A estas alturas mucho (y generalmente bueno) se ha comentado sobre la nueva genialidad de Christopher Nolan pero yo no puedo resistirme a desmenuzar los motivos que para mí hacen de este título un absoluto imprescindible y el mejor del año hasta el momento (con perdón de En Tierra Hostil). Este texto va a estar repleto de detalles sobre los personajes y la trama así que, si no la has visto, no sigas leyendo y corre al cine más cercano ;)

¿Por qué me ha gustado tanto Origen y creo que es el mejor título del autor hasta ahora? Porque tiene una historia interesante, original y trepidante que, aunque compleja, se comprende perfectamente y cuenta tantas cosas con tantos detalles y niveles. Voy a intentar resumir todo aquello que más me gustó o impactó asumiendo que, probablemente, no le haga justicia.

He escrito esta entrada mientras escuchaba la fantástica banda sonora de la película, compuesta por el maestro Hans Zimmer. Tú puedes escucharla mientras me lees ;)

Los personajes
Es cierto que los personajes secundarios quedan algo superficiales. Salvo algunos deseos e impulsos que les mueven, todo el peso dramático recae sobre Cobb (un infravalorado Leonardo DiCaprio que a mí con cada película que protagoniza me gusta más), su esposa muerta y sus miedos. El resto del equipo que ayuda a implantar la idea en el subconsciente de Fisher son piezas muy necesarias para comprenderle y comprender todo el mundo onírico creado en la película pero sin objetivos. Como mucho resaltaría la curiosidad del personaje de Ellen Page.v El único con una motivación real, a parte de Cobb, es Saito.

A Cobb la culpa le supera. Creó un mundo de sueños sólo para él y su esposa en el que envejecer juntos pero acabó volviéndose en su contra y ella se olvidó de que aquello no era real. Cobb quería despertar y decidió implantar una idea en ella y conseguir que fuera consciente de que estaban en un mundo imaginario. Cuando despertábamos el pensaba que la confusión de volver a verse joven la había vuelto loca. Pero no. Esa idea implantada había llegado tan adentro que había dañado la percepción del mundo de su mujer para siempre.

El guión
La estructura del guión es realmente admirable. Comienza introduciendo al espectador directamente en el mundo de los sueños. Primero nos enseña el limbo, algo que cuando Saito es herido y Cobb explica los peligros del limbo, irremediablemente lleva a comprender la naturaleza de la primera secuencia. Después nos muestra los sueños dentro de los sueños y el valor de “la patada”. Una vez que conocemos las motivaciones que mueven a Cobb y la idea del “Origen”, llega la fase de explicar al espectador las reglas del juego.

Una historia como esta tenía muchas probabilidades de volverse demasiado confusa si no se contaba bien o de resultar demasiado tediosa si se paraban a explicar cada detalle. Pero Nolan supera con creces todos esos peligros potenciales e introduce a todos los personajes en el juego a la vez que coloca al espectador en mitad de su mundo y con sus reglas de forma más que efectiva. Poco a poco va creando esa base de tensión y para cuando están a punto de entrar en el primer nivel del subconsciente de Fisher, servidora no pudo reprimir un semiaplauso de emoción.

Pero la tensión nunca acaba. Con una habilidad pasmosa, Nolan crea diferentes niveles de narración gracias a los diferentes niveles de sueño, a todos les otorga algo interesante, en todos coloca tanto suspense como emoción y poco a poco va creciendo esa curva trepidante de la que es imposible escapar. Cada milímetro que la furgoneta caía, subía un poco mi frecuencia cardiaca.

Los géneros
Origen se mueve entre la fantasía, la acción y el drama de una forma muy efectiva. Es intensa cuando los personajes mantienen conversaciones de gran importancia dramática y con mucho contenido emocional. Es asombrosa en esos momentos de acción que resultan de lo más originales sobretodo entre niveles de sueño. ¿Quién no flipó con esa pelea en el hotel cuando la furgoneta del primer nivel giraba, haciendo cambiar la gravedad?. Además tenemos toda la mitología y reglas creadas por Nolan en torno al sueño, al subconsciente y al origen de las ideas.

Aspectos técnicos
Visualmente, Origen es una maravilla. Utiliza los efectos de forma inteligente e integrada. Todo tiene que estar al servicio de la historia. Pero eso no impide regalarnos imágenes como la del limbo, la calle doblándose sobre sí misma o esas maravillosas secuencias de acción con la gravedad cambiante (o sin gravedad). Es una historia oscura y el aspecto visual lo acompaña. Es una atmósfera gris pero saturada en algunas ocasiones para remarcar la condición onírica de la mayoría de la cinta. Y es Hans Zimmer, uno de mis compositores favoritos, el que empaqueta con lacito la historia gracias a su música oscura, profunda, intensa y con algún que otro toque épico.

