[59 ed. SS] Intrusos, árboles y malvados.

Como cada año, he asistido al Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Bueno, corrijo, estoy asistiendo. En tres días estoy ya cerca de las veinte películas y el ritmo de proyecciones, pases de prensa, entrevistas y encuentros con los directores y actores está impidiendo que tenga tiempo de pisar la sala de prensa para escribir unas líneas.

Por no dejar a ciegas el blog hasta que disponga del tiempo suficiente para escribir críticas con propiedad, he decidido hacer unos repaso rápido a lo visto cada día. Comienzo con las películas del viernes 16.

Intruders
()
Juan Carlos Fresnadillo presenta su nueva película e inaugura una de las ediciones con más variedad de géneros de los últimos años. Aunque el drama familiar es interesante, el guión no aprovecha el fondo que tiene la historia, lo profundo del secreto y el origen de lo sobrenatural de la historia. Todos estos elementos ceden terreno al terreno al thriller psicológico que sí que aprovecha las posibilidades de generar tensión en el espectador. Intruders se queda en algo correcto muy lejos de los excelentes trabajos anteriores del director.

The Tree of life
()
En este caso, mi idolatrado Terrence Mallick no decepciona y nos regala una absoluta maravilla visual y conceptual en El árbol de la vida. Mallick sigue fiel a su estilo y forma de narrar las historias, tomándose así su tiempo para exponer las ideas sobre las que reflexiona recreándo al espectador con poesía, metáforas, verdades y pensamientos mediante imágenes que transmiten a la perfección sensaciones, sentimientos y una atmósfera melancólica y, a la vez, esperanzadora. Mallick reflexiona sobre la vida, la fe, la infancia, la muerte y lo que nos convierte en lo que somos. Impresionantes los primeros 40 minutos, la banda sonora de Alexandre Desplat y una fotografía aferrada a un ocaso permanente.

No habrá paz para los malvados
()
Enrique Urbizu se atreve de nuevo con el cine de género. Con una narrativa visual excelente que tapa algunas (no todas) grietas de guión, esta vez se atreve con una mezcla de cine negro y western que resulta refrescante en el panorama nacional. José Coronado está magnífico, creerlo, en la piel de un antihéroe hundido que provoca un maremágnum de investigaciones, asesinatos y burocracias durante una borrachera. Aunque el resultado final es satisfactorio y la historia tiene buen ritmo, el desarrollo del caso es bastante torpe en su tramo intermedio y desconecta al espectador. Elena Miquel, protagonista femenina de la cinta, está muy plana en un personaje que podría haber dado mucho más. Con todo, No habrá paz para los malvados es cine patrio de lo más recomendable.

Seguir leyendo »

Con derecho a roce (y unas cuantas sonrisas)

Truman Capote e Infamous. Armageddon y Deep Impact. Silverado y Wyatt Earp. Volcano y Un pueblo llamado Dante's Peak. Todas estas producciones tienen algo en común: sólo un puñado de meses ha separado el estreno de dos películas con una temática en común. Antes de que el próximo año veamos hasta ¡¡tres!! revisiones del cuento de Blancanieves y los Siete Enanitos, ya tenemos el díptico romántico del 2010: las comedias románticas, presumiblemente ácidas y divertidas, Sin compromiso y Con derecho a roce, rom-com que aqui nos ocupa. Justin Timberlake y Mila Kunis, secundarios de lujo de las dos mejores películas del pasado año (La red social y Cisne Negro), son sus atractivos protagonistas.

La evolución de las relaciones sociales, concretamente las sentimentales, ocupan el centro de esta comedia romántico - sexual. Se agradece que dejen de lado las patochadas que han caracterizado las películas más recientes de actrices como Katherine Heigl o Kate Hudson, pero lo cierto es que Con derecho a roce aborda, con menos éxito, la complicada línea que separa la amistad del sexo que tan brillantemente trazaba hace veinte años Cuando Harry encontró a Sally. Han pasado veinte años desde que se estrenase la comedia de Rob Reiner, pero pocas películas del género rozan el nivel de una divertidísima cinta que funcionaría como presagio de las relaciones personales en el cambio de siglo.

