Sin Sexo en Nueva York pero un regalo para los fans

Para bien o para mal, hacer una crítica de Sexo en Nueva York. La película es subjetivo (siempre lo es en una crítica de opinión sobre algo pero en este caso mucho más) hasta las ultimas consecuencias. Me explico: si te gustó la serie, te gustará la película pero si eres uno de esos espectadores, generalmente masculinos, que consideraba las desventuras de Carrie, Charlotte, Miranda y Samantha como frívolas (que lo eran pero no tanto), superficiales (idem) y carentes de interés (jamás), no deberías de perder el tiempo.

La adaptación al cine de la serie de HBO esta hecha por y para los fans. Intenta captar un público nuevo (de ahí la inclusión de un "Anteriormente en Sexo en Nueva York"... de cinco minutos que explica las principales tramas de la serie relacionadas con la película) pero se centra en el público que la seguimos durante seis años. De ningún modo habrían rodado una película de dos horas y media (las películas del género no suelen superar los 100 - 110 minutos). Obviamente hay cosas que más que sobrar, que tampoco, eran innecesarias. Ese personaje de la asistente, interpretado por una Jennifer Hudson que sin cantar no es más que solvente, poco aporta para una historia que, tambien hay que admitirlo, deja de lado el componente sexual que tanto caracterizó a la historia. Perdonen la vulgaridad pero es que por follar, no folla ni Samantha. Solo Miranda (una siempre estupenda Cynthia Nixon) se da un revolcón de los de antaño. Aunque le perdonamos a Michael Patrick King, principal productor de la serie y aquí director y guionita, por la memorable escena del sushi.
La película es un capítulo especial lanzado en cines para sacar (mucho) dinero, no tiene ese aire de "Sexo en Nueva York: La película" que podríamos esperar pero yo personalmente lo agradezco, que si algo está muy bien cómo está, no hace falta intentar hacerlo más lujoso. Y es algo con lo que el gran público debe estar de acuerdo: con un presupuesto de 65 millones de dólares, la película ha recaudado en todo el mundo la extraordinaria cantidad de 370 millones de dólares. Habemus secuela. Yo estoy encantado aunque habrá que ver por donde van los tiros esta vez. Me lo tomaré igual que esta primera película: un regalo en forma de minitemporada cinematográfica a todos aquellos que nos enganchamos con las aventuras de estas ya cuarentonas (incluso una cincuentona) en una ciudad tan mágica como Nueva York.

Lo mejor: que los fans tenemos más de Sexo en Nueva York. Las actrices.
Lo peor: es demasiado larga y se echa de menos más sexo.
La escena: Samantha cubierta de Sushi esperando a Smith. El encuentro entre Charlotte y Mr Big.
La frase: Me he comido de todo menos la polla de Dante (Samantha)
¿Por qué... se molestan en ver la película aquell@s que no les gusta la serie si van avisados de que se van a encontrar prácticamente con lo mismo?

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Penelope: una hija bastarda de Tim Burton

A la hora de enfrentarte a dirigir tu primera película, tener referencias no es que esté bien, es que es necesario. El problema aparece cuando, como en este caso, te creees que eres Tim Burton... y no lo eres. Probablemente con más experiencia y algo más de presupuesto, el director Mark Palansky podría tener una carrera simpática, con un estilo propio, pero la cosa está difícil. Penélope, su ópera prima, se estrenó en un festival allá por otoño de 2006 y desde entonces ha estado en el limbo esperando a que una distribuidora decidiese a estrenarla. Ese momento ha llegado en febrero de 2008, año y medio después. Pero, antes de nada, veamos de qué va Penélope.

Penélope es la hija de una rica familia afligida por una maldición secreta: su nariz es como el hocico de un cerdo. Pero hay esperanza, ya que la maldición puede romperse si Penelope consigue el amor de alguien que la acepte tal y como es. Pero la chica está harta de esperar, recluida en la mansión de sus padres y decide escapar, enfrentándose al mundo real. ¿Encontrará Penélope la solución a sus problemas?