El final
Muchas cosas he leído a cerca del fina y la mayoría hablan de si Cobb está en un sueño o es la realidad. Algunos han dicho que su tótem no es la peoncita sino su anillo de casado, que aparece en los sueños pero no en la realidad. Pero yo me pregunto ¿Realmente es tan importante?.

Para mí ese final es el mejor que podrían darle a una historia como esta. Básicamente la resumiría en “La ignorancia es la felicidad”. Antes de conocer la realidad sobre su vida, la mujer de Cobb era feliz. Y ahora Cobb puede que esté en la misma situación. Él había creado un edificio de recuerdos de los que se arrepentía y quería cambiar. En lo más bajo estaba la noche que su mujer se suicidó y, en lo más alto, el momento que se despidió de sus hijos sin ni siquiera verles la cara.

La base de ese edificio de recuerdos era la muerte de su mujer y, una vez superada, puede seguir adelante… o hacia arriba. ¿Ese final un recuerdo modificado dentro de un sueño? ¿Ha podido regresar a sus hijos en la realidad? ¡Qué importancia tiene! Cobb es feliz, ha conseguido su propósito. Esta idea también es apoyada por el desenlace de la misión Fisher. La estrategia final era que el joven empresario se diera cuenta de que su padre realmente le quería. Cobb y su equipo orquestan todos los niveles de tal forma que, al final, en el hospital, perciba esos sentimientos como reales y se apoyan en el molinillo que aparece en la foto que lleva Fisher en la cartera. Al final él cree que su padre le quiere. Es feliz. Se ha liberado. ¿Es verdad? No. Todo es una artimaña. Una mentira para manipularle. Pero no importa. Él tiene lo que quería: un pequeño pedacito de amor paternal.

Una de las teorías más interesantes que he leído por la web se centra en el personaje de Ellen Page. Afirman que todo lo que ocurre en la película es creado por elle ya que en la realidad es su psicoterapeuta que intenta ayudarle a superar lo de su mujer. Por ello también provoca todos los obstáculos para obligar a Cobb a ir a lo más profundo, al limbo, y enfrentarse a la realidad de lo que ocurrió con su mujer. Esto explicaría la rapidez de control y confianza que ella maneja desde el principio.

Dejando todo lo dicho atrás, soy de la opinión de que tampoco hay que darle tantas vueltas a todo. Puede que cada uno tenga una visión de los acontecimientos o una teoría distinta. Puede que algunos vean errores de cohesión en la narración o a los personajes superficiales. Pero a mí me da igual todo. Lo único que se a ciencia cierta es que hacía muchísimo tiempo que no disfrutaba tanto en el cine, que no me entregaba tantísimo a una historia, que no me sorprendía tanto un nuevo estreno, que no discutía con mis acompañantes sobre todos los detalles de un guión y que no sentía impulsos casi incontrolables de levantarme a aplaudir en algunos momentos de una película.

Podría haber seguido hablando párrafos y párrafos sobre Origen pero no lo haré. Lo único que voy a añadir en este punto de la entrada es que la última genialidad de Christopher Nolan va, sin ninguna duda, directa a mis grandes favoritas. Ya estoy deseando verla de nuevo.

Pixar estrenó sus andaduras como productora de largometrajes allá en 1995 con una película llamada Toy Story. Seguro que si ahora preguntamos a alguno de sus artífices, no podían imaginar que llegarían a estrenar una tercera parte y contar, además, con tanto éxito de crítica y público.

Toy Story es una de las mejores películas de animación que cualquiera, sin importar género, edad o procedencia, puede disfrutar. Habla de sentimientos universales y, para ello, utiliza unos interlocutores de lo más peculiar: Los juguetes.

Ya desde el momento en el que somos testigos de un puñado de soldaditos de juguete llevando a cabo una misión de reconocimiento sabemos que estamos ante algo especial, lo cual que se va confirmando a medida que avanza la historia.

Tiene sus momentos de humor, sus gracias derivadas de la naturaleza de los juguetes, sus momentos de aventura, sus autoparodias… Todo ello enlazado con una historia interesante, emotiva y magníficamente llevada.

Después de que Toy Story fuera una de mis películas de animación favoritas, mi escepticismo con la segunda parte era considerable. Llegó 4 años después, en 1999, y demostró que a veces, segundas partes sí que fueron buenas. De nuevo, este nuevo film nos regaló hora y media de risas, de cine bien hecho y de diversión para absolutamente todos los públicos. Quizá es porque la primera película de una saga cuenta siempre con el elemento novedad, pero siempre he considerado la primera parte mejor película como conjunto y la segunda la más divertida.

