Chuleta cinéfila de fin de semana

La cartelera a veces supone un terreno salvaje inexplorado al que uno tiene que acercarse con cautela. Por eso, he decidido hacer esporádicos repasos a lo que podemos encontrarnos en las salas para que os sea más fácil elegir a quién entregáis vuestros 8 euros de la entrada.

 Hoy viernes 30 de Marzo se estrena algún título interesante que no he tenido la ocasión de ver. Por un lado está Wuthering Heights (Cumbres Borrascosas), la nueva película de Andrea Arnold (Fish Tank) que parece una aproximación distinta y más oscura al clásico. Con ser la mitad de interesante que la reciente versión de Jane Eyre, ya tiene mucho terreno ganado.

El otro estreno interesante es patrio, [REC]3. Tengo sentimientos encontrados. Después de disfrutar con la primera entrega como con pocos títulos del género, la segunda supuso una decepción tremenda. A pesar de eso, los trailers y las reacciones a esta tercera entrega dan buena espina. Seguiremos informando.

Pero no toda la cartelera son estrenos así que paso a comentar de lo que realmente va esta entrada: aquellos títulos que siguen en cartel y recomiendo ver antes de que desaparezcan. Como es de suponer, no he visto todo lo que está en cartelera así que mis recomendaciones se basan en lo que he tenido ocasión de disfrutar. Es una obviedad que aclaro para que no me salgan gnomos gritando algo tipo "¡¡Pero cómo no has puesto esta, que es buenísima!!"

Empiezo con menciones fugaces a títulos que aún colean en algunas carteleras y son imprescindibles: Shame, Young Adult y ¿Ahora adonde vamos?. Tres grandes películas muy distintas entre sí que algunos aún tendrán la suerte de encontrarlas en su cine.

Los Idus de Marzo (The Ides of March) 
Estreno bastante reciente con George Clooney y Ryan Gosling entre otros que narra los entresijos políticos de unas primarias demócratas. Aunque su guión es sólido, los giros de trama y el discurso no aporta nada nuevo. Es una historia que ya hemos visto con unos personajes que ya conocemos. Sin embargo, la estupenda dirección de Clooney merece y el reparto está impecable.

Intouchables (Intocable)
Comedia francesa que está arrasando en la taquilla española. Es un título amable, algo facilón pero efectivo. Una historia entrañable con dos personajes curiosos, divertidos y que conectan mucho y pronto con el espectador. Para salir sonriendo de la sala.

Tyrannosaur (Redención) 
Tras varios atrasos, por fin podemos disfrutar de un gran drama de personajes atormentados. No es un descenso a los infiernos ni un ascenso de ellos, son dos personas diametralmente opuestas que se encuentran y conviven en el infierno. Intensa y con unas interpretaciones excelentes.

Extraterrestre 
Lo nuevo de Vigalondo es el matrimonio perfecto entre la comedia romántica y la ciencia ficción, una historia muy divertida con un enfoque muy original del género y un reparto con una química cómica ilimitada. Altamente recomendable.

No he visto pero tiene buena pinta: We need to talk about Kevin (Tenemos que hablar de Kevin). No he visto pero tiene mala pinta: The Devil Inside, Ira de Titanes (con Furia tuve suficiente, gracias).

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El público es lo que importa

Ayer estuve en el cine con mi madre. Fue a ver una de esas películas que uno sabe que van a gustar a una madre. Bueno, hay madres y madres, claro. No se cómo será la vuestra, pero una dramedia amable de personajes suele ser buena opción para la mía. Y eso hice. A las ocho de la tarde estábamos tan felices en una sala de Kinépolis Madrid viendo El Exótico Hotel Marigold, la nueva película de John Madden, director de títulos como La Deuda o Shakespeare in Love.

Los estereotipos existen y es una realidad que el público de un multicine como Kinépolis es muy distinto al que acostumbro en mis visitas semanales a los Renoir. Que no suene gafapasta pero sí, me gustan los Renoir. Siendo del club, el cine me sale más barato, en versión original y el público es generalmente respetuoso con los demás. Las pantallas son más pequeñas pero se me antojan suficientes para la mayoría de películas que veo. Si toca ver un Tintín, un Hugo, un Inception o un The Girl With the Dragon Tattoo, tengo la suerte de que multicines como Kinepolis o Cinesa suelen tener dos o tres títulos en cartel que proyectan en VOSE.

Volviendo al tema. Para mí es un hecho probado que el público de los multicines en sesiones dobladas es mucho más abierto y expresivo durante las proyecciones. También es más maleducado. Pero suele ser más generoso con las risas, con los sustos y, en general, con el feedback inmediato a la película.

El Exótico Hotel Marigold no es una buena película. Tampoco es mala. Es una de esas producciones aceptables pero olvidables. Dramedia de personajes con diferentes historias que confluyen. El interés de las diferentes tramas está muy descompensado y, durante las dos horas de metraje, el objetivo global e individual de cada una se pierde constantemente. Todas resultan flojas, forzadas y predecibles. Tiene un humor muy blanco que funciona sólo a ratos (la mayoría protagonizados por la gran Maggie Smith) y es el magnífico casting el que sostiene a unos personajes muy mal desarrollados.

Yo me aburrí bastante. Mi hermano también. Sin embargo, la edad media de la sala estaba bastante por encima de su recién estrenada y mi pronto a despedir veintena. Mi madre acabó muy contenta y, como ella, el resto de la sala disfrutó y rió durante la proyección. Espiando conversaciones ajenas al finalizar la película, predominaban los comentarios efusivamente positivos.

Para mí, lo nuevo de Madder es muy regulero. Un guión muy fallido y un título totalmente prescindible. Sin embargo, la experiencia en la sala dice mucho de una película y quizá si me preguntase según qué tipo de persona, incluso la recomendaría. Lo último que desearía es declararme parte de el círculo de “los críticos de cine”. Y no digo esos críticos snobs que ya rechazan una película sólo por el género al que pertenece. Esos merecen una entrada aparte.

Mis palabras no merecen ninguna cita grandilocuente en un poster lleno de créditos laureados, pero sí es verdad que los que intentamos ver el cine de forma más analítica, a veces nos dejamos llevar por aspectos más racionales y técnicos (para bien y para mal) y nos olvidamos del público. Del público objetivo.. Y lo digo yo, que me considero una persona bastante abierta a todo tipo de cine, que intenta valorar cada película dentro del marco al que pertenece y de sus pretensiones.