A pesar de lo comentado anteriormente, Penélope me ha parecido una buena película, una de esas pequeñas rarezas con las que a veces te puedes encontrar en la cartelera (o en la mula si los distribuidores no ponen de su parte)... antes de que desaparezcan dos semanas después. Una vez superadas las reticencias a los obvios homenajes a películas como Big Fish o Amelie, esta pequeña fábula (porque es lo que es) protagonizado por una correcta Christina Ricci ofrece una historia agridulce y en principio original... a pesar de que el desarrollo viene a ser de lo más previsible. En cuanto aparece el personaje interpretado por James McAvoy, sabes qué es lo que va a pasar al final de la historia. Pero no importa, estamos ante una de esas películas simpáticas, con cierta magia y una dósis de humor proveniente, sobre todo, del personaje de la madre de Penélope, interpretada por una excelente Catherine O'Hara (la madre de Sólo en casa).

Lo mejor: El tono de la historia. El reparto en general y Catherine O'Hara en particular.
Lo peor: Su previsible desarrollo. Las ansias del director por ser Tim Burton.
¿Por qué... es tan difícil para estas películas encontrar su público y su hueco en la cartelera?
¿Sábías qué.. la ganadora del Oscar Reese Witherspoon, además de producir la película, se reserva un pequeño papel secundario?

Aunque imperfecta, Penélope es un film diferente, especial y con un cierto encanto de lo más naif que engancha al espectador. La película de momento no tiene fecha de estreno en España, de momento podeis ver el trailer.

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Poster y trailer para Vicky Cristina Barcelona

Dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

El pasado martes apareció, por fin, el poster promocional de Vicky Cristina Barcelona, la película española de Woody Allen. El estreno español del film no llegará hasta el 19 de septiembre, cuatro meses después de que se exhibiese con éxito en Cannes, donde consiguió criticas positivas por parte de la prensa española (algo, por otra parte, habitual). Tan divertida como inteligente, tan conscientemente ligera como maliciosa, un catálogo muy sabio de las cosas que pueden ocurrir en el amor y en el deseo (Carlos Boyero: Diario El Mundo); Bárdem y Cruz se comen a bocados la pantalla (...) con unos personajes tan rotundos, exóticos y desgañitados que rebosan gracia y desgracia. (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC); Woody Allen divierte con su ácida comedia sobre el mundo de la pareja.(Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia).

Internacionalmente los mayores halagos de la película se los llevó el trabajo de Penélope Cruz, que ya empieza a aparecer en algunas quinielas especializadas como posible candidata al Oscar como secundaria (categoría donde Allen ha dado múltiples premios y candidaturas a sus actrices a lo largo de su carrera). Sería un puntazo aunque lo veo difícil por mucho que haya subido el caché de Pe en Hollywood tras su exito con Volver.

Personalmente las expectativas ante el proyecto son bastante altas, me encanta el cine de Woody Allen (aunque no he visto ni me interesa, al menos de momento, El sueño de Casandra) y el poster me resulta atractivo y estético. A continuación os dejo con el nuevo trailer de la película.

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La vida sin Grace: una triste historia al servicio de John Cusack

Hay actores que nacieron destinados a caer bien a la gente: el ejemplo más claro sería Tom Hanks (por mucho que insista con los cortes de pelo imposibles en El Código DaVinci) pero otro caso claro es el de John Cusack. Nunca ha estado nominado a un Oscar (su única recompensa en lo que a premios se refiere es una nominación al Globo de Oro por Alta Fidelidad) pero ha trabajado para directores como Woody Allen, Terrence Malick o Clint Eastwood. Tampoco se puede quejar de no trabajar: en los últimos meses le hemos visto en la película de terror 1408, en el thriller The Contract junto a Morgan Freeman y en el drama de buenos sentimientos El niño de Marte. El viernes 13 llegó a las pantallas españolas La vida sin Grace (una traducción, que pese a a ser lógica, pierde todo el sentido poético del Grace is Gone original), un drama indie producido por el propio actor y que, sorprendentemente, cuenta con una banda sonora y una canción compuestas por el genial Eastwood en su primera BSO para una película no dirigida por él.