Sin olvidar que estas películas son mucho menos rompedoras y originales de lo que quieren hacer creer al público, Con derecho a roce entretiene y logra sacar más de una carcajada en sus acertados dos primeros actos. Cultura pop, sensualidad y chistes muy de nuestro tiempo (y no en el mal sentido del término, un buen ejemplo son los chistes de las aplicaciones de los smartphones que aparecen en la película) se dan de la mano en un conjunto que se queda por debajo de la anterior película del director y coguionista Will Gluck. Su Rumores y Mentiras , la película que reveló a la estupenda Emma Stone, es más redonda y divertida, pero la película de Kunis y Timberlake (que demuestran una química bastante correcta como pareja) es muy efectiva a pesar de sus tópicos, los inevitables protagonistas del previsible acto final de la historia. Conociendo el género como nos lo conocemos, no esperábamos otra cosa... pero qué gusto da llevarse una agradable sopresa, ¿no? Pues no es el caso.

Instrucciones de uso: No apta para aquellos que esperan algo más complejo, profundo y ambicioso del cine romántico (Beginners y 500 días juntos son dos ejemplos recientes), Con derecho a roce se eleva ligeramente por encima de la media del maltrecho cine romántico. Una buena química en pantalla de la pareja protagonista y una cantidad suficiente de gags cubrirán las necesidades y aspiraciones de los fanáticos del género.

Los más cínicos tienen por delante un producto que en cierto modo se queda a medio camino de lo que promete, pero que definitivamente funciona mejor que su rival y predecesora Sin Compromiso. Se esperaba algo más del nuevo trabajo de Gluck, no obstante.

Seguir leyendo »

Cómo acabar con tu jefe

¿Quién no ha deseado alguna vez llegar una mañana a la oficina y enterarse de que su jefe ha desaparecido? Nick (Jason Bateman) lleva ocho años aguantando a Dave (Kevin Spacey), el psicópata de su jefe. Le ha puteado hasta límites insospechables y cuando Nick no recibe el ascenso que merece, decide borrarle del mapa. Kurt (Jason Sudeikis) es feliz en su trabajo y tiene una relación envidiable con su jefe (Donald Sutherland) pero cuando éste sufre un infarto, el futuro de la empresa recae sobre el colgado imbécil de su hijo Bobby (Colin Firth), que piensa exprimir todo el dinero que pueda mientras le jode la vida a Kurt. Dale (Charlie Day) es asistente de Julia (Jennifer Aniston), una dentista devorahombres que cada día traspasa los límites del acoso sexual sin importar que él esté prometido.

Con una premisa como ésta, Cómo acabar con tu jefe lo tenía fácil para conectar con el espectador desde el primer momento y lo consigue con creces con una presentación eficaz y divertida de los tres jefes y los tres perdedores. Tras las cámaras y firmando el guión hay profesionales de la televisión, algo que se refleja en una historia con mucho ritmo, que equilibra muy bien todas las trama, aprovecha esos pequeños cameos (genial Jaime Foxx como “el negro supuestamente chungo”) y, de paso, tiene tiempo para reírse de algunos tópicos del género.

Los tres protagonistas tienen una química excelente y, de entre los jefes, destacaría a Jennifer Aniston. A pesar de los pocos minutos que protagoniza en el metraje total, se come cada plano en el que está y borda la mezcla de comedia y sensualidad de su personaje.

Instrucciones de uso: a pesar de la obvia comparación con esas comedias de colegas que tanto se estilan últimamente como “Resacón en las vegas” no abusa del humor burdo

Horrible Bosses, o Cómo acabar con tu jefe, es una comedia divertida, con un punto loco y que no abusa del humor burdo que solemos encontrar en este tipo de títulos. Se ha estrenado este mismo fin de semana en España.