¿Es pretenciosa Hotel Manigold? En absoluto. Quiere reflexionar sobre cierto tipo de aspectos en el invierno de la vida de sus personajes, pero el tono y las historias dejan ver que no pretende trascender sino hacer que el espectador se sienta bien con sus conclusiones amables. Está hecha por y para su público, que no éramos ni mi hermano ni yo. En sus pretensiones está claro que sale victoriosa y, a veces, esa exigencia cumplida debería ser suficiente.

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Difundiendo "¿Y ahora a dónde vamos?"

El 2 de Marzo se estrena en España una película de la que ya hablamos maravillas aquí: ¿Y ahora adónde vamos? De Nadine Labaki, directora de Caramel.

Con motivo del estreno, la distribuidora ha organizado un movimiento de “la unión hace la fuerza” similar al que se puede ver en la película. La acción consiste en compartir información sobre la película, compartir el trailer, hacerse seguidor en Facebook y acciones similares. Participando en este compartir social, se opta a un montón de premios que tendrán un total de 464 ganadores repartidos entre varios regalos.

Si la página de Facebook llega a los 2000 fans, se harán dos preestrenos de la película, una en Madrid y otra en Barcelona. Tenéis hasta el 24 de Febrero para participar.

Toda la información sobre qué hacer para optar a los regalos y una lista de lo que puedes ganar la podréis encontrar en este link. Para saber más sobre Nadine Labaki y su película, os remito a la página oficial.

En ‘La última peli’ gustó tanto esta original, entrañable y sobresaliente historia que no queríamos perder oportunidad de volver a recomendarla y apoyar su difusión mientras esté en nuestra mano. ¡Todos a compartir!

 

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Cine, cinco noches a la semana en La 2.

La 2 estrena nueva temporada de cine con grandes títulos de todo tipo de procedencia y época. Esta programación ocupará cinco noches de la semana que se distribuirán de la siguiente forma:

Los lunes: Selección.
Será el turno del cine de La 2, una selección de películas europeas de calidad de producción reciente con la incorporación de algunos clásicos modernos. Entre otros títulos los espectadores podrán disfrutar de 'La vida en Rosa', 'Bienvenidos al norte', 'La cinta blanca' o 'Cinema Paradiso'.

Los martes: Versión Española .
Grandes títulos recientes y clásicos del séptimo arte español, con Cayetana Guillén Cuervo y un coloquio con los protagonistas. Las próximas citas con nuestro cine son 'Territorio Comanche' de Gerardo Herrero con Imanol Arias y Carmelo Gómez; 'Mentiras y gordas' de Alfonso Albacete y David Menkes con Mario Casas, Ana de Armas y Hugo Silva; 'Todas las canciones hablan de ti' de Jonás Trueba.

Los miércoles: Cine clásico 
Los amantes de los clásicos tienen aquí su punto de encuentro con películas como 'Gilda', 'El halcón y la flecha', 'Dos cabalgan juntos', 'De aquí a la eternidad', 'Doctor Zhivago', 'Casablanca'...

Los jueves: Cinefilia 
Este día se podrán disfrutar grandes clásicos modernos americanos y europeos. El mejor cine de los últimos 30 años de la mano de los mejores directores. 'La lista de Schindler' de Steven Spielberg, 'El cabo del miedo' de Martin Scorsese, 'The boxer' de Jim Sheridan, 'Esencia de mujer' de Martin Brest, 'Las vírgenes suicidas' de Sophia Coppola o 'Las amistades peligrosas' de Stephen Frears.

Los sábados: 'De qué se ríen los europeos' 
En las próximas semanas, se incorporará además un nuevo espacio: las mejores comedias europeas de los últimos años.

Nota de prensa aqui

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La correcta guerra de los botones

En 2004, Christophe Barratier me regaló esa fábula encantadora que es Los Chicos del Coro, cuya banda sonora tarareo y chapurreo a pesar de no saber más frances que el típico Voulez-vous coucher avec moi ce soir. Es por eso que, cuando Sensacine me invitó al visionado de su nueva película, adaptación de la novela de Louis Pergaud, no me lo pensé dos veces.

La nouvelle guerre des boutons nos lleva a un pequeño pueblo francés en 1944 donde, mientras la segunda Guerra Mundial sacude el mundo, los niños de la zona libran su propia batalla con un pueblo vecino. Con este planteamiento, Barratier introduce más elementos en el juego que van desde una niña judía huyendo de los nazis hasta revoluciones ocultas en la sombra.

La guerra de los botones es una historia entrañable, protagonizada por niños que parecen una versión a medio gas de aquellos coristas, que comienza como una fábula infantil de aventuras pero se pierde en su intento de reflexionar sobre algunos aspectos que el entorno histórico pone sobre la mesa. Estas dos líneas no convergen de forma natural ni satisfactoria, las secuencias de los adultos ni cuadran ni interesan y el resultado final es una desconexión total de todo lo que ocurre en la película.

Instrucciones de uso: A pesar de todo, lo nuevo del francés es entretenido y tiene algún punto cómico que provocó risas en la sala. Aunque fallida en sus pretensiones, no deja de ser un título correcto que se deja ver.

En el reparto destacan caras conocidas del cine francés como el últimamente multiempleado y polifacético Guillaume Canet, directo de Pequeñas mentiras sin importancia y actor en El Caso Farewell, ese título de 2009 que ha tardado dos años en llegar a España. También encontramos a Kad Merad y Gérard Jugnot, ambos en Los Chicos del Coro, o la aparición fugaz de Laetitia Casta.

La guerra de los botones es uno de esos títulos que caminan en el limbo del “sin más”. Una película lo suficientemente entretenida para que se deje ver y lo suficientemente insípida para resultar olvidable. Se estrena en España el viernes 11 de Noviembre. Aquí os dejo el trailer en Español (que casi me sangran los oidos al oír como han doblado a la niña).

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8ª edicion de Eurocine 27

Resucito brevemente el blog (recordar que podéis escucharme hablar de cine en Esta Peli Ya la He Visto) para contaros de qué va esto del Eurocine 27. Me ha llegado en nota de prensa y no lo encuentro en la página oficial, así que la fusilo casi tal cual aquí y así estáis enterados.

Los cines Verdi Madrid se complacen en anunciar la 8ª edición de EUROCINE 27, evento cultural y cinematográfico de 27 películas europeas proyectadas en un solo día, que tendrá lugar el próximo LUNES 9 DE MAYO. Esta misma actividad se desarrollará simultáneamente en otras ciudades europeas como Budapest, Milán o Bruselas.

La entrada será GRATUITA (hasta completar aforo) para todo el mundo que desee acercarse a ver esta muestra cinematográfica, que coincide con la celebración del Día de Europa.

