Las protagonistas de los Oscar 2011 en un párrafo (y III)

A unas pocas horas de que se entreguen los premios Oscar de este año, acabo con mi repaso a las protagonistas de 2011.

Hugo inmediatamente ha pasado a un lugar especial en mi imaginario cinematográfico. Hay que ser sinceros, el guión es algo inconstante y flojo a ratos, y se nota que se ha dejado llevar por el homenaje, el preciosismo y la magia de unos personajes, situaciones y escenarios muy de fábula infantil. Ese toque de amor por el cine, de homenaje a Méliés y los pioneros del séptimo arte se ve complementado por un ejercicio visual fascinante. La dirección artística y la dirección de Scorsese, con una puesta en escena y profundidad de campo absolutamente maravillosas, hacen de Hugo una experiencia inolvidable. Y el mejor 3D que he visto en una película de imagen real. Yo le daba el Oscar a Martin. Todos sabemos que no va a pasar. Menos mal que se va a quedar con muchos de los técnicos.

 

My Week With Marilyn es una de esas historias amables que se disfrutan con una sonrisa en los labios. Dentro de su esencia dramática, consigue introducir cierto punto cómico tanto a las situaciones como al personaje de Marilyn que le sienta muy bien a la historia. Este está siendo un año muy meta, todo hay que decirlo, y en este caso las tramas aprovechan para introducir guiños sobre el funcionamiento de la industria en aquellos años. My Week With Marilyn construye muy bien el personaje que quiere que conozcamos y Michelle Williams se impone a cualquier caracterización para hacer suyo al personaje y darle gran número de matices. De las nominadas, sería mi ganadora de este año.

A la prensa cinematográfica española se le llena la boca cada vez que tenemos algo en los Oscar y este año deben hacerlo con orgullo (siempre y cuando no metan a Midnight in Paris en el saco, que alguno ya se ha atrevido). Chico y Rita me sorprendió gratamente. Es también un homenaje a esas grandes historias de amor imposibles y trágicas del cine clásico, una oda a un estilo musical y al mundo del espectáculo en Estados Unidos, con una animación algo austera pero que poco a poco coge cuerpo. A destacar la iluminación. No sólo no me extraña la nominación sino que no me extrañaría que diese la sorpresa y se impusiese a Rango. Teniendo en cuenta la edad de los académicos, esta producción de Fernando Trueba encaja mucho mejor con el perfil.

No quiero alargar mucho más este repaso a las protagonistas de los Oscar. Como ya he comentado alguna de las categorías a la vez que repasaba las películas, aprovecho para comentar algunas cosas que me he dejado en el tintero en unos pocos párrafos.

He hablado de todos los intérpretes masculinos menos de dos: Damián Bichir, del que nada puedo decir porque no he tenido ocasión de ver A Better Life, y Gary Oldman. Para mí, lo mejor de Tinker Taylor Soldier Spy no es su guión adaptado (que me parece un despropósito) ni la demasiado contenida actuación de Oldman, lejos de ser la mejor de su carrera como muchos afirman. Lo mejor es la banda sonora del compositor patrio Alberto Iglesias. Con eso lo digo todo. Ya dije que este premio, en alma, era para Michael Fassbender.

De las chicas poco más puedo decir. Me quedaría hablar de Albert Nobbs, un drama de época que no pasa de correcto, que no sabe equilibrar sus dos tramas y tira por la borda un personaje interesante que tiene algunos momentos puntuales muy emotivos y mágicos. Charlize Theron o las dos chicas de Melancholia merecían antes su puesto entre las nominadas.

¿Guiones? Los ganadores están claros. ¿Qué prefiero? En caso de sorpresa y Midnight in Paris no se lleve el guión original, me quedaría con Bridesmaids. En caso de que haya cordura y no le den el adaptado a The Descendants, me costaría elegir entre unas candidatas bastante flojas. Me quedaría con Moneyball.

Begginners es una de esas historias de personajes muy real, con alma y sentimiento que merecía más atención en otras categorías. Habrá que conformarse con el merecidísimo galardón que se llevará Christopher Plummer.

La mejor película de habla no inglesa está muy clara. No he tenido ocasión de ver el resto de las nominadas, pero otras de las que optaban a la nominación como ¿Y ahora adónde vamos? o Le Havre me parecían ya mucho más merecedoras que Nader y Simin. Se que estoy muy sola en esto.

Si la dirección de arte no va para Hugo, será un robo. Ya que han dejado fuera a Desplat a pesar de maravillas como su banda sonora de Extremely Loud, Incredibly Close o (sobretodo) la segunda parte de la última entrega de Harry Potter, hay grandes nominadas este año. Cualquiera es merecedora pero tiraré para John Williams, que ha estado especialmente inspirado con sus dos creaciones de este año, ambas nominadas.

Muchas cosas se quedan en el tintero, pero ya está bien por ahora. Mañana las web se llenarán de ganadores, perdedores, películas con las manos vacías, críticas y halagos a la gala… Ya veremos si nosotros nos uniremos a esa vorágine Oscarera de el día después. Hasta entonces, disfrutar de LA NOCHE del cine :)  

Más:  
Las protagonistas de los Oscar 2011 en un párrafo (I)
Las protagonistas de los Oscar 2011 en un párrafo (II)

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El espectáculo visual de Immortals.

Immortals adapta de una forma libre algunos mitos de la Grecia Antígua con este enfrentamiento entre el rey Hyperion y Teseo, mortal que cuenta con la bendición de los dioses del olimpo e intentará detenerle antes de que se haga con el arco de Epirus y libere a los Titanes.

Henry Cavill, quien pronto será el nuevo Superman, lidera esta historia capitaneada por Tarsem Singh. Singh será un director controvertido, pero si una cosa ha demostrado con sus anteriores producciones es que es un virtuoso de la dirección artística y la puesta en escena.

En Immortals, vuelve a hacer gala de este talento. Con una textura similar a la que vimos en 300, Singh se aleja del aspecto comiquero y aprovecha el mundo del croma para ofrecernos unos paisajes apabullantes envueltos en una atmósfera mística que tan bien sienta a la historia. Aprovecha la profundidad de campo y una puesta en escena que cuida al máximo el segundo plano para combinarlas con el 3D y regalarnos esa espectacularidad visual. La fotografía, el uso del color y el diseño de vestuario añaden muchos puntos al resultado final.