Seguir leyendo »

Saltando al vacío de la mano de un genio

"Dejad descansar la película una noche en vuestra cabeza. Es todo lo que pido". Son palabras salidas de la boca de Pedro Almodóvar poco antes del pase de prensa de la película nº 18 del más fascinante director y guionista que ha dado el cine español para quien esto escribe. Filias y fobias al margen, La piel que habito supone una huída hacia adelante en la filmografía de un cineasta que, sin renunciar a momentos esporádicos más lúdicos y ligeros, está determinado a abrazar la oscuridad en sus historias. No deja de ser curioso que el cineasta se enfrente al fondo más perturbador e incómodo de su carrera desde la puesta en escena más luminosa y sencilla, una maravillosa dirección de fotografía de José Luis Alcaine (su socio en películas como Volver o Mujeres al borde de un ataque de nervios) que fue reconocida en el último festival de Cannes.

Por segunda vez en su carrera (la primera fue la irregular Carne Trémula), Almodóvar se lanza a adaptar muy libremente un material ajeno. La muy negra Tarántala, del novelista francés Thierry Jonquet, da una serie de ingredientes tan interesantes como potencialmente incómodos (locura, cirugía estética, venganza, sexo y obsesión) que acaban convirtiendo a la película en un thriller con toques de terror psicológico y melodrama made in Almodóvar que no lo tendrá particularmente fácil para convencer ni a los más férreos seguidores del director de Todo sobre mi madre ni a los clásicos detractores que periódica y erroneamente le acusan hacer una y otra vez la misma película. Con La piel que habito queda claro que no es el caso.

En unos tiempos en los que el cine de terror y el thriller no atraviesa precisamente por su mejor momento, Almodóvar ofrece un vuelta de tuerca tan perturbura como contenida, tan elegante como retorcida, tan interesante como compleja. Desde el más ambiguo e irreal (que no inveresímil) de los entornos, La piel que habito presenta una serie de giros rocambolescos, fascinantes y entretenidos que derivan en lo que algunos han denominado el mejor truco final desde El sexto sentido. Estamos ante una película que puede pecar de excesiva, pero a la que jamás se le puede acusar de aburrida..... y también sería divertida si no fuese por ese giro que termina por provocarnos un nudo en el estómago (si no eres de los espectadores que se han salido del relato ante lo extremo e incómodo de la propusta), una de esas revelaciones que se merecen una alerta de spoilers como una casa. Podéis escuchar cuantas opiniones de las películas queráis, pero por favor, que no os la cuenten.

Instrucciones de uso: No dejes que te estropeen los giros argumentales, libérate de prejuicios y vete a un cine a ver el primer experimento con el terror y el thriller psicológico del más internacional y ambicioso de nuestros directores. Hará las delicias de los fans del cine sugerente, atrevido y provocador dispuestos a olvidar algún que otro pecado argumental.

Agradecido y emocionado debe estar Antonio Banderas con su primer trabajo con Almodóvar en más de veinte años: Robert Ledgard, un vengativo y repugante cirujano sin límites que, curiosamente, saca del malagueño la más contenida y carismática de sus interpretaciones en al menos diez años. La frialdad del protagonista de ¡Átame! o La ley del deseo contrasta con la espectacular belleza y poderío de una Elena Anaya que hereda el papel protagonista de una Penélope Cruz que no pudo protagonizar la película por problemas de agenda. Consciente de estar ante una oportunidad única, la musa de Medem está a la altura de la etiqueta chica Almodóvar y compone un personaje icónico, difícil y muy muy sugerente. Sin apoderarse la película pero cumpliendo con su trabajo con nota, están Jan Cornet y Blanca Suárez, jóvenes intérpretes que cubren las expectativas donde otros fracasaron (Liberto Rabal o Rubén Ochandiano siendo los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza). En un papel muy presente aunque un tanto desdibujado Marisa Paredes (inolvidable Huma Rojo o Leo Macías) está a la altura de lo que se espera de ella en su sexta colaboración con el director.