Una oportunidad única de descubrir joyas actuales del cine europeo (Die Fremde, Can Go Through Skin, A espada e a rosa, Hitler in Hollywood, Applause, The Runway…) de países tan diversos y con cinematografías tan poco conocidas en nuestro país como Estonia, Lituania, Eslovenia o la República Checa, además del cine de Francia, Gran Bretaña, Alemania, Italia o España, entre otros.

Atención: Sólo "Cuanto pesa su edificio, Sr. Foster" y "Die Fremde" serán proyectadas en versión original con subtítulos en español. El resto serán versiones originales con subtítulos en inglés.

TODA LA PROGRAMACIÓN Y HORARIOS DE EUROCINE 27 EN VERDI MADRID:

SALA 1

11:30 h. ¿CUÁNTO PESA SU EDIFICIO, SR. FOSTER? (How Much Does Your Building Weigh, Mr. Foster?, 2010) de Carlos Carcas y Norberto López Amado (España). 74 min.
Berlín y San Sebastián 2010. Nominada al Goya al Mejor Documental 2010.

13:00 h. THE VISITOR (Muukalainen, 2008) de J.-P. Valkeapää (Estonia).105 min.

16:00 h. PROTEKTOR de Marek Najbrt (República Checa / Alemania). 100 min. Candidata a los Oscar 2010 por la República Checa.

18:00 h. CAN GO THROUGH SKIN (Kan door huid heen, 2009) de Esther Rots (Holanda). 94 min.
Premio FIPRESCI Festival Internacional de Cine de Transilvania 2009.

20:00 h. DIE FREMDE (When We Leave, 2010) de Feo Aladag (Alemania). 119 min.
Premio LUX 2010.
Nominada a los Premios de Cine Europeo 2010: Película Revelación y Mejor Actriz.
Premios de Cine Alemán y Festival de Cine de Tribeca 2010: Mejor Actriz.

22:30 h. YOUNG GIRLS IN BLACK (Des filles en noir, 2010) de Jean-Paul Civeyrac (Francia). 85 min.

SALA 2

11:15 h. SESIÓN DE CORTOMETRAJES EUROPEOS (72 min.).

12:30 h. THE SWORD AND THE ROSE (A espada e a rosa, 2010) de João Nicolau, con Maria de Medeiros (Portugal / Francia). 142 min.
Mostra de Venecia 2010 (Sección Horizontes).

16:00 h. SUICIDE ROOM (Sala samobójców, 2011) de Jan Komasa (Polonia) 88 min.

18:10 h. SHELTER (Podslon, 2010) de Dragomir Sholev (Bulgaria). 88 min.

20:10 h. HITLER IN HOLLYWOOD (HH, Hitler à Hollywood, 2010) de Frédéric Sojcher (Bélgica / Francia). 85 min.
Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary 2010.

22:00 h. AKAMAS (2006) de Panikos Chrissanthou (Turquía / Hungría / Grecia / Chipre). 124 min.

SALA 3

13:00 h. INITIATION (Blutsfreundschaft, 2009) de Peter Kern (Austria / Alemania). 92 min.

16:00 h. DRAFT DODGERS (Réfractaire, 2009) de Nicolas Steil (Luxemburgo / Suiza). 97 min.

18:00 h. LIQUID LOVE (Amore liquido, 2009) de Marco Luca Cattaneo (Italia). 100 min.

20:00 h. APPLAUSE (Applaus, 2009) de Martin Zandvliet, con Paprika Steen (Dinamarca). 85 min.
Premio a la Mejor Actriz y Label Europa Cinemas: Festival Int. de Cine de Karlovy Vary 2009.

22:00 h. PLATO’S ACADEMY (Akadimia Platonos, 2009) de FilipposTsitos (Grecia). 103 min.
Festival Internacional de Cine de Locarno 2009: Leopardo de Plata al Mejor Actor.

SALA 4

13:00 h. THE TEMPTATION OF ST. TONY (Püha Tõnu kiusamine, 2009) de Veiko Õunpuu (Estonia / Finlandia / Suecia).103 min.
Sección Oficial - Festival de Sundance y Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2010.

15:45 h. PIRAN – PIRANO (2010) de Goran Vojnovic (Eslovenia). 111 min.

18:00 h. PURE (Till det som är vackert, 2010) de Lisa Langseth (Suecia).101 min.

20:00 h. THE RUNWAY (2010) de Ian Power (Irlanda / Luxemburgo). 101 min.

22:00 h. BIBLIOTÈQUE PASCAL (2010) de Szabolcs Hajdu (Hungría). 111 min.
Festival Internacional de Cine de Berlín 2010.

SALA 5

13:00 h. BROKEN PROMISE (Nedodrzaný slub, 2009) de Jirí Chlumský (Eslovaquia / República Checa). 129 min.

16:00 h. LOW LIGHTS (Artimos sviesos, 2009) de Ignas Miskinis (Lituania / Alemania). 92 min.

17:50 h. RUDOLF’S INHERITANCE (Rudolfa mantojums, 2010) de Janis Streics (Letonia). 114 min.

20:15 h. EVERYWHERE AND NOWHERE (2011) de Menhaj Huda (Gran Bretaña). 95 min.

22:15 h. MORGEN (2010) de Marian Crisan (Rumanía). 100 min.

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58 ed. Donostia: Hjem til jul (Home for Christmas [Noruega]

En navidad lo que se llevan son esas historias sobre la importancia de la familia y la amistad normalmente contadas desde un punto de vista optimista. Home For Christmas no es una excepción. Adaptada de una selección de historias cortas del autor noruego Levi Henriksen, nos presenta pedacitos de las vidas de un grupo muy heterogéneo de personajes, desde un vagabundo hasta un médico a domicilio.

Esa diversidad de personajes y sus múltiples formas de amor recuerda mucho a la estupenda Love Actually, con la que es imposible no comparar. Sin embargo hay algo en lo que Home for Christmas se desbanca y es el tono. Aunque hay bastantes dosis de humor, de esperanza y de ternura, también hay mucho hueco a la desesperación y la tristeza. Es una combinación agridulce bastante equilibrada que hacia el final se inclina más por el drama que por la comedia.

Como ocurre en este tipo de títulos corales, hay historias con más fuerza, más originales o con las que conectas más y otras menos interesantes que se convierten en pequeños baches, ya que la percepción de ellas es mucho peor al estar deseando que pasen a la siguiente.

Home for Christmas es una de esas historias de personajes entrañable y emocional que vienen estupendamente para una tarde lluviosa de domingo. Ah! Y mejor en navidades y en compañía.

