Si la cosa funciona, otra vuelta de tuerca al universo Allen

Woody Allen regresa en su ya obligada cita anual con Si la cosa funciona, con la particularidad de que el cineasta vuelve a Nueva York después de cuatro aventuras europeas (cuya mejor experiencia fue la más que notable innovación - para el cine de Allen - de Match Point y el excelente trabajo de Penélope Cruz en VCB... todo lo demás es bastane olvidable).

En Si la cosa funciona, Boris Yellnikoff (interpretado por el televisivo Larry David), un hombre que se considera demasiado inteligente para el resto de personas que viven este planeta y que, tras un fallido intento de suicidio, se retira a su casa en un viejo apartamento neoyorquino hasta que le sorprende la llegada de una joven - y bastante estúpida - sureña (la ascendente Evan Rachel Wood) que le cambiará la vida. Yellnikoff repite, uno a uno, todos los tópicos de los personajes nacidos tradicionalmente a la sombra del genial director y escritor neoyorquino, osea: es un snob, inteligente, hipocondríaco,... y un largo etcétera que cualquier aficionado al cine que haya visto un par de películas de Allen reconocerá al instante.

Un servidor sigue sin tener muy claro por qué Woody Allen renunció a interpretar el papel protagonista cuando tiene todo lo que requiere. No es que David haga un mal trabajo, que para nada, pero seguramente la película habría funcionado un poco mejor con él. A favor de la película están los trabajos de Wood y, sobre todo, Patricia Clarkson, una de las eternas secundarias de Hollywood que siempre encuentra el modo de estar estupenda. La trama que ella protagoniza, con una madre que va a Manhattan a rescatar a su hija para encontrarse con una vida completamente nueva, es de lo más logrado de la cinta.

¿Es una buena película? Pues sí... y no. No ofrece nada nuevo (y esto ya empieza a ser una constante, no tan positiva, en el cine de Allen) pero, para qué negarlo, el estilo y particular toque del cineasta sigue funcionando, aunque película a película vaya perdiendo parte de su fuerza, hasta el punto de que da la impresión de que este hombre no volverá a hacer una gran película.

Veremos en su nuevo proyecto - que, dada su velocidad, ya está rodado - si el director decide ir de nuevo un paso más allá y arriesgarse por hacer algo nuevo. La película, rodada de nuevo en Londres, reunirá un casting excepcional: Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin Antonio Banderas y Freida Pinto, revelada la pasada temporada con su Slumdog Millionaire. Pese a todos los peros de las películas de Allen, sus proyectos me seguirán hasta el momento en que, lamentablemente, la luz de uno de los grandes genios del cine se apague.

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Una de trailers

Ya hay trailer y avance de sinopsis para algunos de los estrenos más interesantes del 2009 / 2010. Entre ellos, una esperada ópera prima, una impresionante reunión de estrellas y la película norteamericana más sorprendente de la temporada.

En El Mal ajeno Diego es un médico acostumbrado a manejar situaciones límite, que se ha inmunizado ante el dolor ajeno. El intento de suicidio de Sara, una de sus pacientes, provocará que el compañero sentimental de ésta señale al médico como responsable directo de lo ocurrido durante un amenazante encuentro. Horas después, Diego sólo recuerda el ruido de un disparo, y la extraña sensación de haber recibido algo más que un encargo durante este incidente... Produce Amenábar, escribe Sánchez Arévalo y tiene a Eduardo Noriega, Belén Rueda y Clara Lago entre sus estrellas. El director nóvel es Oskar Santos.



A mí desde luego, me da un poco igual de qué va Valentine's Day (aunque su título sea suficientemente elocuente) porque lo que importa de la nueva película de Garry Marshall (responsable de ese clásico inevitable que es Pretty Woman)es el apabullante desfile de estrellas que tendrá la película. Hay que ser oportunista para usar el I gotta feeling de los Black eyed peas en el trailer de la película pero se perdona cuando unes en pantalla, entre otras, a tres generaciones maravillosas como Anne Hathaway, Julia Roberts o Shirley McLaine. Para ver las decenas de caras restantes es mejor ver el trailer. Hay tanta estrella junta que, después de presentarlas todas en el avance, no hay tiempo para contar de qué va la película.