En su nueva película, que ganó en 2007 el premio del público del Festival de Sundance, interpreta a Stanley un hombre que, tras recibir la noticia del trágico fallecimiento de su mujer en Irak, se ha quedado a solas con sus hijas. Ante lo díficil de la situación, decide emprender un espontáneo viaje a un parque de atracciones.

Si la excelente En el valle de Elah utilizaba la Guerra de Irak para hablar de como las guerras cambian a las personas, la cinta dirigida por el debutante James C. Strouse usa el conflicto como pretexto para explicar la muerte del personaje, el desencadenante de una cita. Aquí lo importante no es la guerra sino las consecuencias que tienen en un hombre corriente la muerte de su pareja y la incapacidad de comunicárselo a sus propias hijas. La película se convierte en una dramática road movie que si bien es bonita, no termina de aprovechar las posibilidades dramáticas que una historia así ofrece. La resolución de la historia nos entristece más por lo que se cuenta que por cómo nos han contado la historia hasta el momento.

Lo mejor: El trabajo de John Cusack y la naturalidad de las dos niñas. La música. Sus pocas estridencias.

Lo peor: Le falta algo de garra y emotividad. No es nada que no hayamos visto antes

La escena: La necesaria, inevitable confesión final con la simple pero bellísima música de Clint Eastwood sustituyendo a los diálogos en protagonismo.

La vida sin Grace es una oportunidad para recuperar a un excelente John Cusack en un registro contenido a la par que emotivo. No será una de las mejores propuestas del año pero sin duda supera en interés y calidad a la mayoría de sus compañeras en la mediocre cartelera que nos viene acompañando en las últimas semanas.

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El Incidente: Un quiero y no puedo.

Tras La Joven del Agua y la magnífica, pero horrorosamente vendida, El Bosque, nos llega El Incidente, The Happening, la nueva producción de M. Night Shyamalan, quien sigue en su línea del suspense dramático.

El Incidente comienza en Nueva York, donde sus habitantes comienzan a tener un comportamiento extraño que les hace suicidarse. Al correrse la voz, los estados colindantes entran en alerta y ahí es cuando conocemos a Elliot (Mark Walhberg), un profesor de biología de un instituto de Philadelphia que huye de la ciudad con su mujer (Zooey Deschanel) y un amigo (John Leguiznamo) con su hija.

La opertura del film es excelente ya que nos introduce directamente y sin demora en los sucesos extraños, empezando a crear en el espectador esa sensación de angustia ya sólo con ver cómo los cuerpos de los constructores caen sin parar del tejado. Realmente la forma de dirigir de Shyalaman no pretende mantenernos en una tensión constante, ni mucho menos (o eso quiero pensar), sino que trata de hacernos testigos de un suceso bastante incómodo y desagradable (y por ello no se corta ni un pelo en mostrarnos los suicidios de los afectados) para que el mensaje final sea más efectivo.

Pero el problema es que el guión es un caos incontrolable además de que hace uso de recursos muy manidos o, lo que es peor, facilones para desarrollar la historia. Aunque la película nos lleva por donde quiere para desembocar en ese decepcionante final, el desarrollo de la historia cojea por todas partes y es que se intenta abarcar demasiadas cosas sin ahondar demasiado, por lo que al final uno se queda con una sensación muy fría.

Para empezar, el guión se sustenta en unas tramas secundarias, ya que la principal es el llamado incidente, que no da tiempo a cosntruir y se desarollan precipitadamente sin importar al espectador. El personaje de John Leguiznamo es completamente inútil, sólo sirve para dejar a los protagonistas cargados con la niña que, para el caso, podrían haber encontrado por ahí. Parece que éste personaje secundario tiene algo con Alma, la mujer de Elliot, y todo espectador estará seguro de que era él con quien ésta estaba engañando a su marido, pero ni se aclara ni importa ya que Leguiznamo desaparece a la primera de cambio.