El que no hace ningún favor a la película es Roberto Álamo y, sobre todo, su personaje en uno de esos clásicos excesos almodovarianos que tan para atrás echan a los críticos del cineasta. Ni Álamo hace un buen trabajo (lo que resulta sorprendente después de fascinar y enamorar con su interpretación en el Urtain de Animalario), ni su personaje hace otra cosa que entorpecer y dificultar una trama que es más simple de lo que parece ni se entiende en ningún momento que su personaje sea brasileño. Demasiados ni en un personaje de esos que justifican la frase "lo que no suma, resta". Detalles como ese o la confusión sobre el origen y motivaciones de la venganza de Robert enturbian la estructura de una película diferente y original que se debe consolar con la etiqueta de notable. Que no es poco.

Imperfecta, confusa, excesiva y deliberadamente loca.... Se pueden utilizar numerosos adjetivos para definir La piel que habito y no todos ellos serán positivos, pero si la película y la propia carrera del cineasta se han ganado una calificación es la de imprescindible. Los genios, incluso cuando no nos ofrecen su obra magna (no siempre se puede estar a altura de películas tan brillantes y únicas como Volver, Átame, Hable con ella o tantas otras), merecen ser escuchados, vistos y apreciados. Siempre.

Seguir leyendo »

Escapando de la muerte una vez más

Imper ha sido nuestro corresponsal en Barcelona, asistiendo al visionado de la última entrega de Destino Final, y ha querido compartir sus impresiones.

Sam Lawton tiene una premonición sobre el colapso de un puente colgante que causaría su muerte y la de otras personas. La visión se hace realidad, pero Sam se las arregla para salvarse a sí mismo y a algunos otros de la catastrófica tragedia. Sin embargo, Sam y su novia Molly descubren que no están realmente a salvo: la muerte los persigue a ellos y a los que sobrevivieron al horrible accidente.

Esta es la premisa de Destino Final 5, la más reciente entrega de una franquicia que sigue cosechando entregas desde el año 2000. Basadándose en el argumento de ún capítulo de la mítica serie Expediente X, llevaron el concepto a la gran pantalla consiguiendo un buen thriller con humor negro, increíbles efectos visuales y muertes aparatosas y sangrientas.

Actores como Nick D’Agosto, Emma Bell o Tony Todd hacen muy bien su papel en una película que vuelve a los orígenes de la saga, incluyendobastantes guiños a las anteriores entregas, con una banda sonora que siempre te pone en situación y el guión simple y muy predecible pero que tiene buenos momentos. En conjunto le han dado un buen enfoque combinando lo mejor de la primera entrega con un estilo distinto y siendo originales con las muertes, algo admirable al tratarse de una saga que llevaba tiempo de capa caída.

Instrucciones de uso: La combinacion de los factores típicos de la saga hacen de esta película apto solo para los de estomago fuerte o les guste este tipo de genero.

Entre sustos, momentos de tensión y muertes bastante visuales, Destino final 5 puede ser una película disfrutable si eres alguien que le guste las películas de terror. Se estrenara este viernes 26 de Agosto.

Seguir leyendo »

El origen del planeta de los simios.... o cómo un mono se convirtió en el personaje del verano

No deja de ser curioso que haya tenido que venir un perfecto desconocido como Rupert Wyatt para conseguir lo que Tim Burton no pudo hacer hace ya diez años: insuflar de nuevo vida a la saga El planeta de los simios. Con un presupuesto ajustado (93 millones de dólares), esta precuela nos explica la aparición de estos avanzados e inteligentes simios que terminan por dominar y esclavizar a los seres humanos. ¿Y quién es el origen de todo esto? Cesar, un mono al que da vida (y de qué manera) Andy Serkis. El mismo que hizo de King Kong y Gollum, sí.

Es característica ya habitual que los blockbusters veraniegos estén llenos de personajes planos y vacíos que sirven exclusivamente para hacer avanzar la acción de una película llena de secuencias espectaculares que en realidad no van a ninguna parte (hola saga Transformers). Esto no sucede en esta ocasión.

