien ahí fuera que llama su atención, Líriko, un hombre que hará lo que esté en su mano para evitarlo.

La idea de Verbo era buena: crea una mitología en torno a ese mundo del suicidio. Aprovecha los motivos que llevan a ello y las razones o pensamientos que pueden llevar a alguien a superar ese bache. Sin embargo, este planteamiento se abandona absolutamente al servicio de un tono para adolescentes intensos con excesiva y obvia moralina.

Asumiendo que esta aproximación a la historia es completamente consciente y comercialmente comprensible, esta producción de estreno tardío (lleva año y medio en el cajón) tiene numerosos tropiezos en su intento de ser moderna y joven. La estética es resultona aunque obvia y ese envoltorio medio rapero resulta impostado en muchas ocasiones, algo a lo que no ayudan los diálogos en rima generalmente risibles.

Instrucciones de uso: Es obvio que no soy el público y no me extrañaría ver que este título patrio triunfase entre esa población adolescente similar a su protagonista al igual que han lo conseguido vampiros y hombres lobo intensos de la saga Crepúsculo. 

Evaluando ya independientemente del tono, el arranque de la historia es extremadamente lento y la expectativa que genera en un inicio se va esfumando poco a poco hasta convertirse en impaciencia tras más de media hora de introducción.

Verbo probablemente sea una película más que válida para el público al que está dirigida, pero carece de cualquier intento de resistirse a abandonarse a los efectismos, moralismos y dramatismos propios de ese universo para otorgarle a la película algún valor añadido. Se estrena mañana 4 de Noviembre.

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[59 ed. SS] Mayordomos, sectas y mujeres coraje.

Aquí sigo en el lluvioso San Sebastián que tanto echaba de menos y hoy toca repaso rápido a las proyecciones de un ajetreado segundo día. Además de las películas, estoy asistiendo a ruedas de prensa, encuentros y entrevistas que también tengo pensado aprovechar para hacer algunos post donde exprima lo más interesante.

Amen

Tras Hierro 3 y Primavera, verano, otoño, invierno, esperaba con ciertas ganas el nuevo título de Kim Ki-Duk, que ha resultado ser una broma pesada de un director que ni siquiera ha tratado de ocultarlo durante la rueda de prensa, en la que afirmó que sólo quería demostrar que cualquiera puede hacer una película con presupuesto 0. Amen sigue a una chica coreana que viaja a Europa en busca de otra persona y acaba sufriendo numerosas e interminables penurias que mantienen impasible a una actriz demasiado contenida para las circunstancias. El realizador Coreano utiliza para su burla recursos del cineasta Indie amateur como el tan molesto uso nulo de la elipsis. La historia pierde el norte, no aporta nada y pone la guinda con un final tan irritante como pretencioso. 70 minutos insufribles.

Et maintenant on va ou?

Qué delicia es ver una película como ésta. Nadine Labaki vuelve al festival de San Sebastián tras triunfar hace unos años con Caramel. Esta vez, Labaki nos habla del absurdo de los conflictos religiosos a través del grupo de mujeres de un pequeño pueblo libanés en el que recientemente han hallado la paz y conviven felizmente cristianos y musulmanes. La historia no se pierde en demagogias sino que se deja llevar por un tono amable y la convierte en una fábula entrañable, cómica y cercana pero tampoco prescinde de algún que otro momento dramático e incisivo. Et Maintenant on va oú es un gran ejemplo de por qué disfruto cada año de un festival en el que se pueden ver grandes películas que hablan de cosas importantes e internacionales de una forma accesible para todo el mundo. Esperemos que tras ganar el premio del público en el festival de Toronto, y estando a punto de ganar el de Donostia, podamos ver esta maravilla de Nadine Labaki en algunas salas españolas.

Albert nobbs

Glenn Close, premio Donostia de este año, presenta su nueva película en la que vuelve a trabajar con Rodrigo García. La actriz vuelve a ponerse en la piel de Albert Nobbs treinta años después y resulta sin duda lo mejor de este recto drama inglés de época. Sorprende esta sobriedad en Rodrigo García, un director acostumbrado a entregar visiones intimistas de sus personajes (In Treatment, Cosas que diría con solo mirarla) y que sólo se entrega a este estilo en los momentos más personales del personaje protagonista. La historia Nobbs conecta con el espectador desde el primer momento y mantiene el interés durante todo el metraje, ofreciendo momentos realmente emotivos. Sin embargo, la historia de los dos jóvenes es culebronesca, aburrida y

Martha Marcy May Marlene

Una joven es embaucada y entra a formar parte de una secta que le inculca sus propios valores morales y la forma de percibir la existencia. La película nos muestra cómo acepta de forma natural estos cuestionables valores y cómo le afectan una vez escapa de esa vida. ¿Cómo puede encajar en una sociedad de valores encorsetados? ¿Estamos nosotros en la posición de juzgar su forma de ver la vida cuando la nuestra propia tiene multitud de defectos? La ópera prima de Sean Durkin quiere reflexionar sobre todo esto desde el punto de vista de una confusa Martha pero se pierde en sus propios formalismos visuales de drama intimista y el rimo pausado dejando escapar todas las posibilidades del planteamiento. Lo que vemos en la película fácilmente se podría haber concentrado en menos metraje y haber explorado más los orígenes y consecuencias del trauma del personaje estupendamente interpretado por Elizabeth Olsen.