El romance entre ambos protagonistas es insulso. Debido al rápido comienzo de los acontecimientos catastrofistas, toda explicación de su relación se cuenta con palabras y no hechos, lo que resulta extremadamente molesto. Como espectadora no puedo soportar que si una pareja tiene problemas, se me explique a los 10 minutos de película con un diálogo tipo: "Alma esta muy distante. Estamos teniendo problemas. Tu ignoralo". A estas alturas de la película esto no es como se hacen las cosas. Pero es peor cómo se desarrolla su relación, sin ninguna base ni coherencia.

Y siguiendo con el mismo tema, tengo que entrar en cómo se explica el Incidente. Durante toda la película los protagonistas huyen, no saben de qué ni hacia dónde, pero toda explicación que reciben (y por tanto recibimos) es a través de pequeños monólogos en las noticias y, tras pasar muchas penurias, Elliot de repente se saca de la manga una explicación sin ningúna racionalidad (sobretodo teniendo en cuenta que es científico). Entonces es cuando ya deja de tratarse de El Incidente y los protagonistas acaban en una casa incomunicada con una vieja loca y la cosa gira hacia un terror facilón que nada tiene que ver con el resto de la película.

En cuanto al final hay que decir que, aunque me parece bien enviar este tipo de mensaje ecologista con base a un género que en un principio no le correspondería, es extremadamente ineficaz ya que hace del mensaje el final, dejando las cosas a medias tintas y precipitando los acontecimientos con una resolución facilona y simplista. Y el manido juego del final feliz (con la pareja a punto de ser padres) pero a la vez terrible al ver que el Incidente se repite en Paris, deja al espectador insatisfecho.

No he mencionado el tema interpretaciones en la película ya que no hay nada que destacar y, en caso de que lo hubiese, sería a cerca de la inexpresividad de Zooey Deschanel y de la incapacidad de Mark Wahlberg, magnífico en Infiltrados, de conectar con el espectador.

A pesar de todo, y que parece que es una película para odiar, la película no llega a aburrir, a pesar de que se toma su tiempo (y eso que dura hora y media escasa), entretiene y tiene secuencias en las que el Shyalaman de El Protegido, El Sexto Sentido o El Bosque aparece e ilumina el momento. . Tiene detalles (las gigantescas chimeneas cuando van al invernadero) o escenarios inquietantes con mucho potencial (como la casa prefabricada o la cabaña conectada a la casa de la vieja loca) que tienen gran potencial pero que son desaprovechados, además de que todo queda minimizado por el ya mencionado decepcionante final

Lo mejor: Los explícitos suicidios y lo bien que está conseguida la tensión durante éstos junto con el uso de la banda sonora.
Lo peor: Lo poco innovador de la fórmula.
La secuencia: El comienzo de la película.

El Incidente, un pasable producto que queda lejos de las posibilidades de su director y que dejará indignados a más de uno.

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Una de tópicos en la ciudad del pecado: Algo pasa en Las Vegas

Dejemos las cosas claras antes de empezar. El que entre o haya entrado en una sala de cine esperando encontrar en Algo pasa en las Vegas algo original, arriesgado o, simplemente, diferente es que tiene más fé que el Marca con el triunfo de la selección española en la Eurocopa. Estamos ante una de esas películas prefabricadas para un público que demanda este tipo de productos al menos un par de veces al año. Criticar estas películas es una tarea de lo más absurda e inútil así que ante el evidente éxito que tienen entre el público (sin ir más lejos, ésta película lleva recaudados en todo el mundo más de 200 millones de dólares, con 35 de presupuesto), así que ante esto sólo podemos reaccionar de dos modos: ignorándo su presencia en las carteleras o, dejar los prejuicios y la actitud crítica (si no lo haceis, estais muy muy jodidos)y asistir a una previsible pero generalmente entretenida historia de amor que nos cuenta como dos personas totalmente opuestas acaban enamorándose a pesar de mil y un obstáculos que ya quisieran para sí Ennis del Mar y Jack Twist. Y sí, estoy siendo irónico.