Desgraciadamente, el aspecto técnico está acompañado de un guión simplemente aceptable y volvemos a entrar en una historia que coloca la acción y el efectismo por encima de cualquier conflicto interesante o medianamente profundo. Pero no hay que alarmarse, la historia es correcta y lo suficientemente entretenida para que lo visual haga el resto. No es otro Furia de Titanes.

Instrucciones de uso: He leído muchos comentarios que la comparan con 300. Aunque la estética puede recordar a aquella maravilla de Zack Snyder, no comparte ni tono ni realización. Bueno, quizá la sangraza digital y cierto uso de la cámara lenta sí, pero no demasiado. 

En definitiva, Immortals es una película para disfrutar en modo palomitero, dejarse llevar por lo visual y espectacular con el plus de los cuerpos serranos griegos de sus protagonistas. La película se estrena mañana viernes 23 de diciembre. Os dejo con el trailer.

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Las fantasmadas disfrutables de una saga de Misiones Imposibles

Lo reconozco: soy fan de la saga Misión Imposible. La culpa la tiene su primera entrega: Película de espías y acción impecable, con dobles, tecnología imposible y misiones suicidas todo agitado con un ritmo excelente.

Diez años después nos llegó Mission: Impossible III de la mano de J.J. Abrams y los guionistas habituales de Bad Robot. Espera, ¿Qué? ¿Qué segunda entrega? Ah, ¿esa bazofia infame de guión vergonzoso y fantasmadas mal entendidas? En lo que a mí respecta, Missión: Impossible es una trilogía. El regreso de Ethan Hunt en 2006 nos quitó el mal sabor de boca de esa cosa de John Who, resultando una buena cinta de acción que recuperaba los mejores y más característicos elementos de la saga.

Este viernes se estrena Protocolo Fantasma, un nuevo capítulo que recupera a Tom Cruise como héroe absoluto acompañado de nuevo por Simon Pegg y de los recién reclutados Jeremy Renner y Paula Patton. Todos actúan bajo a las órdenes de Brad Bird, director de la gran Ratatuille entre otras, que ha demostrado tener talento más allá de la animación.  

Misión Imposible: Protocolo fantasma tiene dos caras. En cuanto a espectáculo y frenetismo cinematográfico bien entendidos, supera con creces a su predecesora. Sin embargo, está notablemente falta de alguno de los recursos más divertidos e interesantes de la saga, todo ese mundo de espías y giros drásticos de guión. Esta nueva misión de Hunt se abandona a la acción más pura, dando unos episodios trepidantes como todo el arranque en Rusia y, sobretodo, la misión en Dubai. ¡Qué fantástico es encontrarse con esa acción que te hace sufrir con cada golpe que recibe Tom o cada vez que está volando por los aires con algo de esa loca tecnología avanzada.

Instrucciones de uso: Si no disfrutas con la espectacularidad de secuencias pasadas de rosca, si buscas profundidad dramática o verosimilitud, no entrarás en las reglas del juego y, probablemente, no te gustará.

La cuarta (o tercera, ya sabéis) entrega de las Misiones Imposibles no es redonda. Tras el frenetismo de la primera hora y cuarto, la misión en India se hace algo tediosa pero recupera el ritmo una vez vuelve la acción de verdad a estar sobrela mesa. Altamente recomendable para los que quieran disfrutar de una buena cinta de acción. Se estrena en España este viernes 16 de Diciembre.

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Déjate arrastrar por la Melancolía.

Lo reconozco: me gusta Lars Von Trier. Es un director que sabe castigar al espectador y transmitir todo tipo de sentimientos a la vez que tortura a sus protagonistas, generalmente femeninas. Tras Anticristo, estaba algo desencantada con un director que tanto me había emocionado con títulos anteriores pero ese no es más que un borrón en una carrera brillante en la que Melancholía conquista un puesto privilegiado.

Melancholia tiene dos grandes partes diferenciadas. En una encontramos a una sutil y estupenda Kristen Dunst, una joven que celebra su reciente matrimonio junto a su familia en un gran caserón. Justine es depresiva y, por mucho que lo intenta, le es difícil negar su naturaleza. En la segunda parte nos encontramos con Clare, magnífica Charlotte Gainsbourg, la hermana de Justin que trata de lidiar con ella a la vez que intenta ignorar que hay un planeta que se acerca a la tierra amenazante con chocar contra ella y acabar con toda vida.

Al igual que comentaba con Another Earh, Lars Von Trier usa aquí el elemento fantástico como metáfora para explicar y condicionar los sentimientos de sus dos protagonistas. También comparando con otra maravilla reciente, El árbol de la vida, Melancolía cuenta sentimientos, sensaciones y conceptos abstractos y consigue transmitirlos con la estética, la fotografía, las sutilezas de sus actrices y el recurso de la ciencia ficción.

Instrucciones de uso: Von Trier recurre aquí a un ritmo pausado y contemplativo que combina con un tono intenso y dramático. Es una de esas películas que hay que saber lo que uno va a ver e ir con el humor adecuado. 

Melancolía atrapa desde sus magistrales y polémicos primeros minutos y mantiene al espectador anclado en un relato rebosante de detalles, momentos especiales y metáforas que son capaces de resumir un sentimiento con un gesto o una historia con una secuencia. Esa limusina atascada en el camino al arranque del film es un claro ejemplo de esto último. Se estrena hoy mismo 4 de Noviembre.

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Verbo: La importancia del tono.

Tras varios cortometrajes, Eduardo Chapero-Jackson se ha estrenado en el mundo de los largos con Verbo, una historia sobre una joven adolescente que se siente sola e incomprendida ante el mundo que le rodea y decide poner fin a todo. Pero hay alguien ahí fuera que llama su atención, Líriko, un hombre que hará lo que esté en su mano para evitarlo.

La idea de Verbo era buena: crea una mitología en torno a ese mundo del suicidio. Aprovecha los motivos que llevan a ello y las razones o pensamientos que pueden llevar a alguien a superar ese bache. Sin embargo, este planteamiento se abandona absolutamente al servicio de un tono para adolescentes intensos con excesiva y obvia moralina.

Asumiendo que esta aproximación a la historia es completamente consciente y comercialmente comprensible, esta producción de estreno tardío (lleva año y medio en el cajón) tiene numerosos tropiezos en su intento de ser moderna y joven. La estética es resultona aunque obvia y ese envoltorio medio rapero resulta impostado en muchas ocasiones, algo a lo que no ayudan los diálogos en rima generalmente risibles.