Little Odessa

Para estrenar la retrospectiva de cine americano del festival, decidí hacerlo con esta película de 1994 de James Gray. Tenía pendiente este título y, además de acordarme de que Eduard Furlong existía, ha sido una grata sorpresa dentro de un género en el que unos pocos afortunados son capaces de destacar. Little Odessa, más que otra cosa, es un drama familiar negro en el que los conflictos mafiosos son sólo una excusa para estructurar la trágica historia de los Shapira, la ausencia de cohesión, la búsqueda de esa conexión y del orgullo de aquellos que comparten tu sangre. Un film que todo amante del género no debe menospreciar.

Nos vemos en el próximo repaso. No me tengáis muy en cuenta el retraso, estoy viendo 5 y 6 pelis diarias :P

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[59 ed. SS] Intrusos, árboles y malvados.

Como cada año, he asistido al Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Bueno, corrijo, estoy asistiendo. En tres días estoy ya cerca de las veinte películas y el ritmo de proyecciones, pases de prensa, entrevistas y encuentros con los directores y actores está impidiendo que tenga tiempo de pisar la sala de prensa para escribir unas líneas.

Por no dejar a ciegas el blog hasta que disponga del tiempo suficiente para escribir críticas con propiedad, he decidido hacer unos repaso rápido a lo visto cada día. Comienzo con las películas del viernes 16.

Intruders
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Juan Carlos Fresnadillo presenta su nueva película e inaugura una de las ediciones con más variedad de géneros de los últimos años. Aunque el drama familiar es interesante, el guión no aprovecha el fondo que tiene la historia, lo profundo del secreto y el origen de lo sobrenatural de la historia. Todos estos elementos ceden terreno al terreno al thriller psicológico que sí que aprovecha las posibilidades de generar tensión en el espectador. Intruders se queda en algo correcto muy lejos de los excelentes trabajos anteriores del director.

The Tree of life
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En este caso, mi idolatrado Terrence Mallick no decepciona y nos regala una absoluta maravilla visual y conceptual en El árbol de la vida. Mallick sigue fiel a su estilo y forma de narrar las historias, tomándose así su tiempo para exponer las ideas sobre las que reflexiona recreándo al espectador con poesía, metáforas, verdades y pensamientos mediante imágenes que transmiten a la perfección sensaciones, sentimientos y una atmósfera melancólica y, a la vez, esperanzadora. Mallick reflexiona sobre la vida, la fe, la infancia, la muerte y lo que nos convierte en lo que somos. Impresionantes los primeros 40 minutos, la banda sonora de Alexandre Desplat y una fotografía aferrada a un ocaso permanente.

No habrá paz para los malvados
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Enrique Urbizu se atreve de nuevo con el cine de género. Con una narrativa visual excelente que tapa algunas (no todas) grietas de guión, esta vez se atreve con una mezcla de cine negro y western que resulta refrescante en el panorama nacional. José Coronado está magnífico, creerlo, en la piel de un antihéroe hundido que provoca un maremágnum de investigaciones, asesinatos y burocracias durante una borrachera. Aunque el resultado final es satisfactorio y la historia tiene buen ritmo, el desarrollo del caso es bastante torpe en su tramo intermedio y desconecta al espectador. Elena Miquel, protagonista femenina de la cinta, está muy plana en un personaje que podría haber dado mucho más. Con todo, No habrá paz para los malvados es cine patrio de lo más recomendable.

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San Sebastián 2011: se completa la selección de títulos de la prometedora 59 edición del festival

El 16 de septiembre arranca la 59 edición del Festival de San Sebastián, la primera bajo la dirección de José Luis Rebordinos. Hasta este año conocido por su labor tras la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y el Festival de Cine y Derechos Humanos, este donostiarra de 48 años se estrena en el cargo determinado a dar al Zinemalida la mejor edición en muchos años. El director canario Juan Carlos Fresnadillo abrirá la sección oficial fuera de competición con el thriller Intruders, protagonizado por Clive Owen. En Zabaltegui los honores van a parar a las manos de Terrence Malick y su El árbol de la vida. La comedia francesa Intouchables se encargará de cerrar un festival que, como ya comentamos, honrará la carrera de la gran Glenn Close con el premio Donostia.

En la Sección Oficial aparecen nombres de veteranos como Arturo Ripstein (Las razones del corazón), Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados), Terence Davies (The Deep Blue Sea), Hirokazu Kore-eda (I wish) , Ki Duk Kim (Amen) o jóvenes promesas de la dirección como Benito Zambrano (La voz dormida), Oren Moverman (Rampart) o las actrices Julie Delpy (Le Skylab) y Sarah Polley (Take this waltz). Mucho nombre en una sección que también contará con Rodrigo García, que presentará fuera de competición Albert Nobbs (la esperada películad de la ya citada y premiada Close).

Eb la sección Perlas de otros festivales podremos ver alguno de los títulos que más han gustado en Cannes (la comedia muda The Artist, el thriller de acción Drive o Le Havre, Kaurismaki), Venecia (lo nuevo de Johnnie To o el prometedor Steve McQueen, Shame), la última joya indie sacada de Sundance (Martha Marcy May Marlene, Tyrannosaur) o el último Oso de Oro del festival de Berlín (Nader y Simin, una separación).