Dos desconocidos se despiertan una mañana y descubren que se han casado tras una noche de locura y descontrol en Las Vegas, justo después de que uno de ellos haya ganado un jackpot millonario en un casino jugando con una moneda del otro. Intentarán divorciarse pero un juez les impondrá convivir juntos durante al menos seis meses, durante los cuales tendrán que trabajar en su matrimonio.

El éxito de tramas tan sobadas y arquetipos tan habituales (siempre un miembro de la pareja es el bala perdida, mientras el otro es mucho más paranoico y conservador) depende a menudo de la química y el carisma de la pareja protagonista. Para la ocasión se han escogido a dos actores que a mí personalmente me hacen gracia: Cameron Díaz (que ya ha demostrado su vena payasa en numerosas ocasiones) y un Ashton Kutcher que nunca me ha parecido el antiCristo interpretativo que algunos ven. Pues bien, la química, gracias a Dios, funciona. Hacen buena pareja y aprovechan como pueden los (tampoco muy generosos) recursos que tienen a su disposición. Los secundarios, otras de las claves de estas películas, tienen relativa gracia siempre y cuando no aparece una Queen Latifah haciendo de Queen Latifah.

Todo lo dicho hasta el momento apunta a que estamos ante un horror de película pero ni mucho menos es el caso. Ponerse mezquino con estas películas (que tanto me gustan por otra parte) no tiene demasiado sentido y aquí no hay excepción. Lo triste es que Algo pasa en las Las Vegas (cuyo título original hace referencia a la famosa frase What happens in Vegas, stays in Vegas) se queda muy muy lejos de otras joyas del género como El amor es lo que tiene (un guilty pleasure de un servidor) o la excelente La boda de mi mejor amigo, en las que aparecía la pareja protagonista.

Lo mejor: Ashton Kutcher y Cameron Díaz.

Lo peor: Queen Latifah. Que no sea muy divertida, no digo ya original.

La secuencia: Cuando la pareja se da cuenta de que se gustan tras el fin de semana con los jefes de Cameron Díaz.

Película recomendable solo para fans de la pareja protagonistas y adictos a las comedias románticas que estén en un momento no demasiado exigente.

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Otra página negra en la historia de la América profunda: An American Crime

El boom Juno es el responsable de que, un año y medio después de su paso por el Festival de Sundance, llegue a las pantallas de cine españolas An American Crime, filme que Ellen Page rodó antes de la película que la llevó a las puertas de un Oscar que finalmente se fue para Francia. La cinta, dirigida por Tommy O'Haver (en cuyos créditos también encontramos la muy muy diferente Ella Enchanted) cuenta con Page y Catherine Keener (Capote, Como ser John Maljkovich) en los papeles principales. Que nos engañae el trailer, por mucho que aparezca acreditado en el trailer, la presencia de James Franco es de lo más secundaria.

Basada en la historia de Gertrude Baniszewski, una ama de casa de los suburbios que, en los años sesenta, mantuvo a una niña a la que cuidaba encerrada en el sótano en su casa de Indiana. Allí la sometió a todo tipo de torturas, e incluso instó a sus seis hijos y a varios vecinos a que participaran de este juego macabro. Para leer más información sobre esta macabra historia os remito a la Wikipedia, donde se habla largo y tendido de un caso que conmocionó la sociedad americana en los años 60.