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58 ed. Donostia: Nothing's All Bad (Smukke mennesker) [Dinamarca]

La ausencia de amor en nuestras vidas es un lugar común en la cinematografía internacional. Esta opera prima del danés Mikkel Munch-Fals toma esta temática y la coloca frente al espejo haciéndonos partícipes de la soledad de cuatro personajes que lo que lo que echan en falta es una pizca de amor propio.

Desde la joven que ha perdido un pecho debido al cáncer hasta el pervertido que intenta cambiar y no lo consigue, Nothing's all bad es una historia de excesos con unos personajes al borde del abismo que harían cualquier cosa por encontrar algo de autoestima en su camino. Se unen a ellos dos una recién jubilada y viuda señora que se encuentra extremadamente sola y un joven atractivo que decide usar su cuerpo para satisfacer los deseos de cualquiera que esté dispuesto a pagar por ello.

Este es un título intimista, de narrativa lenta que deja mucho espacioa sus personajes pero, a pesar de tener un ritmo pausado, la evolución de las tramas es constante y la forma de entrelazarlas le otorga mucho dinamismo al conjunto.

En definitiva, Nothing’s all bad es emotiva, íntima, atrevida y con unos personajes tan extremos que consigue hacer de un discurso ya bastante común en este tipo de cine, algo novedoso, llamativo e interesante. Muy recomendable.

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58 ed. Donostia: Neds [Reino Unido]

Después de unos cuantos años de asistir al festival, parece que dentro de los títulos seleccionados ha de haber un porcentaje fijo de films que dedican sus historias a la infancia y la juventud y cómo el sistema educativo, sean padres o escuela, afectan, la mayoría de las veces negativamente, en el devenir de los protagonistas.

Personalmente es un discurso que me tiene algo saturada. Ya lo se. Se que hay padres borrachos que pegan a sus madres y eso afecta a los hijos. Se que hay profesores que recurren a medidas abusivas para imponer su disciplina y se que el papel de los hermanos mayores o de la pandilla es crucial en el proceso de maduración de un adolescente. Por ello, a priori, Neds me llamaba la atención más por la adrenalina de la violencia inherente en el planteamiento que por el discurso que se podría esperar en ella.

Dicho eso, y aunque también peca de estar en ese porcentaje, Neds también afronta el tema desde otro ángulo. “Non Educated Delincuents” es a lo que hace referencia el título pero su protagonista, John McGill, es un estudiante modelo: lee mucho, estudia mucho y no se mete en problemas. Cuando llega el verano, con mucho tiempo libre, empieza a quedar con un joven de familia bien y, al poco, se ve rechazado por su familia. Siempre ha habido clases.

En ese momento coinciden un cúmulo de situaciones que acaban por llevar a John al mal camino: un hermano con demasiado poder sobre las bandas callejeras, un encuentro con el grupito de turno, el rechazo de su amigo el rico, un padre que constantemente llega borracho a casa y maltrata a su madre, todos esos momentos en los que le han acosado por ser un pringado… A partir de ahí, John irá cayendo en el foso cada vez más y acabará convirtiéndose en lo que le aterraba cuando era más pequeño.

Neds sí coloca al entorno de John como base probable de culpa, pero no se entrega a ello sino que nos muestra ambos lados del camino, ya que la ira de John le llega tan dentro que no es capaz de ver las oportunidades de salvación que se le ofrecen.

Estos Non Educated Delincuents y su historia, basada por cierto en hechos reales (probablemente lo más espeluznante del film), no son lo más original ni lo mejor que he visto o veré en el festival, pero es un título que muestra la evolución de John al ritmo perfecto, que se toma su tiempo en lo importante y obvia lo obvio y un final de esos que te hace meditar durante un buen rato.

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Ligera decepción con Alice Creed

Leticia Dolera apuntó en su presentación de The Disappereance of Alice Creed que, allá donde se había proyectado, muchos críticos consideraban a su director J. Blakeson como el próximo Danny Boyle. Ya sabemos que las comparaciones son odiosas pero probablemente la mayoría de los espectadores que vimos Alice Creed en la muestra discreparía de esa afirmación.

Blakeson es hábil a la dirección, sí, y el desarrollo de la historia parte de una primera secuencia muy sugerente y poco a poco demuestra que su capacidad de otorgar ritmo y dejar respirar a una trama que ocurre prácticamente todo el metraje en las mismas dos habitaciones es admirable.

Alice Creed es una joven de familia rica que es secuestrada y llevada a una habitación insonorizada. Sus dos secuestradores tienen un plan: sacarle a su padre dos millones de libras por el rescate. Pero poco a poco las cosas se irán liando y resultan muy diferentes a cómo se habían planeado en un principio.

La primera hora de historia es inquietante, interesante, entretenida y utiliza muy bien un par de giros de guión sorprendentes que intercala con algo de humor para dar un descanso al espectador. El problema viene a partir de cierto momento en el que la situación dentro de la narración se les va de las manos y, a la vez, se sale de madre en guión, dando como resultado una colección de momentos sinsentido y resoluciones erróneas o típicas que desmerecen a la original y estimable primera parte.

Aún así, y lamentando el hecho de que podría haber sido mucho mejor, el resultado final es más que correcto y La desaparición de Alice Creed ha sido uno de los títulos más convincentes de la Muestra SyFy.

Sobresaliente sí es la labor de interpretación por parte de los tres actores protagonistas destacando, sobre todo, a Gemma Arterton (Alice), a la que conocimos en Quantum of Solace y pronto veremos en la, personalmente esperadísima, adaptación del videojuego homónimo Prince of Persia, las arenas del tiempo.

Lo mejor: Cómo el segundo giro deja por los suelos al primer, e igualmente inesperado, giro en la trama.
Lo peor: Que algunos de la sala hiciesen bromas continuas con respecto a un tema de la historia molestando al resto de espectadores.

The Desappereance of Alice Creed arranca y empieza su desarrollo de forma inmejorable pero va perdiendo fuerza hacia el desenlace. A pesar de todo, contiene elementos lo suficientemente interesantes y destacables como para convertirse en un título más o menos recomendable.

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Le refuge, cuando la realidad supera a la ficción

Sábado 19 de septiembre. Son las 9.10 de la mañana y diez minutos antes ha empezado la proyección de la francesa Le refuge (El refugio)cuando un grupo de espectadores empiezan a gritar en mitad de la proyección pidiendo asistencia médica para atender a un espectador que le ha dado un chungo brutal en el mismo momento que, en pantalla, vemos como, muy gráficamente, una pareja de jóvenes parisinos se meten picos por todas partes (desde el tobillo hasta el cuello). Desde la primera llamada de socorro hasta que el espectador - paciente fue atentido seguimos viendo como la proyección, que no se detuvo, nos motraba la muerte y posterior entierro de uno del chico. Afortunadamente al espectador finalmente no le paso nada grave. Como comentaron en algunas críticas, vaya metalingüísmo más brutal para empezar el festival.