En El origen del planeta de los simios las cosas están contadas sin prisa pero sin pausa, sin olvidarse en ningún momento de la palabra "conflicto" y con un tono que parece más cercano al drama que a cualquier otra cosa. El tono shakespeariano de las relaciones paternofiliales y la evolución del personaje de Shakespeare se apoderan de un guión sorprendemente acertado, que hace honor al concepto "progresión dramática". Aquí las cosas no suceden porque sí, se toman su ritmo y todas están encaminadas a explicarnos cómo y por qué un grupo de monos se acaba rebelando. Un grupo de animales que, de la mano de la genial WETA, acaba teniendo más corazón y profundidad que los personajes humanos que tampoco se benefician de un casting particularmente acertado: con un James Franco cumple pero no tiene el carisma que había demostrado en otras intervenciones y una Freida Pinto que nos recuerda que ser guapa y buena actriz no es necesariamente lo mismo. Su personaje, inutil para la trama, es uno de los pocos defectos de la potente y hasta emotiva historia que cuenta el film.

Instrucciones de uso: Sin cambiarte la vida ni redefinir el cine comercial en ningún momento (tampoco es labor de un novato como Rupert Wyatt), El origen del planeta de los simios nos recuerda que los blockbusters también pueden ser emotivos y que, en las peliculas, el término conflicto no es necesariamente un sinónimo de pelea.

A los detractores (los pocos que hay: la película ha sorprendido por gustar de un modo casi unánime a crítica y público) que echan de menos el maquillaje en los monos y que se quejan de un exceso de humanización de los monos por culpa de los efectos especiales, sólo se les puede decir una cosa: gracias a la estupenda técnica del film nos encontramos con un sensacional trabajo de Serkis que consigue, una vez más, que una criatura digital tenga alma y conecte con el especador. Tambíén ayuda una más que acertada puesta en escena de Wyatt, que nos permite regalarnos varios planos espectaculares (como ese reflejo en el que se ve la huída de todos los monos) que se ven acompañados de una brillante banda sonora a cargo de Patrick Doyle.

El origen del planeta de los simios es un buen ejemplo de las virtudes y concesiones que debería tener una buena película de verano. Y es que, señores, que sea verano no significa que se nos haya fundido el cerebro.

Seguir leyendo »

San Sebastián 2011: se completa la selección de títulos de la prometedora 59 edición del festival

El 16 de septiembre arranca la 59 edición del Festival de San Sebastián, la primera bajo la dirección de José Luis Rebordinos. Hasta este año conocido por su labor tras la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y el Festival de Cine y Derechos Humanos, este donostiarra de 48 años se estrena en el cargo determinado a dar al Zinemalida la mejor edición en muchos años. El director canario Juan Carlos Fresnadillo abrirá la sección oficial fuera de competición con el thriller Intruders, protagonizado por Clive Owen. En Zabaltegui los honores van a parar a las manos de Terrence Malick y su El árbol de la vida. La comedia francesa Intouchables se encargará de cerrar un festival que, como ya comentamos, honrará la carrera de la gran Glenn Close con el premio Donostia.

En la Sección Oficial aparecen nombres de veteranos como Arturo Ripstein (Las razones del corazón), Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados), Terence Davies (The Deep Blue Sea), Hirokazu Kore-eda (I wish) , Ki Duk Kim (Amen) o jóvenes promesas de la dirección como Benito Zambrano (La voz dormida), Oren Moverman (Rampart) o las actrices Julie Delpy (Le Skylab) y Sarah Polley (Take this waltz). Mucho nombre en una sección que también contará con Rodrigo García, que presentará fuera de competición Albert Nobbs (la esperada películad de la ya citada y premiada Close).

Eb la sección Perlas de otros festivales podremos ver alguno de los títulos que más han gustado en Cannes (la comedia muda The Artist, el thriller de acción Drive o Le Havre, Kaurismaki), Venecia (lo nuevo de Johnnie To o el prometedor Steve McQueen, Shame), la última joya indie sacada de Sundance (Martha Marcy May Marlene, Tyrannosaur) o el último Oso de Oro del festival de Berlín (Nader y Simin, una separación).