Instrucciones de uso: Es obvio que no soy el público y no me extrañaría ver que este título patrio triunfase entre esa población adolescente similar a su protagonista al igual que han lo conseguido vampiros y hombres lobo intensos de la saga Crepúsculo. 

Evaluando ya independientemente del tono, el arranque de la historia es extremadamente lento y la expectativa que genera en un inicio se va esfumando poco a poco hasta convertirse en impaciencia tras más de media hora de introducción.

Verbo probablemente sea una película más que válida para el público al que está dirigida, pero carece de cualquier intento de resistirse a abandonarse a los efectismos, moralismos y dramatismos propios de ese universo para otorgarle a la película algún valor añadido. Se estrena mañana 4 de Noviembre.

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La correcta guerra de los botones

En 2004, Christophe Barratier me regaló esa fábula encantadora que es Los Chicos del Coro, cuya banda sonora tarareo y chapurreo a pesar de no saber más frances que el típico Voulez-vous coucher avec moi ce soir. Es por eso que, cuando Sensacine me invitó al visionado de su nueva película, adaptación de la novela de Louis Pergaud, no me lo pensé dos veces.

La nouvelle guerre des boutons nos lleva a un pequeño pueblo francés en 1944 donde, mientras la segunda Guerra Mundial sacude el mundo, los niños de la zona libran su propia batalla con un pueblo vecino. Con este planteamiento, Barratier introduce más elementos en el juego que van desde una niña judía huyendo de los nazis hasta revoluciones ocultas en la sombra.

La guerra de los botones es una historia entrañable, protagonizada por niños que parecen una versión a medio gas de aquellos coristas, que comienza como una fábula infantil de aventuras pero se pierde en su intento de reflexionar sobre algunos aspectos que el entorno histórico pone sobre la mesa. Estas dos líneas no convergen de forma natural ni satisfactoria, las secuencias de los adultos ni cuadran ni interesan y el resultado final es una desconexión total de todo lo que ocurre en la película.

Instrucciones de uso: A pesar de todo, lo nuevo del francés es entretenido y tiene algún punto cómico que provocó risas en la sala. Aunque fallida en sus pretensiones, no deja de ser un título correcto que se deja ver.

En el reparto destacan caras conocidas del cine francés como el últimamente multiempleado y polifacético Guillaume Canet, directo de Pequeñas mentiras sin importancia y actor en El Caso Farewell, ese título de 2009 que ha tardado dos años en llegar a España. También encontramos a Kad Merad y Gérard Jugnot, ambos en Los Chicos del Coro, o la aparición fugaz de Laetitia Casta.

La guerra de los botones es uno de esos títulos que caminan en el limbo del “sin más”. Una película lo suficientemente entretenida para que se deje ver y lo suficientemente insípida para resultar olvidable. Se estrena en España el viernes 11 de Noviembre. Aquí os dejo el trailer en Español (que casi me sangran los oidos al oír como han doblado a la niña).

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[44 ed. Sitges] ¿Podrás volver a dormir tranquilo?

Los psicokillers han dado mucho juego en la historia del cine. En Mientras Duermes, Jaume Balagueró no teme inspirarse en grandes perturbados como Norman Bates o Hannibal Lecter a la vez que inyecta personalidad en fondo y forma a este sobresaliente thriller psicológico.

Luis Tosar es César, un portero de edificio servicial y educado por el día y meticuloso y frío acosador por la noche. Clara, Marta Etura, vive en uno de los apartamentos del bloque sin darse cuenta del escrutinio que César hace de su vida, aunque ella no es la única víctima de los actos retorcidos del portero.

Tras disfrutar de títulos como [REC] o Para entrar a vivir, Balagueró me sorprende con este oscuro, íntimo e inquietante thriller psicológico en el que el espectador camina de la mano de un personaje perturbador y magnético a la vez. Huyendo del abuso de sobresaltos, de música tramposa y de clímax forzados, el guión se esfuerza en atraparnos en la tensión constante que resulta del permanente peligro a ser descubierto y de la angustia que provocan los actos del protagonista. Ese suspense que nace en los primeros minutos de metraje va creciendo, lento pero seguro, sin desperdiciar el nerviosismo del espectador que, cuando llegan los escasos pero intensos puntos álgidos de la historia, tiene tanta inquietud acumulada que lo vive con gran excitación.

A este nivel de tensión hay que sumarle esa dualidad tan complicada de manejar en la que se encuentra una audiencia por un lado consciente de la maldad de César y por otro inclinada hacia ese hombre al que han ido acompañando durante toda la película. Empatizar con el antagonista siempre es divertido.

Instrucciones de uso: Mientras duermes juega con un suspense muy sutil que surge lentamente de la naturaleza enfermiza de los actos del protagonista, por lo tanto se aleja de otros psicokillers más agresivos como podría ser Freddy Kruger.

Mientras Duermes ha sido uno sin duda uno de los mejores títulos que he podido disfrutar en el Festival de Sitges, un thriller fantástico y muy distinto a lo que estamos acostumbrados a encontrarnos últimamente en este género, sobretodo entre las producciones patrias. Se estrena hoy mismo, 14 de Octubre. No volveréis a ir a la cama tranquilos sin mirar antes debajo de la cama.

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[59 ed. SS] La receta (casi) perfecta de Nadine Labaki

"Nadie sabe nada" es una de las grandes máximas de la industria del cine. Sólo unos pocos elegidos tienen la receta perfecta para enamorar a las audiencias con películas que facilmente reciben la etiqueta de fáciles y populistas.... pero, si son sencillas, ¿por qué es tan difícil conseguir una película que guste a todo el mundo? Con la maravillosa dramedia Y ahora, ¿adónde vamos? la todo-en-uno Nadine Labaki (directora, productora, guionista, actriz) entra definitivamente en ese grupo de elegidos que saben qué es lo que le gusta al público y no tiene problema alguno en dárselo.... por mucho que en ocasiones pueda acabar con uno de estos realizadores haciendo concesiones a la platea que traicionan algunos de los planteamientos y ambiciones artísiticas que podrían alcanzar si no estuviesen tan desesperados por alcanzar la aprobación del público.

La populista propuesta de Labaki presenta un ambicioso punto de partida: la lucha de un grupo de mujeres por evitar que sus maridos e hijos echen su vida a perder por un lamentable conflicto religioso (entre cristianos y musulmanes) que se les escapa pero que acaba con muchos de ellos bajo tierra. Con una premisa como esta, cualquiera podría esperar una película intensa y densa... pero el desarrollo de la historia va por un camino muy distinto. A través del realismo mágico, la comedia, el drama más oportunisma o incluso varias secuencias musicales (la única parte que me cojea en toda la película), se nos presenta de un modo muy inteligente y al mismo tiempo muy ameno, digerible y ocasionalmente fascinante un conflicto que marca a la sociedad libanesa en particular y la oriental en general: la religión.