Con semejante historia uno no sabe muy bien qué esperarse ante una película de estas características. Lo primero que se me viene a la cabeza el verla es lo siguiente: ¿qué quiere contar O'Haver con la película? ¿Quiere dar a conocer a un público más general (y joven) la historia que traumatizó su Indiana natal? Una vez vista me quedo con la misma duda... vemos lo que pasa y se nos dan ciertas pistas del por qué pasa pero el autor bien no se atreve, bien no tiene ninguna tésis de cómo puede llegar a suceder tal cosa.


An American Crime no es una mala película pero sí mucho más olvidable de lo que debería. Telefilmera a muerte, con una estructura narrativa de lo más funcional y facilona que no desentonaría un sabado por la tarde en el multicine de Antena 3, acaba resultando sorprendentemente inverosimil. Por mucho que supiese que estaba viendo una historia basada en hechos reales, no me lo tragaba, no veía algo real. Este es uno de esos casos que demuestran que en medios como el cine o la televisión a veces vale más ser verosimil que realista.

No me extrañan lo más mínimo los problemas de distribución de la película. An American Crime ss una película desagradable y difícil de ver, con la que el espectador no puede sentir más que impotencia. Lo mejor de la cinta (que no es tan mala ni mucho menos como puede parecer por lo que he comentado hasta el momento) es una Catherine Keener muy notable, con una correcta Ellen Page que puede tener serios problemas en su carrera si su (demasiado aniñado) físico no evoluciona.

Lo mejor: Sus actrices protagonistas. El ambiente malsano.
Lo peor: Su aburrida y conservadora estructura narrativa con el fiscal llevando el ritmo de la película y la narración.
La secuencia: El (pre)clímax. Las participaciones de los hijos y vecinos en las vejaciones a Sylvia.

Como conclusiónn y volviendo a la película que aquí nos ocupa, decir que el film de Tommy O'Haver entretiene pero no convence. Impacta auque no por méritos propios.

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Me muero por ver... Australia

Ocho años han pasado desde que en 2001 Baz Luhrman (El amor está en el aire, Romeo y Julieta) estrenase en todo el mundo una de las películas más amadas y odiadas de la década, Moulin Rouge. Desde entonces, el megalómano director intentó poner en marcha su propia película sobre Alejandro Magno con Leonardo DiCaprio de protagonista... un proyecto que se fue al traste cuando Oliver Stone se adelantó con su muy mediocre y aburrida Alejandro.

Tras este pequeño fiasco, se centró en intentar sacar adelante su ambiciosa Australia, definida por él como un Lo que el viento se llevó en Australia en la época aborígen. La acción se sitúa en el norte de Australia, antes de la Segunda Guerra Mundial, un aristócrata ingles contrata a un hombre para que proteja su rancho y conduzca sus 2000 cabezas de ganado a las zonas de pasto. Entonces tendrá lugar al bombardeo de la zona por la aviación japonesa.

El musical (y el gran éxito de taquilla y crítica de Los Otros en todo el mundo) fue fundamental para lanzar de una vez por todas la carrera de Nicole Kidman, que conseguiría su primera nominación al Oscar. Años después Luhrmann y la Kidman se reunieron de nuevo para rodar el famoso y carísimo anuncio de Channel. Ahora la pareja se vuelve a reunir cuando Nicole Kidman pasa por un bache en su carrera. Su futuro estatus y caché depende enormemente de los resultados de esta película. Por su parte, Hugh Jackman se incorporó al proyecto después de que Russell Crowe rechazase participar en la película porque los productores no le pagaban lo suficiente. Creo sineramente que Crowe se arrepentirá de esto.

El film se estrenará en Estados Unidos a principios de noviembre y en Europa no la podremos catar hasta Navidad. De salir bien estamos ante una de las películas a batir en la próxima edición de los Oscar... y es que desde El paciente inglés y quizás Shakespeare enamorado ninguna epopeya romántica ha logrado vencer en los Oscar. ¿Se romperá la mala racha? ¿Se estrellará la película tal y como ha pasado con los últimos proyectos de la Kidman? Si tuviese que decidirme por las fotos (y el trailer que se puede ver más abajo) que han salido de la película yo digo que esto apunta a convertirse en un clásico moderno, una historia épica y romántica más propia de los llamados años dorados de Hollywood que de lo que vemos estos días. Que así sea.