No menos interesantes son los estrenos de dos películas del fantástico español que darán mucho que hablar los próximos meses: el Extraterrestre de Nacho Vigalondo y Verbo, la ópera prima de Eduardo Chapero - Jackson. Por último añadir que también se estrenará el documental George Harrison: living in the material world, obra ni más ni menos que de Martin Scorsese. Por resumir, en San Sebastián veremos los nuevos proyectos de actores como Ryan Gosling, Michael Fassbender, Brad Pitt, Sean Penn, Carey Mulligan (que presenta dos películas), Rachel Weisz, Michelle Williams, Woody Harrelson, Robin Wright, Steve Buscemi, Sigourney Weaver, Nadine Labaki, Peter Mullan, Seth Rogen, Salma Hayek, Géraldine Chaplin, Chiara Mastroianni... ¿Alguien da más?

Para conocer más títulos que se exhibirán en la ciudad vasca, no dudéis en visitar la página oficial del festival.

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Glenn Close, Premio Donostia 2011.

Tras conceder el premio a la que una vez fue la novia de América Julia Roberts, la 59 edición del Festival de cine de San Sebastián otorga el premio Donostia a Glenn Close, una actriz de indudable talento e impresionante carrera que presenta, fuera de concurso, su última película, Albert Nobbs.

En estos últimos años, Glenn Close ha interpretado a uno de los personajes femeninos más fuertes, retorcidos e interesantes de la televisión americana en el drama legal Damages, papel por el que se ha ganado ya dos Emmys y un Globo de Oro. No ha sido su único papel en televisión, además de algunas tv-movies, fue la poli dura Mónica Rawling en The Shield.

Con más de 60 trabajos a sus espaldas, no es complicado encontrar a Glenn Close en alguna de nuestras películas favoritas o en grandes clásicos. Fue Alex Forrest en Atracción Fatal y la marquesa Isabelle en la inolvidable Las Amistades Peligrosas. Ha sido la primera dama americana en la paródica y genial Mars Attacks y  Sarah en Reencuentro. Ha trabajado con Ron Howard y Robert Altman. Hasta la hemos visto como un pirata cobarde torturado por el Capitán Garfio en Hook.

A pesar de haber sido nominada varias veces, nunca ha recibido un Oscar de la academia pero sí tiene algunos premios Tony en su estantería por varios trabajos en Broadway que incluyen obras de Mike Nichols como La muerte y la doncella o  The Real Thing.

Personalmente, guardo con cariño su papel en Cosas que diría con sólo mirarla que, por cierto, está dirigida por Rodrigo García, director de la película que presenta en el festival y con quien también trabajó en Nine Lives. Things you can tell just by looking at her es un drama coral, como la mayoría de trabajos de García, que relata la forma de enfrentarse a la vida y a sus problemas de cinco mujeres, un título altamente recomendable, de una sensibilidad únicas y con un reparto increíble. Cambio recomendable por imprescindible.

 

Como llevamos haciendo ya varios años, tanto Daniel como yo vamos a asistir al Festival Internacional de San Sebastián por lo que podréis seguir nuestra crónica y críticas de esos nueve días cinéfilos aquí en La Última Peli y en la etiqueta 59 ed. SS.

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Ciudad de Vida y Muerte, dura pero magnífica

En Ciudad de vida y muerte, Lu chuan se centra en la invasión de los japoneses en Nanking en 1937. Este duro film tuvo una recepción excelente en la última edición del Festival de Cine de San Sebastian.

Para mí, este título es una de esas películas que no sabes si recomendar o no porque, por una parte, cinematográficamente es una apuesta excelente pero, emocionalmente, es absolutamente devastadora y el recomendado puede pensar que le deseas el mal.

Es dura, es cruda, y es explícita. El tratamiento visual destaca por su fotografía excelentemente ejecutada para el blanco y negro. Narrativamente tiene ese ritmo pausado propio de los directores orientales pero sin acercarse al estilo contemplativo.

No es trepidante como otras historias similares (ahí está la fácil comparación con La Lista de Shindler), sin embargo no aburre en ningún momento gracias a la conexión que se crea con el espectador desde casi desde el primer minuto. Apenas tiene diálogos y juega mucho con el sonido ambiente, los pies arrastrándose, los gritos, los disparos y esa atmósfera cargada y dañina.

Hay que decir que los primeros veinte minutos son complicados ya que muestran la invasión, con secuencias de guerras puras y duras. Aún no se conoce a ningún personaje principal y, siendo orientales, a los occidentales nos cuesta mucho distinguir a japoneses y chinos. Pero pasado ese comienzo, en seguida se identifican ambos bandos y sus protagonistas.

Lo mejor: Es excelente a todos los niveles: fotografía, dirección, interpretación, guión...
Lo peor: es realmente cruda y descorazonadora.
La imagen: Los japoneses amontonando los cuerpos de las mujeres que han violado sin parar hasta matarlas.

Si tienes el estómago suficiente para ver las crueldades de las que son capaces los japoneses, Ciudad de Vida y muerte es un magnífico thriller histórico imprescindible para todo cinéfilo.

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The Scouting Book for Boys

La ventaja de los festivales de cine es la oportunidad de poder ver pequeños títulos que de otra forma pasarían desapercibidos. The Scouting Guide for Boys es una pequeña historia de amor que se desarrolla en un modesto parking de caravanas donde viven Emily y David, dos amigos de toda la vida.