La última cinta de la que hablamos es Up in the Air, la primera película del realizador Jason Reitman, desde Juno. George Clooney es la estrella de una película que está arrasando en los festivales y que se perfila como una de las favoritas de cara a los próximos Oscars. Ryan Bingham es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida en la carretera se ve amenazada en el momento en que está a punto de ganar diez millones de millas en vuelos frecuentes, y justo después de haber conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.

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Le refuge, cuando la realidad supera a la ficción

Sábado 19 de septiembre. Son las 9.10 de la mañana y diez minutos antes ha empezado la proyección de la francesa Le refuge (El refugio)cuando un grupo de espectadores empiezan a gritar en mitad de la proyección pidiendo asistencia médica para atender a un espectador que le ha dado un chungo brutal en el mismo momento que, en pantalla, vemos como, muy gráficamente, una pareja de jóvenes parisinos se meten picos por todas partes (desde el tobillo hasta el cuello). Desde la primera llamada de socorro hasta que el espectador - paciente fue atentido seguimos viendo como la proyección, que no se detuvo, nos motraba la muerte y posterior entierro de uno del chico. Afortunadamente al espectador finalmente no le paso nada grave. Como comentaron en algunas críticas, vaya metalingüísmo más brutal para empezar el festival.

¿Cómo mantener la atención sobre la película después de algo como esto? La película del generalmente interesante François Ozon, que logró finalmente el Gran Premio del Jurado, lo consigue pero siguiendo para ello un camino mucho más tranquilo, reposado, reflexivo. Gracias a Dios. Lo que pareciía que iba a ser una película brutal sobre una pareja de yonquis se convierte en la tranquila y pausada (algunos han considerado que demasiado) reflexión sobre la marcha de un ser querido, el papel de uno en la vida y la ma/paternidad que todos llevamos dentro. Con una puesta en escena agradable y preciosista, desde la banda sonora hasta su fotografía, se nos cuenta una historia sencilla pero efectiva y bonita. Debo reconocer no obstante, que su tercer acto (y en especial la polémica decisión de uno de los protagonistas) no me terminó de convencer aunque en el fondo fuese coherente.

Le refuge no alcanza el nivel de la muy interesante El tiempo que queda (la otra película de Ozon que he visto, un excelente drama protagonizado por Melvin Poupad, que aquí interpreta al joven muerto) pero se queda en un drama efectivo, emotivo y, para qué negarlo, bastante francés. Aunque no es que eso a mí me importe.

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La ópera prima Moon arrasa en Sitges con cuatro premios

Moon, la opera prima del norteamericano Duncan Jones (hijo del legendario David Bowie), ha cumplido los pronósticos al alzarse como la gran vencedora del festival de Sitges al lograr, entre otros, los galardones a mejor película e interpretación para Sam Rockwell, en otro premio que se veía venir.

La española Elena Anaya se llevó el premio a mejor interpretación femenina por la criticada Hierro, compartido con la coreana Kim Ok-vin por Thirst. La francesa Enter the void se llevó el premio especial del Jurado y Brillante Mendoza por Kinatay el de mejor director. Zombieland, actual número 1 de la taquilla estadounidense, ha ganado el premio del público.

Recordar a los espectadores que Moon se estrenó precisamente el pasado viernes, esperemos que este reconocimiento sirva a la película para aumentar su taquilla.