Instrucciones de uso: Es momento de dejar los prejuicios en casa y acudir a las salas para darnos cuenta de que hay más cine popular (y populista) más allá de las fronteras del blockbusters. Labaki demuestra en su nueva película que no hay que dejar de lado al público para contar historias ambiciosas y con trasfondo. Una película mágica.

La cineasta libanesa se ha quedado en su segunda participación en el festival donostiarra (su casa, como ella ha manifestado en varias ocasiones ya) a las puertas de repetir el premio de la audiencia que ya consiguió con Caramel. No obstante, el máximo galardón conseguido por ¿Y ahora dónde vamos? en el cada vez más importante y clave festival de Toronto (sus tres últimas ganadoras optaron al Oscar a mejor película, dos lo ganaron) consagra a la cinta de Labaki como una de las películas clave de los próximos meses y una favorita en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.



La magia del cine permite que, en ocasiones, conectemos con el universo y la forma de contar historias de cineastas que son capaces de convertir conflictos locales y personales en historias universales con las que todos podamos identificarnos. Nadine Labaki es una de esas cineastas. ¿Y ahora dónde vamos? es una película imperfecta, pero se siente, se vive y se contagia. Imprescindible.

Alta Films estrenará ¿Y ahora dónde vamos? en España el próximo 13 de enero.

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[44 ed. Sitges] Explorando nuestra Otra Tierra...

Another Earth llega a Sitges tras triunfar en el festival de Sundance, donde fue galardonada con el premio Alfred P. Sloan y la mención especial del jurado en el apartado de ficción. En ella conocemos a Rhoda y John, dos personas perdidas que comparten un suceso trágico que les afecta de forma muy distinta. Al mismo tiempo, aparece en el cielo una nueva tierra que parece ser un espejo de la nuestra.

Mike Cahill escribe junto a Brit Marling (quien también interpreta el papel principal) una historia de tragedias y culpas donde la ciencia ficción sirve como metáfora indispensable para comprender y acompañar a los personajes en su camino de redención y superación. Esa tierra espejo pesa sobre ambos protagonistas, que se preguntan si sus otros yo habrán sufrido el mismo destino que ellos. El propio Cahill hacía referencia a La doble vida de Verónica como una de sus inspiraciones y referentes para esta película.

Al igual que contaba Vigalondo en San Sebastián a raíz de Extraterrestre (podéis escuchar un corte en el especial Donostia de Esta peli ya la he visto), el realizador estadounidense concibe la ciencia ficción como un vehículo para narrar otro tipo de historias y, como en este caso, complementarlas y completarlas.

Intrucciones de uso: En esta producción independiente, el fondo escapa al muy bajo presupuesto, algo que la forma no puede, por lo que es intimista y pausada. Personalmente disfruto mucho con este estilo de narrar pero, ya que el trailer oficial vende algo considerablemente distinto a lo que luego os encontraréis al ver la película, he considerado adecuado hacer la aclaración.

Además de un guión repleto de detalles, referencias y metáforas, destacan el uso de una música electrónica y melancólica que, junto a una fotografía que juega con el frío y el calor, acompañan al tono desconsolado y triste de una historia en la que es otra tierra la que ofrece un atisbo de esperanza.

En el siguiente vídeo de la rueda de prensa en Sitges, Mike Cahill habla de la simbología en la secuencia de la sierra musical, el uso de la música para reforzar conceptos y cómo el aspecto visual va evolucionando a la vez que los personajes.

Another Earth pone sobre la mesa la tristeza de la pérdida, el rechazo a la autoindulgencia y la superación como resultado de una ecuación matemática de los miedos y traumas de dos personas.

PD: Tras San Sebastián, ahora estoy a tiempo completo en el Festival internacional de cine fantástico de Sitges. No temáis, más críticas de las películas vistas en ambos festivales están por venir… Sólo necesito tiempo.

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[59 ed. SS] Mayordomos, sectas y mujeres coraje.

Aquí sigo en el lluvioso San Sebastián que tanto echaba de menos y hoy toca repaso rápido a las proyecciones de un ajetreado segundo día. Además de las películas, estoy asistiendo a ruedas de prensa, encuentros y entrevistas que también tengo pensado aprovechar para hacer algunos post donde exprima lo más interesante.

Amen

Tras Hierro 3 y Primavera, verano, otoño, invierno, esperaba con ciertas ganas el nuevo título de Kim Ki-Duk, que ha resultado ser una broma pesada de un director que ni siquiera ha tratado de ocultarlo durante la rueda de prensa, en la que afirmó que sólo quería demostrar que cualquiera puede hacer una película con presupuesto 0. Amen sigue a una chica coreana que viaja a Europa en busca de otra persona y acaba sufriendo numerosas e interminables penurias que mantienen impasible a una actriz demasiado contenida para las circunstancias. El realizador Coreano utiliza para su burla recursos del cineasta Indie amateur como el tan molesto uso nulo de la elipsis. La historia pierde el norte, no aporta nada y pone la guinda con un final tan irritante como pretencioso. 70 minutos insufribles.

Et maintenant on va ou?

Qué delicia es ver una película como ésta. Nadine Labaki vuelve al festival de San Sebastián tras triunfar hace unos años con Caramel. Esta vez, Labaki nos habla del absurdo de los conflictos religiosos a través del grupo de mujeres de un pequeño pueblo libanés en el que recientemente han hallado la paz y conviven felizmente cristianos y musulmanes. La historia no se pierde en demagogias sino que se deja llevar por un tono amable y la convierte en una fábula entrañable, cómica y cercana pero tampoco prescinde de algún que otro momento dramático e incisivo. Et Maintenant on va oú es un gran ejemplo de por qué disfruto cada año de un festival en el que se pueden ver grandes películas que hablan de cosas importantes e internacionales de una forma accesible para todo el mundo. Esperemos que tras ganar el premio del público en el festival de Toronto, y estando a punto de ganar el de Donostia, podamos ver esta maravilla de Nadine Labaki en algunas salas españolas.