No menos interesantes son los estrenos de dos películas del fantástico español que darán mucho que hablar los próximos meses: el Extraterrestre de Nacho Vigalondo y Verbo, la ópera prima de Eduardo Chapero - Jackson. Por último añadir que también se estrenará el documental George Harrison: living in the material world, obra ni más ni menos que de Martin Scorsese. Por resumir, en San Sebastián veremos los nuevos proyectos de actores como Ryan Gosling, Michael Fassbender, Brad Pitt, Sean Penn, Carey Mulligan (que presenta dos películas), Rachel Weisz, Michelle Williams, Woody Harrelson, Robin Wright, Steve Buscemi, Sigourney Weaver, Nadine Labaki, Peter Mullan, Seth Rogen, Salma Hayek, Géraldine Chaplin, Chiara Mastroianni... ¿Alguien da más?

Para conocer más títulos que se exhibirán en la ciudad vasca, no dudéis en visitar la página oficial del festival.

Seguir leyendo »

Glenn Close, Premio Donostia 2011.

Tras conceder el premio a la que una vez fue la novia de América Julia Roberts, la 59 edición del Festival de cine de San Sebastián otorga el premio Donostia a Glenn Close, una actriz de indudable talento e impresionante carrera que presenta, fuera de concurso, su última película, Albert Nobbs.

En estos últimos años, Glenn Close ha interpretado a uno de los personajes femeninos más fuertes, retorcidos e interesantes de la televisión americana en el drama legal Damages, papel por el que se ha ganado ya dos Emmys y un Globo de Oro. No ha sido su único papel en televisión, además de algunas tv-movies, fue la poli dura Mónica Rawling en The Shield.

Con más de 60 trabajos a sus espaldas, no es complicado encontrar a Glenn Close en alguna de nuestras películas favoritas o en grandes clásicos. Fue Alex Forrest en Atracción Fatal y la marquesa Isabelle en la inolvidable Las Amistades Peligrosas. Ha sido la primera dama americana en la paródica y genial Mars Attacks y  Sarah en Reencuentro. Ha trabajado con Ron Howard y Robert Altman. Hasta la hemos visto como un pirata cobarde torturado por el Capitán Garfio en Hook.

A pesar de haber sido nominada varias veces, nunca ha recibido un Oscar de la academia pero sí tiene algunos premios Tony en su estantería por varios trabajos en Broadway que incluyen obras de Mike Nichols como La muerte y la doncella o  The Real Thing.

Personalmente, guardo con cariño su papel en Cosas que diría con sólo mirarla que, por cierto, está dirigida por Rodrigo García, director de la película que presenta en el festival y con quien también trabajó en Nine Lives. Things you can tell just by looking at her es un drama coral, como la mayoría de trabajos de García, que relata la forma de enfrentarse a la vida y a sus problemas de cinco mujeres, un título altamente recomendable, de una sensibilidad únicas y con un reparto increíble. Cambio recomendable por imprescindible.

 

Como llevamos haciendo ya varios años, tanto Daniel como yo vamos a asistir al Festival Internacional de San Sebastián por lo que podréis seguir nuestra crónica y críticas de esos nueve días cinéfilos aquí en La Última Peli y en la etiqueta 59 ed. SS.

Seguir leyendo »

La hilarante boda de mi mejor amiga

Una vez más, no se han lucido con la traducción de Bridesmaids, una comedia divertida con toques ácidos, absurdos e incluso escatológicos que está muy lejos de esas comedias románticas simplonas que el título español puede evocar.

Judd Appatow es sin duda uno de los productores cinematográficos de comedia en alza actualmente. Tras títulos como Virgen a los 40, Lío embarazoso o Supersalidos, Kristen Wiig y Annie Mumolo, actrices y guionistas en el mítico programa de sketches Saturday Night Live, se acercaron a Appatow con este proyecto de mujeres protagonizado por mujeres que él aceptó sin dudar.

Wiig y Mumolo cuentan lo natural que resultó para todos la escritura de este guión. Tras realizar ellas el trabajo de escritura, dedicaron días a interpretar e improvisar las secuencias, eliminando y añadiendo detalles, frases o gags que perfeccionaban el ritmo y la fluidez de la historia. Cuando Paul Feig entró como director de la cinta, que tampoco está falto de credenciales con fantásticas series a sus espaldas como The Office o Arrested Development, se completó el grupo creativo que nos ha regalado una de las mejores comedias del año.