¿Cómo mantener la atención sobre la película después de algo como esto? La película del generalmente interesante François Ozon, que logró finalmente el Gran Premio del Jurado, lo consigue pero siguiendo para ello un camino mucho más tranquilo, reposado, reflexivo. Gracias a Dios. Lo que pareciía que iba a ser una película brutal sobre una pareja de yonquis se convierte en la tranquila y pausada (algunos han considerado que demasiado) reflexión sobre la marcha de un ser querido, el papel de uno en la vida y la ma/paternidad que todos llevamos dentro. Con una puesta en escena agradable y preciosista, desde la banda sonora hasta su fotografía, se nos cuenta una historia sencilla pero efectiva y bonita. Debo reconocer no obstante, que su tercer acto (y en especial la polémica decisión de uno de los protagonistas) no me terminó de convencer aunque en el fondo fuese coherente.

Le refuge no alcanza el nivel de la muy interesante El tiempo que queda (la otra película de Ozon que he visto, un excelente drama protagonizado por Melvin Poupad, que aquí interpreta al joven muerto) pero se queda en un drama efectivo, emotivo y, para qué negarlo, bastante francés. Aunque no es que eso a mí me importe.

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A l'interieur, mama que miedo

Hace unos meses hablábamos de Martyrs, la última sensación del siempre prolífico cine de género francés. El film, que despertó sensaciones encontradas en el público (yo debe reconocer que soy más detractor que fan), sucedía como fenómeno cinematográfico a la cinta que aquí nos ocupa: A l'interieur, una brutal y sorprendente ópera prima de los realizadores Alexandre Bustillo y Julien Maury, que este año estrenarán su segunda obra, la británica Livid.

¿Por qué hablo de esta película estrenada hace dos años (inédita en nuestras salas a pesar de obtener dos premios en Sitges) en nuestra cobertura del festival? La respuesta es simple: la cinta se exhibió en San Sebastián dentro del interesantísimo ciclo La contraola: el novísimo cine francés.

Quería contar lo menos posible - y asi lo haré - en la crítica de la película pero que el poster sea la imagen que vemos a la izquierda de la noticia me facilita enormemente el trabajo. ¿Cómo hablar de A l'interieur sin destripar que realmente va de una mujer le quiere quitar el bebe a otra que está a punto de dar a luz?

Si la película funciona a este nivel es porque pone en imagen un horror que jamás se había visto en una pantalla (no deja de ser curioso que la crítica coincida con la muerte de la asesina de Sharon Tate). El espectador sufre como nunca al ver como una mujer embarazada es perseguida y atacada de un modo tan brutal, diciéndose en todo momento "no van a ser capaces de hacer eso" y vaya si lo son. Se puede acusar a esta A l'interieur de perder parte de su efecto novedad según avanza la historia: llega un momento que la violencia es tan brutal y explícita que la línea que separa la barrera entre el terror y la comedia es cada vez más y más fina.

A la salida de la película, mi acompañante decía que esperaba que detrás de esta historia hubiese algo más que el morbo de usar el recurso de la mujer embarazada. Yo, sinceramente, pienso que no lo hay. No creo que haya una segunda lectura, como si pasaba por ejemplo en la - muy inferior - Martyrs. Tampoco hace falta: la película es impactante y merece la pena en todo momento.

Una película dura, no para todos los estómagos (no obstante, el aprensivo 20% aproximado del publico se salió de la sala antes de que terminase la proyección), pero definitivamente interesante que nunca debió ser olvidada por los distribuidores con la base de fans del cine de terror que hay en nuestro país, sobre todo si tenemos en cuenta la cantidad de bodrios que se estrenan mensualmente en España. Pero bueno, gracias a Dios se creó el dvd e internet.

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EX: Love Actually a la italiana

Por Silvia Crespo

Es mentira eso de que el cine es algo internacional o que va más allá de las fronteras, ir a ver una película italiana lleva ciertas connotaciones, al igual que cuando vas a ver un película argentina o cine asiático. Cuando te enfrentas a cine que no lleva el sello “made in Hollywood “ te expones a una forma de hacer cine al que hay que acercarse sin prejuicios. Bien, mi pasado con el cine italiano (salvando dos o tres obras maestras) ha hecho imposble que no mire con cierto escepticismo esta comedia romántica. Antes de comenzar mi crítica sobre EX, me gustaría explicar que mis prejuicios hacia el cine italiano vienen después de ver títulos como Manuale d’amore (I y II) o Notte prima degli esami (Iy II también). Seguro que ahora me entendéis algo mejor.

Al ver el trailer de EX hubo dos cosas que me terminaron convenciendo para verla: la primera es que Fausto Brizzi (el director) había decidido tomarse en serio así mismo y no había hecho la tercera parte de Notte prima degli esami , y el segundo motivo fue el slogan del trailer “un amor no es para toda la vida, pero un ex sí”

Después de asumir que era una de las frases más coherentes que había escuchado últimamente (imaginaos de qué tipo de gente me rodeo) me armé de valor, me dirigí a los Ideal y dejando fuera todos mis prejuicios sobre el cine italiano, me dispuse a ver el nuevo fenómeno cinematográfico en el país de la bota.

Y lo cierto es que me he encontrado con una comedia sencilla pero agradable. De esas que te hacen echar alguna carcajada y una o dos lagrimitas al final. La cinta empieza como suelen acabar todas estas comedias romanticonas: con besos, muchos besos, que explican el principio del final de seis parejas muy diferentes que deberán lidiar con sus rupturas, divorcios, muertes repentinas y celos a miles de kilometros de distancia.

La película está llena de típicos tópicos que la hacen divertida, pero Brizzi con un elenco de esos de “vamos a juntar a todas las estrellas italianas vivas que no sean Sofia Loren”, no se olvida de meter esos pequeños puntos que la hacen fácilmente identificable como cine a la italiana. Me ha gustado eso de poder ver historias sencillas junto a otras de lo más bizarras, si le dais una oportunidad os vais a encontrar con el cura que se encuentra en la difícil situación de casar a su exnovia con un mamarracho de miucho cuidado, o la divertida persecución de Paolo a manos de un policía corrupto que le amenazará de todas las formas posibles para que deje de ver a la que fuera su pareja.