Albert nobbs

Glenn Close, premio Donostia de este año, presenta su nueva película en la que vuelve a trabajar con Rodrigo García. La actriz vuelve a ponerse en la piel de Albert Nobbs treinta años después y resulta sin duda lo mejor de este recto drama inglés de época. Sorprende esta sobriedad en Rodrigo García, un director acostumbrado a entregar visiones intimistas de sus personajes (In Treatment, Cosas que diría con solo mirarla) y que sólo se entrega a este estilo en los momentos más personales del personaje protagonista. La historia Nobbs conecta con el espectador desde el primer momento y mantiene el interés durante todo el metraje, ofreciendo momentos realmente emotivos. Sin embargo, la historia de los dos jóvenes es culebronesca, aburrida y

Martha Marcy May Marlene

Una joven es embaucada y entra a formar parte de una secta que le inculca sus propios valores morales y la forma de percibir la existencia. La película nos muestra cómo acepta de forma natural estos cuestionables valores y cómo le afectan una vez escapa de esa vida. ¿Cómo puede encajar en una sociedad de valores encorsetados? ¿Estamos nosotros en la posición de juzgar su forma de ver la vida cuando la nuestra propia tiene multitud de defectos? La ópera prima de Sean Durkin quiere reflexionar sobre todo esto desde el punto de vista de una confusa Martha pero se pierde en sus propios formalismos visuales de drama intimista y el rimo pausado dejando escapar todas las posibilidades del planteamiento. Lo que vemos en la película fácilmente se podría haber concentrado en menos metraje y haber explorado más los orígenes y consecuencias del trauma del personaje estupendamente interpretado por Elizabeth Olsen.

Little Odessa

Para estrenar la retrospectiva de cine americano del festival, decidí hacerlo con esta película de 1994 de James Gray. Tenía pendiente este título y, además de acordarme de que Eduard Furlong existía, ha sido una grata sorpresa dentro de un género en el que unos pocos afortunados son capaces de destacar. Little Odessa, más que otra cosa, es un drama familiar negro en el que los conflictos mafiosos son sólo una excusa para estructurar la trágica historia de los Shapira, la ausencia de cohesión, la búsqueda de esa conexión y del orgullo de aquellos que comparten tu sangre. Un film que todo amante del género no debe menospreciar.

Nos vemos en el próximo repaso. No me tengáis muy en cuenta el retraso, estoy viendo 5 y 6 pelis diarias :P

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[59 ed. SS] Intrusos, árboles y malvados.

Como cada año, he asistido al Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Bueno, corrijo, estoy asistiendo. En tres días estoy ya cerca de las veinte películas y el ritmo de proyecciones, pases de prensa, entrevistas y encuentros con los directores y actores está impidiendo que tenga tiempo de pisar la sala de prensa para escribir unas líneas.

Por no dejar a ciegas el blog hasta que disponga del tiempo suficiente para escribir críticas con propiedad, he decidido hacer unos repaso rápido a lo visto cada día. Comienzo con las películas del viernes 16.

Intruders
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Juan Carlos Fresnadillo presenta su nueva película e inaugura una de las ediciones con más variedad de géneros de los últimos años. Aunque el drama familiar es interesante, el guión no aprovecha el fondo que tiene la historia, lo profundo del secreto y el origen de lo sobrenatural de la historia. Todos estos elementos ceden terreno al terreno al thriller psicológico que sí que aprovecha las posibilidades de generar tensión en el espectador. Intruders se queda en algo correcto muy lejos de los excelentes trabajos anteriores del director.

The Tree of life
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En este caso, mi idolatrado Terrence Mallick no decepciona y nos regala una absoluta maravilla visual y conceptual en El árbol de la vida. Mallick sigue fiel a su estilo y forma de narrar las historias, tomándose así su tiempo para exponer las ideas sobre las que reflexiona recreándo al espectador con poesía, metáforas, verdades y pensamientos mediante imágenes que transmiten a la perfección sensaciones, sentimientos y una atmósfera melancólica y, a la vez, esperanzadora. Mallick reflexiona sobre la vida, la fe, la infancia, la muerte y lo que nos convierte en lo que somos. Impresionantes los primeros 40 minutos, la banda sonora de Alexandre Desplat y una fotografía aferrada a un ocaso permanente.

No habrá paz para los malvados
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Enrique Urbizu se atreve de nuevo con el cine de género. Con una narrativa visual excelente que tapa algunas (no todas) grietas de guión, esta vez se atreve con una mezcla de cine negro y western que resulta refrescante en el panorama nacional. José Coronado está magnífico, creerlo, en la piel de un antihéroe hundido que provoca un maremágnum de investigaciones, asesinatos y burocracias durante una borrachera. Aunque el resultado final es satisfactorio y la historia tiene buen ritmo, el desarrollo del caso es bastante torpe en su tramo intermedio y desconecta al espectador. Elena Miquel, protagonista femenina de la cinta, está muy plana en un personaje que podría haber dado mucho más. Con todo, No habrá paz para los malvados es cine patrio de lo más recomendable.

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Con derecho a roce (y unas cuantas sonrisas)

Truman Capote e Infamous. Armageddon y Deep Impact. Silverado y Wyatt Earp. Volcano y Un pueblo llamado Dante's Peak. Todas estas producciones tienen algo en común: sólo un puñado de meses ha separado el estreno de dos películas con una temática en común. Antes de que el próximo año veamos hasta ¡¡tres!! revisiones del cuento de Blancanieves y los Siete Enanitos, ya tenemos el díptico romántico del 2010: las comedias románticas, presumiblemente ácidas y divertidas, Sin compromiso y Con derecho a roce, rom-com que aqui nos ocupa. Justin Timberlake y Mila Kunis, secundarios de lujo de las dos mejores películas del pasado año (La red social y Cisne Negro), son sus atractivos protagonistas.

La evolución de las relaciones sociales, concretamente las sentimentales, ocupan el centro de esta comedia romántico - sexual. Se agradece que dejen de lado las patochadas que han caracterizado las películas más recientes de actrices como Katherine Heigl o Kate Hudson, pero lo cierto es que Con derecho a roce aborda, con menos éxito, la complicada línea que separa la amistad del sexo que tan brillantemente trazaba hace veinte años Cuando Harry encontró a Sally. Han pasado veinte años desde que se estrenase la comedia de Rob Reiner, pero pocas películas del género rozan el nivel de una divertidísima cinta que funcionaría como presagio de las relaciones personales en el cambio de siglo.