PALMARÉS SECCIÓN OFICIAL
Mejor Diseño de Producción - Patrocinado por el Parc Audiovisual de Catalunya

Tony Noble por Moon

Mejores Efectos de Maquillaje
Kaatje Van Damme por Mr. Nobody

Mejores Efectos Especiales
KNB EFX Group por Splice

Mejor Banda Sonora Original
Teresa Barrozo por Kinatay

Mejor Fotografía
Benoit Debie por Enter the Void

Mejor Guión
Nathan Parker, basado en la historia original de Duncan Jones, por Moon

Mejor Actriz
Ex-aequo: Elena Anaya por Hierro y Kim Ok-vin por Thirst

Mejor Actor
Sam Rockwell por Moon

Mejor Director
Brillante Mendoza por Kinatay

Premio Especial del Jurado
Enter the Void de Gaspar Noé

Mejor Película
Moon de Duncan Jones

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A l'interieur, mama que miedo

Hace unos meses hablábamos de Martyrs, la última sensación del siempre prolífico cine de género francés. El film, que despertó sensaciones encontradas en el público (yo debe reconocer que soy más detractor que fan), sucedía como fenómeno cinematográfico a la cinta que aquí nos ocupa: A l'interieur, una brutal y sorprendente ópera prima de los realizadores Alexandre Bustillo y Julien Maury, que este año estrenarán su segunda obra, la británica Livid.

¿Por qué hablo de esta película estrenada hace dos años (inédita en nuestras salas a pesar de obtener dos premios en Sitges) en nuestra cobertura del festival? La respuesta es simple: la cinta se exhibió en San Sebastián dentro del interesantísimo ciclo La contraola: el novísimo cine francés.

Quería contar lo menos posible - y asi lo haré - en la crítica de la película pero que el poster sea la imagen que vemos a la izquierda de la noticia me facilita enormemente el trabajo. ¿Cómo hablar de A l'interieur sin destripar que realmente va de una mujer le quiere quitar el bebe a otra que está a punto de dar a luz?

Si la película funciona a este nivel es porque pone en imagen un horror que jamás se había visto en una pantalla (no deja de ser curioso que la crítica coincida con la muerte de la asesina de Sharon Tate). El espectador sufre como nunca al ver como una mujer embarazada es perseguida y atacada de un modo tan brutal, diciéndose en todo momento "no van a ser capaces de hacer eso" y vaya si lo son. Se puede acusar a esta A l'interieur de perder parte de su efecto novedad según avanza la historia: llega un momento que la violencia es tan brutal y explícita que la línea que separa la barrera entre el terror y la comedia es cada vez más y más fina.

A la salida de la película, mi acompañante decía que esperaba que detrás de esta historia hubiese algo más que el morbo de usar el recurso de la mujer embarazada. Yo, sinceramente, pienso que no lo hay. No creo que haya una segunda lectura, como si pasaba por ejemplo en la - muy inferior - Martyrs. Tampoco hace falta: la película es impactante y merece la pena en todo momento.

Una película dura, no para todos los estómagos (no obstante, el aprensivo 20% aproximado del publico se salió de la sala antes de que terminase la proyección), pero definitivamente interesante que nunca debió ser olvidada por los distribuidores con la base de fans del cine de terror que hay en nuestro país, sobre todo si tenemos en cuenta la cantidad de bodrios que se estrenan mensualmente en España. Pero bueno, gracias a Dios se creó el dvd e internet.

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Precious, el naturalismo más brutal

Hay que reconocer que empezar película con una brutal voz en off que reza Me llamo Precious. Tengo 16 años, voy todavía al instituto y me acabo de quedar embarazada por segunda vez de mi padre es toda una declaración de intenciones que se queda grabado a fuego en la mente del espectador. Siempre que alguién me ha preguntado de qué va Precious, le reproduzco automáticamente esa frase que recuerdo desde que, hace unas semanas vi el trailer. Dicho esto, hay que reconocer que en las manos equivocadas, en el momento equivocado, podríamos estar ante uno de los telefilms más tremendos de la década (algo así como el Boys don't cry de los 2000, esa tragedia que solo merece la pena ser revisitada por el espectacular trabajo de Hilary Swank). Afortunadamente, esta Precious va más allá.

Se puede acusar a Lee Daniels - quién durante la presentación de la película, en un ataque de honestidad, dio gracias al festival por acoger sus películas, incluso las malas, en clara referencia a la horrenda Shadowboxer, que pude ver hace tres años en la sección Nuevos directores - de hacer una película populista, un crowdpleaser que llaman en Estados Unidos (no obstante ha ganado el premio del público en los festivales de San Sebastián, Toronto y Sundance) pero también hay que reconocerle que estamos ante una de las películas más poderosas e interesantes de los últimos tiempos.