La historia toma el recurrente punto de partida de una pareja de amigos en la que uno de ellos, en este caso él, está enamorado del otro y haría cualquier cosa por la otra persona. Y ese “cualquier cosa” se lleva al extremo en este título.

Pero realmente no es la historia ni su desarrollo lo que destaca de esta cinta. La presentación de personajes y situación es más que efectiva. Emily se queda embarazada y sabe que, en esa situación, su madre perderá la custodia frente a su padre. Para evitar tener que marcharse, David le ayuda a que se esconda y hará lo posible por evitar que la encuentren. El pobre está convencido de que Emily se dará cuenta de que él es lo que ella necesita pero nada es tan bonito como parece.

A medida que avanza la historia, la situación no sólo se hace poco verosímil sino que el trajín que se trae David del parque de caravanas a la cueva escondite es imposible de creer o, incluso, situar cronológicamente. El guión deja demasiadas cosas sueltas y sin justificar a favor de lo que le conviene para la historia, lo que acaba molestando sobremanera.

Pero si bien en el aspecto de guión, el título pierde fuelle a medida que avanza el metraje, no se le puede restar méritos ni por un momento a la ambientación, la dirección, la fotografía o la música. Esos cuatro aspectos de The Scouting Book for Boys no solo se merecen ser remarcados sino destacados sobresalientemente. El uso de los colores calientes y fríos, el uso de la música melódica para enfatizar las emociones es fantástico.

Lo mejor: la atmósfera.
Lo peor: Que se va desinflando a medida que avanza la historia.
La imagen: David y Emily corriendo por los techos de las caravanas.

The Scouting Book For Boys es una historia agradable de ver pero que requiere un nivel de compromiso por parte del espectador muy alto para conectar con la historia.

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La marchita Flor del Desierto

Es difícil hacer un comentario de este título ya que, realmente, en Desert Flower hay dos películas. Una cuenta la historia de una niña somalí que escapa de su hogar y lucha para salir adelante en un mundo completamente nuevo para ella como es Londres. La otra es una interesantísima reflexión y denuncia sobre la aún vigente práctica de la circuncisión femenina.

El gran problema aquí es que la mayor parte del metraje se centra en esa primera y manida historia de pez fuera del agua con los choque de culturas y afán de superación pertinentes. El guión es de manual, con evolución y giros previsibles y una incursión de flashbacks que descolocan al espectador (aunque realmente sean lo más interesante de esta parte). Pero, llegado a un punto, a poco del final de la cinta, la intención gira radicalmente y la historia se centra en la crítica a la práctica mencionada anteriormente.

Vemos cómo ella deja de lado su vida en las pasarelas para hacer conocer al mundo que la práctica sigue existiendo. A pesar de la importancia, interés y seriedad de este tema, uno no puede evitar percibir cierta demagogia en la forma de tratar algunos momentos más clave. Sí, el discurso que da ella en las naciones unidas es muy emotivo y significativo, y el flashback correspondiente al momento en el que ella sufrió la castración es altamente dolorosa e impactante, pero pierde toda la fuerza cuando se compara ambos momentos con el resto del metraje.

Si Desert Flower hubiera sido sólo esa primera parte, la de la niña somalí en busca de otra vida, habría sido una película simpática más, incluso recomendable, sobre el afán de superación y el choque de culturas. Más complicada era una "Desert Flower" centrada en la segunda parte del metraje pero más interés y repercusión que la anterior seguro que tendrían. El problema es la mezcla de ambas.

Lo mejor: Todos los flashback (aunque no su emplazamiento en el film). Lyla Kebede.

Lo peor: Las posibilidades desaprovechadas de hacer algo relevante y no una comedia semi-romántica con aspiraciones a reivindicación política.

En fin, Desert Flower es un título que tenía muchas posibilidades al tratar de reflejar la vida de un personaje histórico tan interesante, pero con grandes defectos en la ejecución al perder de vista el objetivo y la historia que se quiere contar.

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Si la cosa funciona, otra vuelta de tuerca al universo Allen

Woody Allen regresa en su ya obligada cita anual con Si la cosa funciona, con la particularidad de que el cineasta vuelve a Nueva York después de cuatro aventuras europeas (cuya mejor experiencia fue la más que notable innovación - para el cine de Allen - de Match Point y el excelente trabajo de Penélope Cruz en VCB... todo lo demás es bastane olvidable).

En Si la cosa funciona, Boris Yellnikoff (interpretado por el televisivo Larry David), un hombre que se considera demasiado inteligente para el resto de personas que viven este planeta y que, tras un fallido intento de suicidio, se retira a su casa en un viejo apartamento neoyorquino hasta que le sorprende la llegada de una joven - y bastante estúpida - sureña (la ascendente Evan Rachel Wood) que le cambiará la vida. Yellnikoff repite, uno a uno, todos los tópicos de los personajes nacidos tradicionalmente a la sombra del genial director y escritor neoyorquino, osea: es un snob, inteligente, hipocondríaco,... y un largo etcétera que cualquier aficionado al cine que haya visto un par de películas de Allen reconocerá al instante.