Sin olvidar que estas películas son mucho menos rompedoras y originales de lo que quieren hacer creer al público, Con derecho a roce entretiene y logra sacar más de una carcajada en sus acertados dos primeros actos. Cultura pop, sensualidad y chistes muy de nuestro tiempo (y no en el mal sentido del término, un buen ejemplo son los chistes de las aplicaciones de los smartphones que aparecen en la película) se dan de la mano en un conjunto que se queda por debajo de la anterior película del director y coguionista Will Gluck. Su Rumores y Mentiras , la película que reveló a la estupenda Emma Stone, es más redonda y divertida, pero la película de Kunis y Timberlake (que demuestran una química bastante correcta como pareja) es muy efectiva a pesar de sus tópicos, los inevitables protagonistas del previsible acto final de la historia. Conociendo el género como nos lo conocemos, no esperábamos otra cosa... pero qué gusto da llevarse una agradable sopresa, ¿no? Pues no es el caso.

Instrucciones de uso: No apta para aquellos que esperan algo más complejo, profundo y ambicioso del cine romántico (Beginners y 500 días juntos son dos ejemplos recientes), Con derecho a roce se eleva ligeramente por encima de la media del maltrecho cine romántico. Una buena química en pantalla de la pareja protagonista y una cantidad suficiente de gags cubrirán las necesidades y aspiraciones de los fanáticos del género.

Los más cínicos tienen por delante un producto que en cierto modo se queda a medio camino de lo que promete, pero que definitivamente funciona mejor que su rival y predecesora Sin Compromiso. Se esperaba algo más del nuevo trabajo de Gluck, no obstante.

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Saltando al vacío de la mano de un genio

"Dejad descansar la película una noche en vuestra cabeza. Es todo lo que pido". Son palabras salidas de la boca de Pedro Almodóvar poco antes del pase de prensa de la película nº 18 del más fascinante director y guionista que ha dado el cine español para quien esto escribe. Filias y fobias al margen, La piel que habito supone una huída hacia adelante en la filmografía de un cineasta que, sin renunciar a momentos esporádicos más lúdicos y ligeros, está determinado a abrazar la oscuridad en sus historias. No deja de ser curioso que el cineasta se enfrente al fondo más perturbador e incómodo de su carrera desde la puesta en escena más luminosa y sencilla, una maravillosa dirección de fotografía de José Luis Alcaine (su socio en películas como Volver o Mujeres al borde de un ataque de nervios) que fue reconocida en el último festival de Cannes.

Por segunda vez en su carrera (la primera fue la irregular Carne Trémula), Almodóvar se lanza a adaptar muy libremente un material ajeno. La muy negra Tarántala, del novelista francés Thierry Jonquet, da una serie de ingredientes tan interesantes como potencialmente incómodos (locura, cirugía estética, venganza, sexo y obsesión) que acaban convirtiendo a la película en un thriller con toques de terror psicológico y melodrama made in Almodóvar que no lo tendrá particularmente fácil para convencer ni a los más férreos seguidores del director de Todo sobre mi madre ni a los clásicos detractores que periódica y erroneamente le acusan hacer una y otra vez la misma película. Con La piel que habito queda claro que no es el caso.

En unos tiempos en los que el cine de terror y el thriller no atraviesa precisamente por su mejor momento, Almodóvar ofrece un vuelta de tuerca tan perturbura como contenida, tan elegante como retorcida, tan interesante como compleja. Desde el más ambiguo e irreal (que no inveresímil) de los entornos, La piel que habito presenta una serie de giros rocambolescos, fascinantes y entretenidos que derivan en lo que algunos han denominado el mejor truco final desde El sexto sentido. Estamos ante una película que puede pecar de excesiva, pero a la que jamás se le puede acusar de aburrida..... y también sería divertida si no fuese por ese giro que termina por provocarnos un nudo en el estómago (si no eres de los espectadores que se han salido del relato ante lo extremo e incómodo de la propusta), una de esas revelaciones que se merecen una alerta de spoilers como una casa. Podéis escuchar cuantas opiniones de las películas queráis, pero por favor, que no os la cuenten.

Instrucciones de uso: No dejes que te estropeen los giros argumentales, libérate de prejuicios y vete a un cine a ver el primer experimento con el terror y el thriller psicológico del más internacional y ambicioso de nuestros directores. Hará las delicias de los fans del cine sugerente, atrevido y provocador dispuestos a olvidar algún que otro pecado argumental.

Agradecido y emocionado debe estar Antonio Banderas con su primer trabajo con Almodóvar en más de veinte años: Robert Ledgard, un vengativo y repugante cirujano sin límites que, curiosamente, saca del malagueño la más contenida y carismática de sus interpretaciones en al menos diez años. La frialdad del protagonista de ¡Átame! o La ley del deseo contrasta con la espectacular belleza y poderío de una Elena Anaya que hereda el papel protagonista de una Penélope Cruz que no pudo protagonizar la película por problemas de agenda. Consciente de estar ante una oportunidad única, la musa de Medem está a la altura de la etiqueta chica Almodóvar y compone un personaje icónico, difícil y muy muy sugerente. Sin apoderarse la película pero cumpliendo con su trabajo con nota, están Jan Cornet y Blanca Suárez, jóvenes intérpretes que cubren las expectativas donde otros fracasaron (Liberto Rabal o Rubén Ochandiano siendo los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza). En un papel muy presente aunque un tanto desdibujado Marisa Paredes (inolvidable Huma Rojo o Leo Macías) está a la altura de lo que se espera de ella en su sexta colaboración con el director.


El que no hace ningún favor a la película es Roberto Álamo y, sobre todo, su personaje en uno de esos clásicos excesos almodovarianos que tan para atrás echan a los críticos del cineasta. Ni Álamo hace un buen trabajo (lo que resulta sorprendente después de fascinar y enamorar con su interpretación en el Urtain de Animalario), ni su personaje hace otra cosa que entorpecer y dificultar una trama que es más simple de lo que parece ni se entiende en ningún momento que su personaje sea brasileño. Demasiados ni en un personaje de esos que justifican la frase "lo que no suma, resta". Detalles como ese o la confusión sobre el origen y motivaciones de la venganza de Robert enturbian la estructura de una película diferente y original que se debe consolar con la etiqueta de notable. Que no es poco.

Imperfecta, confusa, excesiva y deliberadamente loca.... Se pueden utilizar numerosos adjetivos para definir La piel que habito y no todos ellos serán positivos, pero si la película y la propia carrera del cineasta se han ganado una calificación es la de imprescindible. Los genios, incluso cuando no nos ofrecen su obra magna (no siempre se puede estar a altura de películas tan brillantes y únicas como Volver, Átame, Hable con ella o tantas otras), merecen ser escuchados, vistos y apreciados. Siempre.