Además de Woody Allen, los italianos controlan como nadie los chistes de origen freudiano, y de eso aquí vais a encontrar bastantes. Y ¿por qué la califico como la Love Actually a la italiana?; pues porque creo que en el fondo nos vienen contando lo mismo: “el desamor es algo contra lo que todos debemos lidiar varias veces en la vida, pero y lo bien que se está cuando encontramos el amor”

Lo mejor: el 10 LODE para el cura Don Lorenzo y el pequeño guiño a la tierra media
Lo peor: los dos o tres chistes machistas de Luca, son de ese tipo de cosas que aquí serían políticamente incorrectos pero que en Italia parecen tener muy interiorizado.(Silvio Orlando) y que parezca que sólo los heterosexuales tienen ex o algo que contar.

Me pregunto si Berlusconi con todo el lio delle velline y su divorcio, se habrá sentido representado en alguna de las historias que se exponen en esta película.

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God save the queen: Richard Curtis ha vuelto

Seis mes atrás incluía The boat that rocked (aquí Radio encubierta), una comedia de la que apenas sabía nada, en mi top de las películas más esperadas del 2009 única y exclusivamente por el hombre situado tras la cámara (y frente al ordenador): el guionista y ocasional director británico Richard Curtis. En la filmografía de Curtis, del que no me cuesta decir que considero que es claramente el más destacado creador de comedias / dramedias de los últimos quince años, nos encontramos con pequeñas joyas del género como Notting Hill, Love Actually, Cuatro bodas y un funeral (que consiguió aspirar al Oscar a mejor película) o la primera parte de El diario de Bridget Jones. Sin embargo, la fallida secuela de esta última, realizada hace cinco años, fue el último contacto de Curtis con el cine, dedicándose desde entonces en exclusiva a la televisión.

Ahora nos llega Radio encubierta, una comedia sobre una emisora de radio ilegal de los años sesenta situada en un viejo barco en medio del Mar del Norte, en una época en la que las radios generalistas no ofrecían más que un par de horas diarias de música. Lo nuevo de Curtis - que sin ser de sus mejores obras, raya a una altura notable - es un canto a la amistad y a la pasión de un grupo de freaks (esa palabra tan denostada hoy en día) de la música dispuestos a todo por compartir su amor a la música rock. Sobra decir que la película es un homenaje en toda regla a la música rock de hace unas décadas, la única música rock posible para varias generaciones.

La comedia, que ha recibido una tibia recepción crítica y comercial en el Reino Unido, ha sido atacada por la prensa por su duración (129 minutos), un tanto excesiva. Personalmente creo que el mayor problema que puede tener la cinta es su clímax, donde hay un gran cambio en el tono de la historia y donde la conclusión de la historia es cierto que dura más de lo que debería. No obstante, yo me quedo con el absoluto buen rollo que desprende la cinta, con la presencia de un fantástico grupo de actores (con gente que nunca falla como Bill Nighy o Phillip Seymour Hoffman o el debutante Tom Sturridge) y con su estupenda banda sonora.

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Déjame Entrar, lo mejor de la Muestra SciFi

Acabamos con las críticas de la muestra de cine fantástico con el mejor título proyectado en todo el festival.

Ganadora de numerosos premios, entre ellos el gran premio a mejor película europea en Sitges o el Satélite Award a mejor película de habla no inglesa, Dejame entrar es un drama cuyo alma reside en el tono frío pero a la vez tierno de la hisoria más que en su faceta fantástica.

El frío es un personaje más de la película y es el tono elegido para contar la historia de amistad entre un tímido niño humano y una solitaria niña vampiro que necesita a alguien con quien jugar. A la vez que el relato se cuenta desde un punto de vista externo y sin entrar en sensiblerías, la ternura y dulzura que emana de la relación de ambos chavales se hace patente desde el primer momento.

La historia es capaz de darnos momentos de gran tensión, rodados con la maestría de Thomas Alfred, como la secuencia en la que ella ataca a los abusones mientras él permanece bajo el agua, a la vez que vemos cómo las extremidades se sumergen en la piscina, mientras que tenemos grandes dosis de ternura como cuando se comunican con su código morse a traves de la pared para decirse, simplemente, buenas noches.

El título hace referencia a un detalle muy original del guión y es que la niña vampiro no puede entrar en tu casa si no le dejas. ¿Las consecuencias? Por suerte no llegamos a saberlas del todo. Pero también habla de abrirse, ya que abrir tu corazon y tu mundo a la persona adecuada puede ser bueno y, en este caso, ellos se necesitaban el uno al otro.

Lo mejor: Lo inesperado de su tratamiento. El talento de los dos chavales protagonistas.
Lo peor: Que algunos esperasen un título de vampiros convencional y por ello la critiquen.

Dejame entrar es, sin duda, uno de los estrenos del año, una película que pasará desapercibida por su procedencia, y un título totalmente recomendable para los amantes del buen cine de ciencia ficción que tiene claro la sangre y las vísceras son mil veces mejor cuando expresan algo.

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Slumdog Millionaire, directa al corazón

Más vale tarde que nunca. Qué difícil es hacer una crítica de Slumdog Millionaire después de una impresionante lluvia de premios que acabó desembocando en ocho Oscars. La victoria de la película británica supone, por fín, la victoria del cine independiente dentro de la Academia. En años anteriores Juno, Pequeña Miss Sunshine, Lost in Translation y Entre copas habían sido arriconadas en el guetto del premio al mejor guión original. A partir de este año, la Academia podrá decir que ha premiado a lo bestia a una película indie que, por cierto, estuvo a punto de ser estrenada en DVD.

Es cierto pero tampoco podemos ignorar que en el fondo están premiando la conservadora historia de siempre vendida de otro modo: a fin de cuentas Danny Boyle habla del sueño americano, sólo que está visto a través de un filtro británico.

Dos de cada tres críticas de la película se metían con ella por sobrevalorada (ignorando en muchas ocasiones los factores cinematográficos, que son a priori los que se deberían de tener en cuenta), la otra se dejaba llevar por el contagioso optimismo y las poderosas imágenes del último trabajo de Boyle, considerándola la mejor película del año. Yo estoy un poco a medio camino de ambas opiniones, aunque probablemente me quede más cerca de lo segundo. Estoy de acuerdo en que no creo que sea una película para arrasar con tanta unanimidad en la temporada de premios pero también considero que es, con diferencia, la que deja un mayor poso e impacto emocional en el espectador.

Es una good-feeling-movie (uno de esos términos tan americanos pero tan comprensibles a la vez) de lo más clásico pero contada de un modo diferente, llamativo, tremendamente atractivo. “Bollywood llega a Hollywoood”: unos se lamentaban, otros se alegraban por la aparición de nuevos aires. Personalmente creo que va a ser “el titular del momento”, para quedarse así. Después de todo, ¿cuántas veces hemos leído en los últimos años que el musical vuelve, cuando está claro que es un género que sólo puede dar dos o tres películas al año?