Un servidor sigue sin tener muy claro por qué Woody Allen renunció a interpretar el papel protagonista cuando tiene todo lo que requiere. No es que David haga un mal trabajo, que para nada, pero seguramente la película habría funcionado un poco mejor con él. A favor de la película están los trabajos de Wood y, sobre todo, Patricia Clarkson, una de las eternas secundarias de Hollywood que siempre encuentra el modo de estar estupenda. La trama que ella protagoniza, con una madre que va a Manhattan a rescatar a su hija para encontrarse con una vida completamente nueva, es de lo más logrado de la cinta.

¿Es una buena película? Pues sí... y no. No ofrece nada nuevo (y esto ya empieza a ser una constante, no tan positiva, en el cine de Allen) pero, para qué negarlo, el estilo y particular toque del cineasta sigue funcionando, aunque película a película vaya perdiendo parte de su fuerza, hasta el punto de que da la impresión de que este hombre no volverá a hacer una gran película.

Veremos en su nuevo proyecto - que, dada su velocidad, ya está rodado - si el director decide ir de nuevo un paso más allá y arriesgarse por hacer algo nuevo. La película, rodada de nuevo en Londres, reunirá un casting excepcional: Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin Antonio Banderas y Freida Pinto, revelada la pasada temporada con su Slumdog Millionaire. Pese a todos los peros de las películas de Allen, sus proyectos me seguirán hasta el momento en que, lamentablemente, la luz de uno de los grandes genios del cine se apague.

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Le refuge, cuando la realidad supera a la ficción

Sábado 19 de septiembre. Son las 9.10 de la mañana y diez minutos antes ha empezado la proyección de la francesa Le refuge (El refugio)cuando un grupo de espectadores empiezan a gritar en mitad de la proyección pidiendo asistencia médica para atender a un espectador que le ha dado un chungo brutal en el mismo momento que, en pantalla, vemos como, muy gráficamente, una pareja de jóvenes parisinos se meten picos por todas partes (desde el tobillo hasta el cuello). Desde la primera llamada de socorro hasta que el espectador - paciente fue atentido seguimos viendo como la proyección, que no se detuvo, nos motraba la muerte y posterior entierro de uno del chico. Afortunadamente al espectador finalmente no le paso nada grave. Como comentaron en algunas críticas, vaya metalingüísmo más brutal para empezar el festival.

¿Cómo mantener la atención sobre la película después de algo como esto? La película del generalmente interesante François Ozon, que logró finalmente el Gran Premio del Jurado, lo consigue pero siguiendo para ello un camino mucho más tranquilo, reposado, reflexivo. Gracias a Dios. Lo que pareciía que iba a ser una película brutal sobre una pareja de yonquis se convierte en la tranquila y pausada (algunos han considerado que demasiado) reflexión sobre la marcha de un ser querido, el papel de uno en la vida y la ma/paternidad que todos llevamos dentro. Con una puesta en escena agradable y preciosista, desde la banda sonora hasta su fotografía, se nos cuenta una historia sencilla pero efectiva y bonita. Debo reconocer no obstante, que su tercer acto (y en especial la polémica decisión de uno de los protagonistas) no me terminó de convencer aunque en el fondo fuese coherente.

Le refuge no alcanza el nivel de la muy interesante El tiempo que queda (la otra película de Ozon que he visto, un excelente drama protagonizado por Melvin Poupad, que aquí interpreta al joven muerto) pero se queda en un drama efectivo, emotivo y, para qué negarlo, bastante francés. Aunque no es que eso a mí me importe.

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A l'interieur, mama que miedo

Hace unos meses hablábamos de Martyrs, la última sensación del siempre prolífico cine de género francés. El film, que despertó sensaciones encontradas en el público (yo debe reconocer que soy más detractor que fan), sucedía como fenómeno cinematográfico a la cinta que aquí nos ocupa: A l'interieur, una brutal y sorprendente ópera prima de los realizadores Alexandre Bustillo y Julien Maury, que este año estrenarán su segunda obra, la británica Livid.

¿Por qué hablo de esta película estrenada hace dos años (inédita en nuestras salas a pesar de obtener dos premios en Sitges) en nuestra cobertura del festival? La respuesta es simple: la cinta se exhibió en San Sebastián dentro del interesantísimo ciclo La contraola: el novísimo cine francés.

Quería contar lo menos posible - y asi lo haré - en la crítica de la película pero que el poster sea la imagen que vemos a la izquierda de la noticia me facilita enormemente el trabajo. ¿Cómo hablar de A l'interieur sin destripar que realmente va de una mujer le quiere quitar el bebe a otra que está a punto de dar a luz?

Si la película funciona a este nivel es porque pone en imagen un horror que jamás se había visto en una pantalla (no deja de ser curioso que la crítica coincida con la muerte de la asesina de Sharon Tate). El espectador sufre como nunca al ver como una mujer embarazada es perseguida y atacada de un modo tan brutal, diciéndose en todo momento "no van a ser capaces de hacer eso" y vaya si lo son. Se puede acusar a esta A l'interieur de perder parte de su efecto novedad según avanza la historia: llega un momento que la violencia es tan brutal y explícita que la línea que separa la barrera entre el terror y la comedia es cada vez más y más fina.

A la salida de la película, mi acompañante decía que esperaba que detrás de esta historia hubiese algo más que el morbo de usar el recurso de la mujer embarazada. Yo, sinceramente, pienso que no lo hay. No creo que haya una segunda lectura, como si pasaba por ejemplo en la - muy inferior - Martyrs. Tampoco hace falta: la película es impactante y merece la pena en todo momento.