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Escapando de la muerte una vez más

Imper ha sido nuestro corresponsal en Barcelona, asistiendo al visionado de la última entrega de Destino Final, y ha querido compartir sus impresiones.

Sam Lawton tiene una premonición sobre el colapso de un puente colgante que causaría su muerte y la de otras personas. La visión se hace realidad, pero Sam se las arregla para salvarse a sí mismo y a algunos otros de la catastrófica tragedia. Sin embargo, Sam y su novia Molly descubren que no están realmente a salvo: la muerte los persigue a ellos y a los que sobrevivieron al horrible accidente.

Esta es la premisa de Destino Final 5, la más reciente entrega de una franquicia que sigue cosechando entregas desde el año 2000. Basadándose en el argumento de ún capítulo de la mítica serie Expediente X, llevaron el concepto a la gran pantalla consiguiendo un buen thriller con humor negro, increíbles efectos visuales y muertes aparatosas y sangrientas.

Actores como Nick D’Agosto, Emma Bell o Tony Todd hacen muy bien su papel en una película que vuelve a los orígenes de la saga, incluyendobastantes guiños a las anteriores entregas, con una banda sonora que siempre te pone en situación y el guión simple y muy predecible pero que tiene buenos momentos. En conjunto le han dado un buen enfoque combinando lo mejor de la primera entrega con un estilo distinto y siendo originales con las muertes, algo admirable al tratarse de una saga que llevaba tiempo de capa caída.

Instrucciones de uso: La combinacion de los factores típicos de la saga hacen de esta película apto solo para los de estomago fuerte o les guste este tipo de genero.

Entre sustos, momentos de tensión y muertes bastante visuales, Destino final 5 puede ser una película disfrutable si eres alguien que le guste las películas de terror. Se estrenara este viernes 26 de Agosto.

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El origen del planeta de los simios.... o cómo un mono se convirtió en el personaje del verano

No deja de ser curioso que haya tenido que venir un perfecto desconocido como Rupert Wyatt para conseguir lo que Tim Burton no pudo hacer hace ya diez años: insuflar de nuevo vida a la saga El planeta de los simios. Con un presupuesto ajustado (93 millones de dólares), esta precuela nos explica la aparición de estos avanzados e inteligentes simios que terminan por dominar y esclavizar a los seres humanos. ¿Y quién es el origen de todo esto? Cesar, un mono al que da vida (y de qué manera) Andy Serkis. El mismo que hizo de King Kong y Gollum, sí.

Es característica ya habitual que los blockbusters veraniegos estén llenos de personajes planos y vacíos que sirven exclusivamente para hacer avanzar la acción de una película llena de secuencias espectaculares que en realidad no van a ninguna parte (hola saga Transformers). Esto no sucede en esta ocasión.

En El origen del planeta de los simios las cosas están contadas sin prisa pero sin pausa, sin olvidarse en ningún momento de la palabra "conflicto" y con un tono que parece más cercano al drama que a cualquier otra cosa. El tono shakespeariano de las relaciones paternofiliales y la evolución del personaje de Shakespeare se apoderan de un guión sorprendemente acertado, que hace honor al concepto "progresión dramática". Aquí las cosas no suceden porque sí, se toman su ritmo y todas están encaminadas a explicarnos cómo y por qué un grupo de monos se acaba rebelando. Un grupo de animales que, de la mano de la genial WETA, acaba teniendo más corazón y profundidad que los personajes humanos que tampoco se benefician de un casting particularmente acertado: con un James Franco cumple pero no tiene el carisma que había demostrado en otras intervenciones y una Freida Pinto que nos recuerda que ser guapa y buena actriz no es necesariamente lo mismo. Su personaje, inutil para la trama, es uno de los pocos defectos de la potente y hasta emotiva historia que cuenta el film.

Instrucciones de uso: Sin cambiarte la vida ni redefinir el cine comercial en ningún momento (tampoco es labor de un novato como Rupert Wyatt), El origen del planeta de los simios nos recuerda que los blockbusters también pueden ser emotivos y que, en las peliculas, el término conflicto no es necesariamente un sinónimo de pelea.

A los detractores (los pocos que hay: la película ha sorprendido por gustar de un modo casi unánime a crítica y público) que echan de menos el maquillaje en los monos y que se quejan de un exceso de humanización de los monos por culpa de los efectos especiales, sólo se les puede decir una cosa: gracias a la estupenda técnica del film nos encontramos con un sensacional trabajo de Serkis que consigue, una vez más, que una criatura digital tenga alma y conecte con el especador. Tambíén ayuda una más que acertada puesta en escena de Wyatt, que nos permite regalarnos varios planos espectaculares (como ese reflejo en el que se ve la huída de todos los monos) que se ven acompañados de una brillante banda sonora a cargo de Patrick Doyle.

El origen del planeta de los simios es un buen ejemplo de las virtudes y concesiones que debería tener una buena película de verano. Y es que, señores, que sea verano no significa que se nos haya fundido el cerebro.

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La hilarante boda de mi mejor amiga

Una vez más, no se han lucido con la traducción de Bridesmaids, una comedia divertida con toques ácidos, absurdos e incluso escatológicos que está muy lejos de esas comedias románticas simplonas que el título español puede evocar.

Judd Appatow es sin duda uno de los productores cinematográficos de comedia en alza actualmente. Tras títulos como Virgen a los 40, Lío embarazoso o Supersalidos, Kristen Wiig y Annie Mumolo, actrices y guionistas en el mítico programa de sketches Saturday Night Live, se acercaron a Appatow con este proyecto de mujeres protagonizado por mujeres que él aceptó sin dudar.

Wiig y Mumolo cuentan lo natural que resultó para todos la escritura de este guión. Tras realizar ellas el trabajo de escritura, dedicaron días a interpretar e improvisar las secuencias, eliminando y añadiendo detalles, frases o gags que perfeccionaban el ritmo y la fluidez de la historia. Cuando Paul Feig entró como director de la cinta, que tampoco está falto de credenciales con fantásticas series a sus espaldas como The Office o Arrested Development, se completó el grupo creativo que nos ha regalado una de las mejores comedias del año.

La mayor virtud de Bridesmaids es su protagonista, Annie. Aunque tenga un punto de loca y emocionalmente torpe, resulta una mujer muy natural con la que es fácil identificarse. Esta naturalidad se translada al resto de mujeres que, dentro del amplio rango de personalidades y actitudes, conforman un grupo que desarrolla una química muy real y tremendamente divertida que hace evidente esa tendencia a la improvisación que se trasladó también al rodaje.