No creo que reinvente la fórmula de la Coca Cola. Sin embargo, a mí si me pareció mágica en sus momentos alegros y dolorosamente hermosa en los tristes (creo que las partes de los niños están por encima de los del Jamal adolescente, a pesar de ser mucho más duras - ver la escena de la letrina – aunque también más auténticas – los chavales ejerciendo de guías turísticos - ). Boyle, un director versátil e interesante pero irregular, logra para mí su mejor película, la que más llega al corazón del espectador.

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La polémica está servida con Martyrs

Posiblemente el título más polémico del festival sea esta cinta franco canadiense que tanto ha dado de qué hablar allí donde se ha proyectado. Durante la propia muestra, algunos de los asistentes abandonaron la sala, otros, indignados, criticaban hasta donde se puede llegar en el cine. En Sitges parece que incluso se tuvo que instalar una unidad médica para atender mareos y vómitos. Desde mi humilde opinión, y sinceramente, no creo que sea para tanto.

Martyrs se divide en dos partes muy diferenciadas y claras que no comparten mensaje ni intención. De hecho, lo único que comparten es la violencia y una de las protagonistas. El título hace referencia a la segunda parte de la película, donde se exploran los límites que es capaz de sobrepasar el ser humano con tal de tener respuestas sobre qué hay después de la muerte.

Al término de la historia, uno no puede dejar de pensar que más de la mitad de la película, todo el arranque y el desarrollo, es un mero trámite necesario para contar la historia que realmente quiere contarse y quedan dos historias aparentemente unidas pero realmente inconexas. Resulta complicado analizar la película si no voy de la mano de la historia, y eso es lo que voy a hacer.

Comienza con una niña que, tras ser brutalmente maltratada, consigue escapar de la garra de sus captores. Pero de lo que es incapaz de huir es del monstruo interior que se ha generado como consecuencia de ese maltrato, un ser que la obliga a automutilarse. Los años pasan y esa criatura interna, que ella percibe como externa, la empuja a asesinar a la familia que la maltrató. Finalmente, y tras darse cuenta de que nunca se deshará de ese mal, se suicida.

Hasta aquí el mensaje está claro, y la muy explícita y extrema violencia mostrada en ningún momento se percibe como gratuita. Es entonces cuando su mejor amiga desde niña, mientras piensa la forma de resolver todo el estropicio con tanto cadáver por la casa, encuentra a otra joven en el sótano, dándose cuenta de que nunca fue realmente consciente del horror vivido por su amiga (e incluso no acababa de creer que esa familia cuyos intestinos estaban repartidos por la casa fueran los culpables de nada), reforzando así todo lo vivido anteriormente.

Es a partir de aquí, cuando un enigmático grupo aparece en la casa, cuando la historia da un giro absoluto y se convierte en una sucesión de maltratos y palizas innecesariamente repetitivas que acaban cansando y que realmente no aportan nada nuevo hasta que, finalmente, llega un inesperado desenlace.

El problema de todo esto es que el mensaje y la intención más claros de la película emanan de la primera mitad, sin embargo el objetivo de la película es ese final irónico que hace gracia pero deja al espectador con una pregunta que debe aterrar a todo realizador: "Vale, ¿y?".

Martyrs es un ejemplo de buen hacer en varios aspectos: la tensión de toda la primera parte es impecable, la dirección, a cargo de Pascal Laugier, hábil, las interpretaciones remarcables y los efectos son extraordinariamente realistas. Sobrecoge, engancha y, eso seguro, no deja indiferente. En mi caso ha sido la segunda parte la que me ha dejado fría, pero la diversidad de opiniones está servida con este título y para otros es la primera mitad la que no dice nada.

En cualquier caso, para aquellos que disfruten de un gore de calidad, con más intención que el simple hecho de mostrar vísceras, Martyrs es un título imprescindible a pesar de sus patentes carencias.

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Eden Lake, la ley de Murphy en estado puro

Eden Lake no es una película original. Partiendo de la manida pero efectiva premisa de “pareja va a pasar un idílico fin de semana en el bosque… hasta que de repente cosas terroríficas empiezan a suceder” (en este caso una serie de ataques por un grupo de niños), el inglés James Watkins debuta al frente de las cámaras con acierto y mucho oficio. No ofrece nada nuevo (no olvida los lugares comunes, como tener a una protagonista femenina al frente de un film de terror) pero si está rodada con la soltura y tensión adecuadas que la historia necesita.

Eden Lake funciona tanto en sus escenas de terror como en sus “alivios cómicos” (esa protagonista sacándose el pincho del pie no se puede tomar en serio: fue una de las escenas que provocó aplausos entre los asistentes a la película), unos recursos que no obstante se cargan la escasa verosimilitud de la propuesta. Nuestra protagonista (una más que correcta Kelly Reilly, protagonista de mi adorada Una casa de locos) sufre la ley de Murphy: si algo puede ir mal, a ella le sale peor. Y como muestra ese final.

Ignoraremos la moralina sobre la educación de los niños porque 1) probablemente tengan razón a pesar de lo excesivo de la propuesta (cada vez que voy en el metro o en el autobús escuchando las conversaciones de chavales de once años me dan mucho miedo) y 2) la película cumple a la perfección sus objetivos: mantener en tensión por momentos pero sobre todo divertir y entretener a lo largo de sus 100 minutos. No es notable pero merece la pena.

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VI Muestra SciFi de cine fantástico

El jueves pasado, 5 de Marzo, se inauguró la VI Muestra de cine fantástico de SciFi con la proyección de Watchmen, la última película de ZachSnyderque tanta expectación ha generado desde hace meses. Este título, que encabeza un fin de semana de cine intenso, ha sido realmente el único título que podría incluirse en la categoría de ciencia ficción, ya que el resto de los films seleccionados bien podrían haber sido de una muestra de Calle 13: mayormente terror, gore y similares. Una especie de miniatura de Sitges.

A una servidora no le molesta en exceso, ya que el género lo disfruto, pero era una queja que se oía constantemente en colas y butacas. No voy a hacer hincapié en que la muestra sigue siendo algo plana, sin actividades paralelas o sin un ambiente terrorífico/scifiniano, porque ya les ha costado que hubiera muestra de por sí en estos tiempos difíciles, pero no quiero dejar pasar esta oportunidad para criticar a algunos de los asistentes.