En numerosas ocasiones - el año pasado con Camino, sin ir más lejos - hemos visto las desventuras de una heroína puteada que tiene alucinaciones / ensoñaciones para superar todas sus penurias. Daniel repite el recurso aunque le da una inesperada frescura y autenticidad que a estas alturas de la jugada no se espera (la mejor de ellas, sin duda, es la inclusión de Precious y su madre en una película neorrealista italiana). Y hablando de su madre, Monique (a secas, sí, como Cher y Chayanne) aspira a ganar todo este año por la interpretación de la monstruosa madre de la protagonista. A pesar de ser un papel sin contrastes y excesivo a todas luces, lo espectacular de dos de las escenas cumbres de la película (entre ellas el desgarrador final, que Monique roba absolutamente), auténticos clips de Oscar prefabricados, hace que, días después de ver la película, el espectador siga sin poder olvidar la película. En otra liga juega la debutante, Gabby Sidibe, que apuesta por la naturalidad y la credibilidad en un papel difícil y emotivo. No deja de ser curioso como los dos papeles centrales (lo siento por los fans de Mariah Carey, sólo aparece en dos escenas) de la película se afrontan desde dos lugares tan opuestos.


Al igual que El secreto de sus ojos, esta adaptación de una tal Saphire, Precious parte de una historia un tanto tópica - aunque sin llevar a los extremos de la cinta de Daniels - que se salva, y hasta qué punto, tras demostrarse de nuevo que el cine es un medio en el que muchas veces es más importante el cómo se cuentan las cosas, que lo que estás contando en realidad. En definitiva, una gran película, original, emotiva y, pese a las atrocidades que se están contando en pantalla, divertida.Imprescindible.

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Spamalot, el éxito de Broadway llega a Madrid

Monty Python's Spamalot llega a Madrid tras su exitoso paso por Barcelona y arrasar en Broadway con tres premios Tony (entre ellos el de mejor musical y mejor actriz de reparto para una extraordinaria Sara Ramirez). Amparados de nuevo por la adaptación al castellano desarrollada por los geniales cómicos Tricicle (de los que debo reconocer sólo he visto en directo con Sit) y basándose en el libreto de John Du Prez y Eric Idle, miembro de los Monty Python.

Se agradece que los productores españoles se hayan arriesgado a traer un musical diferente como éste, en lugar de clásicas apuestas como Grease o Fiebre del sábado noche. Tras mi paso por Broadway (en el que vi grandiosos musicales como Wicked, Spring awakening o Rent) pensé que me iba a quedar sin ver la obra.

Pero antes de comentar mi parecer expliquemos que Spamalot es una comedia musical basada ligeramente en la película Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores de los Monty Phyton. Como en la película, es una irreverente parodia de la leyenda del Rey Arturo, pero con bastantes diferencias con respecto a la película, especialmente por sus parodias a las obras musicales de Broadway.

¿Por qué merece tanto la pena ver esta propuesta? Las razones son dos, básicamente: la primera es que se puede ver como uno de esos musicales que les gustará a aquellas personas que no les entusiasman los musicales. Apuesta visceralmente por el humor (unas veces más simple, otras más ingenioso) y por la parodia de judíos, gays, musicales y todo lo que se le ponga por delante. No es que sea original, pero definitivamente funciona. La otra gran razón es la fantástica y ya icónica Dama del lago (ya sea un su versión castiza o en la espectacular interpretación de Ramirez, aquí se puede ver la divertidísima "¿Qué le ha pasado a mi papel?"), una diva tan egocéntrica como genial que roba la función cada vez que aparece en escena.

En contra del musical nos encontramos con un argumento que se cae por su propio peso y que no es más que una excusa para que el espectador vea una rehátila de gags y números musicales con los que divertirse a gusto, que no es poco. En conclusión, no es de los mejores espectáculos que he visto pero definitivamente uno de los más divertidos. Totalmente recomendable.