Instrucciones de uso: No voy a negar la evidencia, aunque considero que este título es apto tanto para hombres para mujeres, ya que hay humor para todos los gustos, los temas, conflictos y enfrentamientos de un reparto con seis mujeres son bastante femeninos. Pero claro, es precisamente la habilidad y genialidad de introducir una secuencia increíblemente escatológica en el típico momento “probémonos vestidos de novia” lo que aleja a la película de ser la típica comedia para mujeres.

La boda de mi mejor amiga es tan divertida como recomendable, con un reparto excelente y, en definitiva, un soplo de aire fresco en un género que está en terribles horas bajas como es el de la comedia romántica. Se estrena este viernes 12 de Agosto.

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Arrietty: Lo nuevo de Ghibli.

Hayao Miyazaki tenía en mente adaptar el mundo de Los Borrowers, creado por la escritora de libros infantiles Mary Norton, desde que a los 20 años leyó algunas de las historias. Cuarenta años después, Hiromasa Yonebayashi se pone tras las cámaras por primera vez después de muchos años como creativo en el Estudio Ghibli, para dirigir este guión en el que el maestro Miyazaki vuelca su tono, temas y tics característicos.

Arriety es una borrower de 14 años que, junto a su padre, va a realizar su primera incursión al mundo de los humanos para tomar algo prestado. Pero las cosas no salen bien y Shô, un joven enfermo que ha ido a pasar el verano en casa de su abuela, la ve.

Kari-gurashi no Arietti se mueve entre la inocencia, la magia y la experiencia de descubrir un mundo de Mi Vecino Totoro, una protagonista de esas decididas y valientes heroínas que frecuentan la filmografía del estudio japonés y los temas habituales del cine de Miyazaki como son el amor y respeto a la naturaleza, la soledad, la infancia, la esperanza o el valor de la familia y la confianza. ¡Y hay un gato con mala uva!

Técnicamente, el film es una delicia. El diseño de producción combina a la perfección el preciosismo de los jardines y la naturaleza de los escenarios con una cuidada relación de aspecto, algo que se potencia aún más con excelente uso del montaje de sonido que consigue atrapar al espectador tanto en el mundo de percepción de los diminutos como en el de los humanos. Yonebayashi aprovecha todo esto y realiza un brillante trabajo con los planos, recurriendo frecuentemente a planos subjetivos que nos hacen vivir ese mundo en miniatura. Esta vez el gran Joe Hisaishi ha descansado y la banda sonora corre a cargo de Cécile Corbel, compositora francesa fan del las películas del estudio que envió unos temas y acabó componiendo todo el sountrack tanto en japonés como en inglés y francés.

Instrucciones de uso: Arriety es más adulta de lo que parece por los temas que trata pero no tiene ni pretende tener el tono de otros títulos de Ghibli como La Princesa Mononoke o Chihiro. Está en una línea más inocente y cercana a la de Mi Vecino Totoro o Nicky aprendiz de bruja.

Arriety y el mundo de los diminutos, título con el que Aurum la distribuye en España, es sin duda un título imprescindible para todo amante de las producciones del Estudio Ghibli y una de esas películas para goce y disfrute tanto del público más familiar como de aquellos que busquen algo más de sustancia que en otras películas animadas. Se estrena en las salas el 16 de Septiembre. Aquí podéis ver el trailer japonés (el español un poco más y cuenta el final).

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Un viaje cinematográfico a los 80 con Super 8

Verano del 79. Un grupo de amigos están rodando un corto de zombies con su flamante Super 8. Una noche, rodando una secuencia de divertidos aires a Casablanca, son testigos de un accidente ferroviario brutal. Desde ese momento, extraños sucesos y desapariciones empiezan a tener lugar en la ciudad y los jovenzuelos están más implicados de lo que piensan.

Sin duda, lo más destacable de Super 8 es cómo el elemento nostálgico baña todos los aspectos de la cinta más allá del simple contexto histórico. J.J. Abrams escribe y dirige echando mano de la tensión más clásica, de la química divertida entre pre-adolescentes de las películas de aventuras de los ochenta y una mezcla de géneros, entre los que encontramos drama, comedia, acción, suspense y algo de ciencia ficción, muy equilibrada.

Ya se sabe que las comparaciones son odiosas, pero Super 8 recuerda a muchas cosas. Recuerda a Jurassic Park en sus momentos de acción y suspense, recuerda a E.T. en el punto de vista de las figuras autoritarias en general y los militares en particular y es inevitable acordarse de Los Goonies mientras disfrutamos de los chavales maquinando y preparando su película o en los momentos de auténtico cine de aventuras.

Sin embargo, Super 8 no es perfecta y en su mejor y más destacable cualidad también está su mayor defecto. En ocasiones es inevitable tener esa sensación de esquema predecible que, aunque consiga salvar con alguna que otra sorpresa, va inherente a las referencias cinematográficas y el tono nostálgico que impregna la cinta en fondo y forma. Es por esto que quizá la película carezca de cierta personalidad propia. Sin embargo, no creo que sea un problema para aquellos que no entren en el juego nostálgico, porque con tan buenas referencias el resultado es excelente.

El casting es estupendo. Prácticamente todo el peso de la historia recae sobre un reparto infantil muy simpático en el que destacan Elle Fanning y Joel Courtney, el Eliott de esta historia, quienes consiguen crear un cocktail perfecto de inocencia y forzada madurez. Entre los adultos destaca Kyle Chandler, quien aborda de forma inteligente un papel de policía resolutivo y padre dolido que podría haber llevado demasiado al extremo. El militar de turno le ha tocado a Noah Emmerich, al que Abrams hábilmente ha contenido para evitar caer en patriotismos y estereotipos típicos del género.

Instucciones de uso: La combinación de géneros hacen de esta producción de Spielberg un título apto para todo tipo de público y exigencias independientemente de sus incuestionables reminiscencias al mejor cine ochenteno spielbergiano.

Super 8 es disfrutable 100%. Hace reír, provoca tensión y genera adrenalina a la vez que emociona y enternece. Sin duda es de ese tipo de películas que solían ser blockbusters veraniegos con merecido éxito de público y crítica. De esos que de un tiempo a esta parte escasean de forma alarmante. Super 8 se estrena el 13 de Agosto en España. No os la perdáis.

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