Risas y comentarios fuera de lugar se han dado en todas las sesiones, siempre de parte de un mismo grupo de personas cuya edad mental no pasaba de los dos años. Ese tipo de comportamiento completamente inmaduro ha hecho que muchos de la sala no pudiésemos disfrutar de las películas a gusto. Invito a la organización del festival que se pongan el traje de hace años cuando los revisores llamaban la atención a aquellos que molestan a los demás e incluso les sacaban de la sala. Así se les caiga la cara de vergüenza por ser tratados como lo que son: niñatos maleducados.

Ya dejando atrás las quejas, el festival ha transcurrido sin ningún percance demasiado llamativo más allá de algunos problemas con el subtitulado de las películas. Sinceramente no se porqué en los festivales funciona de esa forma y no está ya configurado automáticamente para que no sea una persona la que tenga que ir introduciendo los subtítulos a golpe de tecla.

A su favor nos encontramos con la distribución de unas películas que bien llegarán en distribución reducida o llegarán en DVD, además de que es el único festival de cine de Madrid no dedicado a los cortos. Tampoco nos olvidamos de Leticia Dolera, la actriz española, friki confesa, que cada año se dedica a presentar la muestra cada día. Divertida y espontánea, su presencia se agradece.

La última película hace un repaso a casi todos los títulos mostradas en el festival, sirviendo esta entrada de presentación como contenedor de todas ellas (que se irá actualizando a medida que publiquemos las críticas).

Jueves

Watchmen -> LEER CRÍTICA
Ambientada en una América alternativa en los años 80, donde la Guerra Fría está en su apogeo y los superhéroes, que antes habían sido respetados, ahora son perseguidos por la ley. Un día aparece muerto uno de ellos, que trabajaba para la CIA: El comediante. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado que queda en activo, emprenderá la investigación de su muerte, que oculta algo mucho más importante de lo que parece a simple vista...

Viernes
Eden Lake ->LEER CRÍTICA
Una pareja se escapa de fin de semana romántico. Sin embargo, la tranquilidad de la pareja se verá interrumpida cuando una banda de chicos jóvenes aparezca por el lugar. Estos, como acto de rebeldía, robaran las cosas a la pareja y destrozarán su coche. Steve les hará frente pero sufrirá un violento ataque. A partir de ese momento, Jenny tratará de escapar de los críos a través del bosque...

Martyrs -> LEER CRÍTICA
Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año, es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué pasó en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

The Chaser
Joong-ho es un antiguo detective convertido en proxeneta con problemas financieros ya que varias de sus chicas recientemente han desaparecido. Al tratar de rastrearlas, descubre que todas sus chicas han sido reclutadas por un cliente que esconde una oscura obsesión. Thiller coreano que se colocó en el Top de las películas más taquilleras de la historia del país.

Sábado
20th Century Boys
Con aires de thriller, el manga estaba protagonizado por Kenji, un joven cuya hermana acaba de desaparecer y que se ve envuelto a una serie de misteriosas muertes que apuntan a una secta con delirios de dominación mundial liderada por un enigmático personaje al que llaman "Amigo".

El vagón de la muerte
La dueña de una exitosa galería de arte le propone al fotógrafo Leon Kauffman llevar a cabo un trabajo sobre la parte más oscura del ser humano. Sabiendo que ésta es su oportunidad para el éxito, Kauffman comienza una búsqueda obsesiva sobre el tema más oscuro que pueda existir, empezando a seguir los pasos de un asesino en serie llamado Mahogany

Surveillance -> LEER CRÍTICA
La historia trata sobre dos policías que intentan detener a un asesino en serie, para lo que cuentan con las declaraciones de varios testigos: una familia, una pareja de jóvenes y un par de policías, cuyas versiones difieren a la hora de explicar su encuentro con el psicópata.

Déjame entrar --> LEER CRÍTICA
Oskar, un joven tímido de 12 años, aterrorizado por unos matones, se hace amigo de Eli, una misteriosa vecina, cuya llegada coincide con una serie de misteriosas muertes. A pesar de que el joven piensa que ella es un vampiro, intenta que su amistad esté por encima de su miedo.

Domingo
Underworld 3
La enemistad a muerte de siglos estalla entre dos tribus inmortales en Underworld: La rebelión de los Licántropos. La tercera película de la saga épica de Underworld retrocede en el tiempo y cuenta el origen del conflicto entre los aristocráticos vampiros, conocidos como los “Death Dealers”, y los salvajes licántropos, una línea de feroces hombres lobos.

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La clase, tan francesa como sincera

François es un joven profesor de lengua francesa en un instituto difícil, situado en un barrio conflictivo. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años. No duda en enfrentarse a Esmeralda, a Souleymane, a Khoumba y a los demás en estimulantes batallas verbales, como si la lengua estuviera en juego. Pero el aprendizaje de la democracia puede implicar auténticos riesgos durante un curso académico. De esto trata La clase, la muy estimable película de Laurent Cantet que ha devuelto por primera vez en más de veinte años la ansiada Palma de Oro de Cannes a Francia.


Sólo en nuestro país vecino - y esto está dicho como un halago, no como una crítica - puede triunfar una película tan atípica como ésta, que habla de todo mientras parece que no habla de nada. Desde un tono más propio de cinta documental y presentada como si de un partido de tenis se tratase, asistimos al anti El club de los poetas muertos (por poner un ejemplo de la clásica película de profesores a la que nos solemos enfrentar): no hay efectismos ni falsos desarrollos dramáticos, ni un heróico profesor dipuesto a salvar las necesitadas vidas de los alumnos. Le falta el impacto y la emotividad de aquella y se excede en el metraje, pero no por ello podemos olvidar que estamos ante una propuesta tan arriesgada como interesante.

La clase es una película que desprende verdad, demasiada verdad probablemente, lo que alejará a buena parte del público acostumbrado a otra cosa o que acude a las salas con ganas de desconectar el cerebro y encontrar una historia más blanca, más para todos los públicos. La apuesta deliberada del director por optar por un reparto de actores no profesionales (con un excelente François Begadeau a la cabeza, autor del libro en el que se basa la película) y el poso y ritmo que aquel deja en las escenas acaban provocando en el espectador una sensación absoluta de honestidad y realismo ante lo que uno está viendo.


La película de Laurent Cauntet pertenece a ese grupo de obras que, sin ofrecer más respuestas que aquellas que el espectador quiera desarrolllar en su cabeza, plantean una serie de interesantes preguntas sobre un espinoso tema de la sociedad (la explicación del fracaso escolar los límites de la autoridad de los profesores, el verdadero papel de los colegios en la educación de los niños)

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