Las nuevas aventuras de Buzz y Woody volvían a regalarnos toda esa emotividad, toda la autoparodia que esta vez incluía nuevos juguetes a los que exprimir y todos esos conflictos y miedos que ya nos habían encandilado anteriormente.

Con la tercera y última parte de la saga ya no tenía ninguna duda: Pixar no crea para hacer caja. En Pixar han demostrado no sólo que tienen talento, sino que además miman todas y cada una de sus producciones como si fuera la única. Eso se ve de forma muy evidente en Toy Story 3, que retoma los mismos temas que sus dos antecesoras y, a pesar de ello, consiguen reinventarse a sí mismos y ofrecer algo totalmente nuevo a pesar de que el mensaje sea muy similar a los anteriores.

La tercera parte de esta saga de desventuras juguetiles lleva a otro nivel todo lo que nos habían ofrecido hasta ahora. En la primera nos ofrecieron un Buzz inconsciente de su verdadera naturaleza y un Buzz nuevo consciente que no hacía falta ser un supercomandante espacial para ser especial, importante o feliz. En la segunda entrega tuvimos a un Buzz más “juguete” que se encuentra no sólo con un Buzz como el que él solía ser, sino con el famoso villano El Emperador Zurg.

Y ahora no puedo hacer otra cosa que levantarme y aplaudir ante la nueva vuelta de tuerca: el Buzz matón, de nuevo, comandante espacial y su evolución al Buzz latino, sus piropos y sus bailecito. Ataque de risa, hoygan!.

Toy Story 3 ha resultado ser la más hábil de toda la saga a la hora de conseguir tensión en las desventuras de nuestros amigos los juguetes. Mientras que el factor aventura en las anteriores queda más infantil, aquí consiguen crear situaciones con suspense real como ese momento en el que todos se cogen de la mano. Yo realmente estaba pensando: “¿¡Y cómo van a salir de esta?!” xD

Los de Pixar vuelven a acertar en todos los elementos comunes a la saga: La inclusión de los nuevos juguetes es simplemente brillante, todos los giros de trama y cambios en los personajes están llevados con mucha inteligencia y tacto. Son cruelmente divertidos y a la vez tremendamente emotivos cuando tienen que serlo.

No sólo echan mano de la autopariodia y el autohomenaje, sino que nos deleitan también con numerosas referencias a grandes y pequeños títulos de la historia del cine, algo que ya habían hecho antes pero en mucha menor medida.

Y el final. Ese final. Era realmente difícil dar un final a una saga como esta y ya desde el planteamiento de Toy Story 3 (Andy se va a la universidad) tenía muchas dudas al respecto del cierre y no hay duda que ha superado absolutamente todas mis expectativas. Emotivo a más no poder y de lo más significativo. Una vez visto, realmente no se te ocurre ningún final mejor para las aventuras del l vaquero, el hombre espacial, los señores patata, el dinosaurio, el hombre espacial y el resto de los compañeros de juegos de Andy.

Me despido sólo con una pregunta… ¿Qué ha sido de Bo, la chica de las ovejas?¿Porqué han decidido que desaparezca en esta saga y sólo se la mencione media vez y adiós?¿Querían ahorrarse el dar más conflictos a Woody? ¿Decidieron que ya tenían suficiente con Barbie y Ken? No se, me ha resultado bastante raro.

Creo que ha quedado claro el cariño que le tengo a esta colección de maravillas que han resultado ser las tres entregas de Toy Story pero añado una cosita más: ¿Crees que una película familiar de animación no es para ti? ¿No entiendes el revuelo que ha tenido, sobretodo, esta tercera parte? Dale una oportunidad, seguramente te sorprenderá.

De vez en cuando no está mal hacer una noche maratón de pelis con un amigo. Como la regla es empezar por las intensas y acabar con las ligeritas, las películas elegidas para esta sesión fueron, por orden, Caché, de Haneke; La Ola de Dennis Gansel; Gordos de Sánchez Arévalo; y Luna Nueva, de la que ni siquiera voy a hablar por razones obvias (y porque tal coñazo a las 4 de la mañana no pudo evitar que me quedase dormida).

Cache (Escondido).
Que sí. El sentimiento de culpa, la mentira, el jugar con el espectador y todo tipo de bla bla, pero no. Mucho había leído sobre este peculiar título y reconozco que tenía ganas de verla ya que todo lo que he visto de Haneke hasta ahora lo he disfrutado mucho. Sin embargo, este título ha sido un borrón en su cuenta para mí.

Caché es un coñazo pretencioso y ególatra que además no resulta interesante ni visualmente con tanto plano fijo y tan nefasta, más bien nula, fotografía. Qué genial es ser un autor y que a todas tus mamarrachadas le saquen un sentido narrativo, filosófico, visual o lo que se precie.