La mayor virtud de Bridesmaids es su protagonista, Annie. Aunque tenga un punto de loca y emocionalmente torpe, resulta una mujer muy natural con la que es fácil identificarse. Esta naturalidad se translada al resto de mujeres que, dentro del amplio rango de personalidades y actitudes, conforman un grupo que desarrolla una química muy real y tremendamente divertida que hace evidente esa tendencia a la improvisación que se trasladó también al rodaje.

Instrucciones de uso: No voy a negar la evidencia, aunque considero que este título es apto tanto para hombres para mujeres, ya que hay humor para todos los gustos, los temas, conflictos y enfrentamientos de un reparto con seis mujeres son bastante femeninos. Pero claro, es precisamente la habilidad y genialidad de introducir una secuencia increíblemente escatológica en el típico momento “probémonos vestidos de novia” lo que aleja a la película de ser la típica comedia para mujeres.

La boda de mi mejor amiga es tan divertida como recomendable, con un reparto excelente y, en definitiva, un soplo de aire fresco en un género que está en terribles horas bajas como es el de la comedia romántica. Se estrena este viernes 12 de Agosto.

Seguir leyendo »

Arrietty: Lo nuevo de Ghibli.

Hayao Miyazaki tenía en mente adaptar el mundo de Los Borrowers, creado por la escritora de libros infantiles Mary Norton, desde que a los 20 años leyó algunas de las historias. Cuarenta años después, Hiromasa Yonebayashi se pone tras las cámaras por primera vez después de muchos años como creativo en el Estudio Ghibli, para dirigir este guión en el que el maestro Miyazaki vuelca su tono, temas y tics característicos.

Arriety es una borrower de 14 años que, junto a su padre, va a realizar su primera incursión al mundo de los humanos para tomar algo prestado. Pero las cosas no salen bien y Shô, un joven enfermo que ha ido a pasar el verano en casa de su abuela, la ve.

Kari-gurashi no Arietti se mueve entre la inocencia, la magia y la experiencia de descubrir un mundo de Mi Vecino Totoro, una protagonista de esas decididas y valientes heroínas que frecuentan la filmografía del estudio japonés y los temas habituales del cine de Miyazaki como son el amor y respeto a la naturaleza, la soledad, la infancia, la esperanza o el valor de la familia y la confianza. ¡Y hay un gato con mala uva!

Técnicamente, el film es una delicia. El diseño de producción combina a la perfección el preciosismo de los jardines y la naturaleza de los escenarios con una cuidada relación de aspecto, algo que se potencia aún más con excelente uso del montaje de sonido que consigue atrapar al espectador tanto en el mundo de percepción de los diminutos como en el de los humanos. Yonebayashi aprovecha todo esto y realiza un brillante trabajo con los planos, recurriendo frecuentemente a planos subjetivos que nos hacen vivir ese mundo en miniatura. Esta vez el gran Joe Hisaishi ha descansado y la banda sonora corre a cargo de Cécile Corbel, compositora francesa fan del las películas del estudio que envió unos temas y acabó componiendo todo el sountrack tanto en japonés como en inglés y francés.

Instrucciones de uso: Arriety es más adulta de lo que parece por los temas que trata pero no tiene ni pretende tener el tono de otros títulos de Ghibli como La Princesa Mononoke o Chihiro. Está en una línea más inocente y cercana a la de Mi Vecino Totoro o Nicky aprendiz de bruja.

Arriety y el mundo de los diminutos, título con el que Aurum la distribuye en España, es sin duda un título imprescindible para todo amante de las producciones del Estudio Ghibli y una de esas películas para goce y disfrute tanto del público más familiar como de aquellos que busquen algo más de sustancia que en otras películas animadas. Se estrena en las salas el 16 de Septiembre. Aquí podéis ver el trailer japonés (el español un poco más y cuenta el final).

Seguir leyendo »