Una película dura, no para todos los estómagos (no obstante, el aprensivo 20% aproximado del publico se salió de la sala antes de que terminase la proyección), pero definitivamente interesante que nunca debió ser olvidada por los distribuidores con la base de fans del cine de terror que hay en nuestro país, sobre todo si tenemos en cuenta la cantidad de bodrios que se estrenan mensualmente en España. Pero bueno, gracias a Dios se creó el dvd e internet.

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Precious, el naturalismo más brutal

Hay que reconocer que empezar película con una brutal voz en off que reza Me llamo Precious. Tengo 16 años, voy todavía al instituto y me acabo de quedar embarazada por segunda vez de mi padre es toda una declaración de intenciones que se queda grabado a fuego en la mente del espectador. Siempre que alguién me ha preguntado de qué va Precious, le reproduzco automáticamente esa frase que recuerdo desde que, hace unas semanas vi el trailer. Dicho esto, hay que reconocer que en las manos equivocadas, en el momento equivocado, podríamos estar ante uno de los telefilms más tremendos de la década (algo así como el Boys don't cry de los 2000, esa tragedia que solo merece la pena ser revisitada por el espectacular trabajo de Hilary Swank). Afortunadamente, esta Precious va más allá.

Se puede acusar a Lee Daniels - quién durante la presentación de la película, en un ataque de honestidad, dio gracias al festival por acoger sus películas, incluso las malas, en clara referencia a la horrenda Shadowboxer, que pude ver hace tres años en la sección Nuevos directores - de hacer una película populista, un crowdpleaser que llaman en Estados Unidos (no obstante ha ganado el premio del público en los festivales de San Sebastián, Toronto y Sundance) pero también hay que reconocerle que estamos ante una de las películas más poderosas e interesantes de los últimos tiempos.


En numerosas ocasiones - el año pasado con Camino, sin ir más lejos - hemos visto las desventuras de una heroína puteada que tiene alucinaciones / ensoñaciones para superar todas sus penurias. Daniel repite el recurso aunque le da una inesperada frescura y autenticidad que a estas alturas de la jugada no se espera (la mejor de ellas, sin duda, es la inclusión de Precious y su madre en una película neorrealista italiana). Y hablando de su madre, Monique (a secas, sí, como Cher y Chayanne) aspira a ganar todo este año por la interpretación de la monstruosa madre de la protagonista. A pesar de ser un papel sin contrastes y excesivo a todas luces, lo espectacular de dos de las escenas cumbres de la película (entre ellas el desgarrador final, que Monique roba absolutamente), auténticos clips de Oscar prefabricados, hace que, días después de ver la película, el espectador siga sin poder olvidar la película. En otra liga juega la debutante, Gabby Sidibe, que apuesta por la naturalidad y la credibilidad en un papel difícil y emotivo. No deja de ser curioso como los dos papeles centrales (lo siento por los fans de Mariah Carey, sólo aparece en dos escenas) de la película se afrontan desde dos lugares tan opuestos.


Al igual que El secreto de sus ojos, esta adaptación de una tal Saphire, Precious parte de una historia un tanto tópica - aunque sin llevar a los extremos de la cinta de Daniels - que se salva, y hasta qué punto, tras demostrarse de nuevo que el cine es un medio en el que muchas veces es más importante el cómo se cuentan las cosas, que lo que estás contando en realidad. En definitiva, una gran película, original, emotiva y, pese a las atrocidades que se están contando en pantalla, divertida.Imprescindible.

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El secreto de sus ojos, una lección de cine

Que alguien me explique por qué la magistral El secreto de sus ojos no se llevó ni un mísero premio este año en Donostia. Dudo enormemente que ninguna película exhibida a concurso este año en San Sebastián tenga el impacto emocional y cinematográfico que la nueva aventura de Juan José Campanella, un director que logró la fama con la tierna El hijo de la novia y que consigue aquí, de nuevo con Ricardo Darín, una película extraordinaria: un relato fascinante que funciona a la perfección como thriller, como drama romántico y como comedia (espectaculares frases e interpretación de Guillermo Francella, todo un descubrimiento). Es un ejemplo de película total o como la definió Luis Martínez para El mundo: La fórmula perfecta del cine emocional, quizá sentimental.

Una película sobre la búsqueda, representada de diferentes formas, del amor perdido: ya sea porque un horrible crimen te arrebató el amor de tu vida o porque nunca te has atrevido a decir a la mujer que siempre quisiste palabras tan simples y complicadas al mismo tiempo como "te amo". No estamos, aunque pueda parecerlo por mis comentarios, ante una película ñoña: nada más lejos de la realidad. La cinta no sólo va directa al corazón, sino también al estómago. Sus últimos diez minutos (innecesarios flashazos explicativos aparte) son tan devastadores como hermosos. La solución al enigma, que hemos tenido tan cerca y tan lejos al mismo tiempo, es sensacional, el mejor ejemplo del final perfecto que hablan autores como McKee o el guionista William Goldman: lógico y soprendente al mismo tiempo. Son los efectos que consigue la película que merece ganar este año el Oscar a la mejor película extranjera (cómo se lo den a la pedante y sobrevalorada The white ribbon de Haneke, me doy de baja como Oscarófilo).