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El secreto de sus ojos, una lección de cine

Que alguien me explique por qué la magistral El secreto de sus ojos no se llevó ni un mísero premio este año en Donostia. Dudo enormemente que ninguna película exhibida a concurso este año en San Sebastián tenga el impacto emocional y cinematográfico que la nueva aventura de Juan José Campanella, un director que logró la fama con la tierna El hijo de la novia y que consigue aquí, de nuevo con Ricardo Darín, una película extraordinaria: un relato fascinante que funciona a la perfección como thriller, como drama romántico y como comedia (espectaculares frases e interpretación de Guillermo Francella, todo un descubrimiento). Es un ejemplo de película total o como la definió Luis Martínez para El mundo: La fórmula perfecta del cine emocional, quizá sentimental.

Una película sobre la búsqueda, representada de diferentes formas, del amor perdido: ya sea porque un horrible crimen te arrebató el amor de tu vida o porque nunca te has atrevido a decir a la mujer que siempre quisiste palabras tan simples y complicadas al mismo tiempo como "te amo". No estamos, aunque pueda parecerlo por mis comentarios, ante una película ñoña: nada más lejos de la realidad. La cinta no sólo va directa al corazón, sino también al estómago. Sus últimos diez minutos (innecesarios flashazos explicativos aparte) son tan devastadores como hermosos. La solución al enigma, que hemos tenido tan cerca y tan lejos al mismo tiempo, es sensacional, el mejor ejemplo del final perfecto que hablan autores como McKee o el guionista William Goldman: lógico y soprendente al mismo tiempo. Son los efectos que consigue la película que merece ganar este año el Oscar a la mejor película extranjera (cómo se lo den a la pedante y sobrevalorada The white ribbon de Haneke, me doy de baja como Oscarófilo).

En dos horas de metraje nos encontramos con un grupo de fantásticos actores (todos perfectos, aunque yo me quedo con el espectacular trabajo de los secundarios), gags memorables y escenas que se recordarán como lo mejor del 2009 (sin concretar spoilers: el espectacular plano secuencia en el estadio de fútbol, el encuentro en la estación de tren o el interrogatorio).

Lo más sorpendente es como, si te fijas en la historia, estamos ante un relato de lo más convencional, sin grandes estridencias ni increibles puntos de giro. Lo que ves es lo que hay, ni más ni menos. Ni falta que le hace a la película. El secreto de sus ojos es, para un servidor, probablemente la mejor película del año.

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Disfrutando de El Baile de la Victoria

Creo que es conveniente empezar diciendo que las películas españolas me suelen dar mucha pereza por defecto. Me gustaría que no fuera así, pero así es. Y si encima añades acento sudamericano ya la cosa se pone más fea aún. Intento superarlo pero, hasta entonces, lo bueno que tienen los festivales de cine es que estas "in the mood" para todo tipo de perfil de película aunque no sea el que frecuentas.

Con el pase de "El Baile de la Victoria" a las nueve de la mañana, no estaba yo demasiado entusiasmada con la idea pero, sin embargo, ha resultado uno de los títulos que más han conectado conmigo y más satisfecha me han dejado.

Fernando Trueba nos ofrece con El Baile de la Victoria dos historias que se fusionan en una. Por una parte tenemos a un renombrado ladrón, Ricardo Darín, que sale de la cárcel tras cinco años y trata de encontrar a su mujer. Por el otro tenemos a un joven pillo que sale también de la cárcel tras cumplir dos años de condena por una chiquillada. Ángel Santiago, que así se llama el joven, conoce por casualidad a Victoria, una tímida muchacha pobre que ha desarrollado un talento asombroso para la danza desde que era niña.

Algunas críticas que se han oído tras su proyección iban precisamente referidas a esta diversificación de historias pero personalmente pienso que todo el desarrollo del guión lleva cada trama en su justa medida. La historia del personaje de Darín está para ponerle un pasado y un presente y entender lo que supone su vida desde el momento en el que se une a ángel. Su trama propia muere cuando ha de hacerlo.