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Amy Adams y Meryl Streep, juntas por partida doble

Dicen que una industria como Hollywood cuando una mujer supera la barrera de los 40 años tiene mucho más difícil conseguir buenos papeles. No estoy (del todo) de acuerdo. El problema es que buena parte de esos papeles van a parar de la maravillosa Meryl Streep (esa mujer que ha sido nominada ¡catorce! veces al Oscar en los últimos treinta años, ganando por La decisión de Sophie y Kramer contra Kramer).

Este verano tiene previsto el estreno de la versión cinematográfica del musical Mamma Mia, mientras que en Navidad nos llegará Doubt, una de las películas llamadas a estar muy presentes en la temporada de premios del 2009 y en la que compartirá escena con Philip Seymour Hoffman (que estrenó recientemente las interesantes La familia Savages y Antes que el diablo sepa que has muerto) y Amy Adams, lanzada al estrellato tras su papel en Encantada, por la que recibió grandes críticas. La película es una daptación de la exitosa obra de Brodway cuyos hechos se sucederán en un colegio católico del Bronx en el año 1964. En dicho colegio un cura es acusado de pedofilia. Una de las hermanas comenzará a sospechar del cura. Por medio además aparecerá una joven monja que intentará mediar en el conflicto.


Tras su colaboración en esta película, ambas actrices han sido fichadas para protagonizar Julie & Julia (en la foto), el primer proyecto de Nora Ephrom desde su fracasada Embrujada. El filme está basado en el libro de Julie Powell Julie & Julia: 365 Days, 524 Recipes, 1 Tiny Apartament Kitchen, donde Powell cuenta sus experiencias como cocinera, siguiendo las recetas de Julia Child, una prestigiosa chef. En la película también aparecerán,entre otros, Dave Annabale (uno de los Cinco hermanos catódicos) y Stanley Tucci, que ya trabajó con Streep en El diablo viste de Prada.

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Hilary Swank, aviadora

En 2009, momento en que Amelia llegue a las pantallas americanas, habrán pasado cinco y diez años desde que Hilary Swank ganase (merecidamente, muy a pesar de sus detractadores y de su mediocre carrera) sus dos Oscars como mejor actor protagonista. ¿Será este biopic de la aviadora Amelia Earhart la película buena de la Swank este lustro? Pero antes de hacer especulaciones, entremos en antecedentes.
Amelia Earthart fue una aviadora estadounidense célebre por sus marcas de vuelo y por intentar el primer viaje aéreo alrededor del mundo sobre la línea ecuatorial. Una mujer adelantada a su tiempo que desapareció en extrañas circunstancias (hay múltiples teorías - incluyendo algunas con elementos sobrenaturales - sobre su desaparición) cuando intentó darla vuelta al mundo. Earthart hizo del carpe diem su máxima vital. Sin ir más lejos, observar este fragmento de una de las cartas que envió a su marido, George Putnam (Richard Gere en la película): "Por favor debes saber que soy consciente de los peligros, quiero hacerlo porque lo deseo. Las mujeres deben intentar hacer cosas como lo han hecho los hombres. Cuando ellos fallaron sus intentos deben ser un reto para otros".

La directora hindú Mira Nair (The Namesake, La boda del monzón) ha sido la escogida para poner en imágenes la adaptación que de la biografía de la aviadora ha hecho Ronald Bass, ganador del Oscar al mejor guión original por Rain Man. En el reparto, además de Swank y Gere, podremos ver a Virginia Madsen (Entre copas) como la primera mujer de George Putnam, Ewan McGregor o Christopher Eccleston.

Si quieres tener más información sobre este interesante personaje, no dudes en acudir a su biografía en Wikipedia.

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