En dos horas de metraje nos encontramos con un grupo de fantásticos actores (todos perfectos, aunque yo me quedo con el espectacular trabajo de los secundarios), gags memorables y escenas que se recordarán como lo mejor del 2009 (sin concretar spoilers: el espectacular plano secuencia en el estadio de fútbol, el encuentro en la estación de tren o el interrogatorio).

Lo más sorpendente es como, si te fijas en la historia, estamos ante un relato de lo más convencional, sin grandes estridencias ni increibles puntos de giro. Lo que ves es lo que hay, ni más ni menos. Ni falta que le hace a la película. El secreto de sus ojos es, para un servidor, probablemente la mejor película del año.

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Disfrutando de El Baile de la Victoria

Creo que es conveniente empezar diciendo que las películas españolas me suelen dar mucha pereza por defecto. Me gustaría que no fuera así, pero así es. Y si encima añades acento sudamericano ya la cosa se pone más fea aún. Intento superarlo pero, hasta entonces, lo bueno que tienen los festivales de cine es que estas "in the mood" para todo tipo de perfil de película aunque no sea el que frecuentas.

Con el pase de "El Baile de la Victoria" a las nueve de la mañana, no estaba yo demasiado entusiasmada con la idea pero, sin embargo, ha resultado uno de los títulos que más han conectado conmigo y más satisfecha me han dejado.

Fernando Trueba nos ofrece con El Baile de la Victoria dos historias que se fusionan en una. Por una parte tenemos a un renombrado ladrón, Ricardo Darín, que sale de la cárcel tras cinco años y trata de encontrar a su mujer. Por el otro tenemos a un joven pillo que sale también de la cárcel tras cumplir dos años de condena por una chiquillada. Ángel Santiago, que así se llama el joven, conoce por casualidad a Victoria, una tímida muchacha pobre que ha desarrollado un talento asombroso para la danza desde que era niña.

Algunas críticas que se han oído tras su proyección iban precisamente referidas a esta diversificación de historias pero personalmente pienso que todo el desarrollo del guión lleva cada trama en su justa medida. La historia del personaje de Darín está para ponerle un pasado y un presente y entender lo que supone su vida desde el momento en el que se une a ángel. Su trama propia muere cuando ha de hacerlo.

Por su parte, el joven Abel Ayala interpreta de forma muy fresca al joven pilluelo enamorado acompañado de la réplica siempre tan personal de Ricardo Darín. Miranda Bodenhofer, la Victoria del título, es una bailarina profesional que se desenvuelve perfectamente en la interpretación de la silenciosa bailarina. Todo el elenco conecta fácil y rápidamente con el espectador.

El ritmo de la historia consigue solventar algunos puntos negros que hay en el guión. Sin embargo hay algo que parece común en este tipo de historias y es esa tragedia al término del film… Da la impresión de que piensan que sin este tipo de giros dramáticos la historia pierde calidad o redondez.

Lo mejor: Cómo Ángel te contagia su alegría, su optimismo e, incluso, su ingenuidad.
Lo peor: El final. El resultado habría sido el mismo y la historia igual de redonda sin necesidad del giro trágico.

El Baile de la Victoria es una historia sobre los nuevos comienzos y sobre el amor que no conoce límites. Juega con el drama, la comedia, la sátira y la parodia. Consigue crear tensión cuando quiere y emocionar al espectador.

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La china City of life gana la Concha de Oro en un prolífico palmarés para el cine español

Por 57ª ocasión, el Festival de cine de San Sebastián cierra sus puertas y, para no faltar a la tradición, vuelve a haber polémica y pitidos varios en la lectura del palmarés decidido por el jurado, presidido en esta ocasión por Laurent Cantent.

La china City of life and death, aclamada por buena parte de la crítica, se ha alzado con la Concha de Oro. El problema aparece cuando la gran favorita de crítica y público, la extraordinaria El secreto de sus ojos (de la que hablaremos muy pronto) se va de vacío. Javier Rebollo, probablemente el más auteur de los cineastas españoles (y sí, no lo digo como algo más positivo), fue nombrado como mejor director mientras la pareja Lola Dueñas - Pablo Pineda, ambos en Yo, también, fueron escogidos los mejores actores. Pineda, primer europeo que padece síndrome de Down en sacarse una carrera, superó a favoritos como Ricardo Darín o Robert Duvall.

Habrá que esperar al estreno de las cintas premiadas (durante mi estancia en el festival sólo pude ver Le refuge, ganadora del segundo premio y de la que hablaremos en unos días) para opinar con propiedad, pero todo a punto a que el jurado ha decidido barrer demasiado para casa en un festival que se ha visto salpicado por la nueva y controvertida Ley del Cine. Con la lectura del palmarés y las críticas ya publicadas de las películas que abrieron la sección oficial y Zabaltegui, abrimos una serie de publicaciones sobre las películas que pudimos ver en Donosti la semana pasada.