Por su parte, el joven Abel Ayala interpreta de forma muy fresca al joven pilluelo enamorado acompañado de la réplica siempre tan personal de Ricardo Darín. Miranda Bodenhofer, la Victoria del título, es una bailarina profesional que se desenvuelve perfectamente en la interpretación de la silenciosa bailarina. Todo el elenco conecta fácil y rápidamente con el espectador.

El ritmo de la historia consigue solventar algunos puntos negros que hay en el guión. Sin embargo hay algo que parece común en este tipo de historias y es esa tragedia al término del film… Da la impresión de que piensan que sin este tipo de giros dramáticos la historia pierde calidad o redondez.

Lo mejor: Cómo Ángel te contagia su alegría, su optimismo e, incluso, su ingenuidad.
Lo peor: El final. El resultado habría sido el mismo y la historia igual de redonda sin necesidad del giro trágico.

El Baile de la Victoria es una historia sobre los nuevos comienzos y sobre el amor que no conoce límites. Juega con el drama, la comedia, la sátira y la parodia. Consigue crear tensión cuando quiere y emocionar al espectador.

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La china City of life gana la Concha de Oro en un prolífico palmarés para el cine español

Por 57ª ocasión, el Festival de cine de San Sebastián cierra sus puertas y, para no faltar a la tradición, vuelve a haber polémica y pitidos varios en la lectura del palmarés decidido por el jurado, presidido en esta ocasión por Laurent Cantent.

La china City of life and death, aclamada por buena parte de la crítica, se ha alzado con la Concha de Oro. El problema aparece cuando la gran favorita de crítica y público, la extraordinaria El secreto de sus ojos (de la que hablaremos muy pronto) se va de vacío. Javier Rebollo, probablemente el más auteur de los cineastas españoles (y sí, no lo digo como algo más positivo), fue nombrado como mejor director mientras la pareja Lola Dueñas - Pablo Pineda, ambos en Yo, también, fueron escogidos los mejores actores. Pineda, primer europeo que padece síndrome de Down en sacarse una carrera, superó a favoritos como Ricardo Darín o Robert Duvall.

Habrá que esperar al estreno de las cintas premiadas (durante mi estancia en el festival sólo pude ver Le refuge, ganadora del segundo premio y de la que hablaremos en unos días) para opinar con propiedad, pero todo a punto a que el jurado ha decidido barrer demasiado para casa en un festival que se ha visto salpicado por la nueva y controvertida Ley del Cine. Con la lectura del palmarés y las críticas ya publicadas de las películas que abrieron la sección oficial y Zabaltegui, abrimos una serie de publicaciones sobre las películas que pudimos ver en Donosti la semana pasada.


PALMARÉS 57 edición Festival de San Sebastián

Concha de Oro a la mejor película: City of life and death, de Lu Chuan (China)
Premio especial del jurado: Le refuge, de François Ozon (Francia)
Concha de Plata al mejor director: Javier Rebollo, La mujer sin piano (España - Francia)
Concha de Plata a la mejor interpretación masculina: Pablo Pineda, Yo también (España)
Concha de Plata a la mejor interpretación femenina: Lola Dueñas, Yo también (España)
Mejor fotografía: Cao yu, City of life and death (China)
Mejor guión: Andres Bowell, Melissa Reeves, Patricia Cornelius y Christos Tsiolkas, Blessed (Australia)

Otros premios
Premio Kutxa Nuevos Directores: Le jour où dieu est parti en voyage, de Philippe van Leeuw (Bélgica)
Premio Horizontes Latinos: Gigante, de Adrian Biniez (Uruguay)
Premio TCM del Público: Precious, de Lee Daniels (Estados Unidos)
Premio TCM del Público a la mejor película europea: Desert flower, de Sherry Horman (Alemania)
Premio Gaztea de la Juventud: The children of Diyarbakir, de Miraz Bezar (Turquía, Alemania)

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