PALMARÉS 57 edición Festival de San Sebastián

Concha de Oro a la mejor película: City of life and death, de Lu Chuan (China)
Premio especial del jurado: Le refuge, de François Ozon (Francia)
Concha de Plata al mejor director: Javier Rebollo, La mujer sin piano (España - Francia)
Concha de Plata a la mejor interpretación masculina: Pablo Pineda, Yo también (España)
Concha de Plata a la mejor interpretación femenina: Lola Dueñas, Yo también (España)
Mejor fotografía: Cao yu, City of life and death (China)
Mejor guión: Andres Bowell, Melissa Reeves, Patricia Cornelius y Christos Tsiolkas, Blessed (Australia)

Otros premios
Premio Kutxa Nuevos Directores: Le jour où dieu est parti en voyage, de Philippe van Leeuw (Bélgica)
Premio Horizontes Latinos: Gigante, de Adrian Biniez (Uruguay)
Premio TCM del Público: Precious, de Lee Daniels (Estados Unidos)
Premio TCM del Público a la mejor película europea: Desert flower, de Sherry Horman (Alemania)
Premio Gaztea de la Juventud: The children of Diyarbakir, de Miraz Bezar (Turquía, Alemania)

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Inauguración del festival: Más que correcta Chloe

Chloe nos cuenta la historia de Catherine, ginecóloga de éxito, que observa con dolor como su marido David, profesor de música en la universidad, flirtrea con jovencitas menores que ella. Después de que faltara a su fiesta de cumpleaños, Catherine sospecha que su marido la está engañando y contratará a Chloe para confirmarlo.

Esta es la historia del título que ha abierto la 57 edición del festival internacional de cine de Donostia. Hablando de forma general, Chloe es una buena película. El guión es correcto, las interpretaciones estupendas (Julianne Moore y Amanda Seyfried son lo mejor de la película), la dirección artística es espléndida y sensual y la dirección de Atom Egoyan es hábil y maneja con soltura la sensualidad que emana de la película pero, a pesar de todo, la historia no acaba de interesar. El tratamiento de todos estos elementos se hace desde un punto que se antoja distante y frío lo que tiene como consecuencia esa valoración final tan temida que es la indiferencia.

La impresión final es de haber disfrutado de una película correcta pero que podría llegar a mucho más. La historia queda vacía y sin un objetivo claro por parte del narrador de la historia, además de ser considerablemente previsible a pesar de basar su clímax en un guro muy importate dentro del devenir de la historia.

A pesar de todo, es un título que se ve bien y quizas el aspecto que más me ha convencido, a parte de las actrices, es la evolución del matrimonio en contraste con Chloe, que sólo al final el espectador se da cuenta que permanece igual que al principio... sabe donde tocar, sabe qué presión debe aplicar... sabe manejar a sus clientes y las situaciones. Y lo demuestra.

Lo mejor: Las dos mujeres protagonistas: completamente opuestas pero igual de sensuales y sugerentes cada una a su manera.
Lo peor: que se queda a medias (o "tercias" tintas)
El momento: la caída del personaje de Amada.

Chloe tiene todos los elementos para ser una buena película pero el desarrollo frío de la historia provoca una alta dificultad de conectar con ella y, por tanto, una percepción final menos positiva.

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Micrófonos en Donostia (18 y 19 Septiembre)

"Más quisiera yo ser tan molón como Aldo"

Tarantino

El pase de Malditos Bastardos, la esperada y magnífica película de Quentin Tarantino, estaba hasta los topes por lo que pudimos colarnos sólo los últimos 10 minutos para escucharles vacilar un poco a él y a Brad Pitt. Alguien comenta a Pitt que ha leido en alguna parte que tiene 14 películas en preparación, ante lo que toda la sala, y el propio actor, pone los ojos como platos. "No creas todo lo que lees, tío" replica Pitt, a lo que Quentin añade que "A Brad no le gusta mucho estar involucrado en demasiados proyectos a la vez para así poder estar disponible para cuando algo grande aparezca, y eso se aprecia mucho en alguien como él".

Ante la puntualización de un presente de que "las protagonistas de sus historias son, con frecuencia, mujeres muy fuertes y especiales" él replica con una cara tipo "obvio, nena". Se limita a añadir que, ciertamente, "hacer películas sobre hombres fuertes es muy fácil...".

A raíz de la última frase del film, alguien le pregunta al director: "¿Es esta tu obra maestra?" Él replica que espera que no, ya que aún tiene que quedar mucho por venir.

Y en cuanto a la bastante menos concurrida rueda de prensa de la fabulosa Precious, Lee Daniels habla de su historia. Es cierto que la base de lo que cuenta su nuevo film no es especialmente novedosa pero Daniels la hace propia, ofreciéndonos dos conmovedoras y sobrecogedoras horas de realidad. Ante esto, espeta que trata de contar la historia de alguien con la que realmente todo el mundo puede identificarse de alguna manera.

"The next story is in me... in you"

Una de los momentos con más carga emocional y tensión es la reunión final de Precious con su madre. Ante la duda de si era una forma de tratar de que "la mala" no fuera considerada tan odiosa, el director replica que "realmente no buscaba la redención del personaje. No quiero que la querais ni que la perdoneis pero que busca la comprensión del porqué de su odio". A veces no nos paramos a pensar que detrás de un personaje cruel seguramente haya un pasado que le ha maltratado.

Gabbie Sidibe, la talentosa actriz que encarna a Precious, se muestra elocuente y segura de sí misma. Afirma que no le ha resultado complicado entrar en la crudeza del personaje ya que siempre fue una amante de la novela. Además, ese perfil se ha ido construyendo a raíz de unas interesantes y realizantes charlas con el director, que la ayudaron a encarnar a Precious. También responde, con mucha razon, ante la pregunta de "Porqué cree que ella soñaba con ser blanca y rubia", argumentando que, bueno, "la hierba siempre parece más verde al otro lado".

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