La Ola

Toda una sorpresa. Tiene ritmo, es interesante, cuenta mucho de sus personajes con muy poco, visualmente está muy cuidada y tiene una estética y atmósfera que atrapan. Podría caer fácilmente en el aburrimiento de tanto diálogo y, sin embargo, maneja muy bien la tensión y el interés en todas las secuencias. Recuerda a la serie Skins en su realización, el tono y la forma de tratar a adolescentes y adultos.

El tema político es, como mínimo, interesante y es de esas que te hacen pensar y discutir sobre la reflexión que hace al acabar de verla. Realmente te das cuenta que con dos chorradas y ninguna ideología, la ola se convierte en algo muy peligroso donde el gustirrinín de pertenecer a un grupo está por encima de todo... por hacer un burdo resumen de lo que nos cuenta.

Además, hay que decir que el waterpolo es un deporte estéticamente precioso para ver en cine y más si se rueda con tanta habilidad como lo hace el director. He disfrutado como no está escrito de las pocas secuencias que protagoniza este deporte.

Mi compañero Dani también habló de esta película en su día.

Gordos

Divertida, original, con unos diálogos y una acidez envidiables. El reparto coral está muy bien equilibrado y resulta interesante, inteligente, tiene muy buen ritmo y está bien dirigida y producida. Toda una sorpresa.

¿Lo malo? Deja algo de mal sabor de boca por ese giro hacia el final de la película. La última media hora es demasiado dramática y las resoluciones de algunas historias son tan marcianas que provoca rechazo. A pesar de esto, el balance final es bastante positivo.

Siempre me ha gustado mucho Prince of Persia. Junto a Monkey Island, es mi videojuego favorito y me he visto manejando al prince of persia en madrugadas a las 4 de la mañana teniendo que trabajar al día siguiente... Siempre he creido que la saga tiene un guión muy original y cuidado y por ello (y por mi fanatismo) esperaba con ganas la adaptación cinematográfica.

No puedo decir que haya sido decepcionante porque realmente no tenía expectativas demasiado exigentes, sino que me he encontrado con lo que esperaba: un título de acción lo suficientemente entretenido.

Lo más negativo de Prince of Persia es el guión. Si por algo se caracteriza el videojuero es por una cuidada mitología y un siempre sorprendente desarrollo de la historia que en el film no aprovechan.

La trama central, creada como hilo conductor de la mitología, es la gran pata coja del libreto ya que los conflictos paterno-filiales y fraternales en este tipo de ambientes están demasiado trillados. Deberían haber tomado la historia original y haberle dado una vuelta más mística y mágica que entrar en historias político-familiares. Y, para aquellos que hemos jugado, el final es decepcionante. El original es mucho más interesante pero se comprende que eligiesen un final menos abierto por si la saga luego no es tal.

A su favor, la química entre los dos protagonistas funciona y ayuda al entretenimiento. También son destacables esas secuencias dirigidas como si el espectador estuviera en un videojuego, mostrando las nuevas estancias al igual que sucede en el juego.

En definitiva, Prince of Persia no destaca especialmente ni como película de acción, ni como film épico ni como adaptación pero es lo suficientemente entretenida que, a pesar de clichés y giros totalmente predecibles, se puede ver.

Esperemos que el impulso de este comienzo de saga haya sido el sufuciente para provocar una segunda, que "Worrior Within" tiene tanta chicha que ni siquiera tendrían que inventarse nuevas tramas.

En Ciudad de vida y muerte, Lu chuan se centra en la invasión de los japoneses en Nanking en 1937. Este duro film tuvo una recepción excelente en la última edición del Festival de Cine de San Sebastian.

Para mí, este título es una de esas películas que no sabes si recomendar o no porque, por una parte, cinematográficamente es una apuesta excelente pero, emocionalmente, es absolutamente devastadora y el recomendado puede pensar que le deseas el mal.

Es dura, es cruda, y es explícita. El tratamiento visual destaca por su fotografía excelentemente ejecutada para el blanco y negro. Narrativamente tiene ese ritmo pausado propio de los directores orientales pero sin acercarse al estilo contemplativo.

No es trepidante como otras historias similares (ahí está la fácil comparación con La Lista de Shindler), sin embargo no aburre en ningún momento gracias a la conexión que se crea con el espectador desde casi desde el primer minuto. Apenas tiene diálogos y juega mucho con el sonido ambiente, los pies arrastrándose, los gritos, los disparos y esa atmósfera cargada y dañina.

Hay que decir que los primeros veinte minutos son complicados ya que muestran la invasión, con secuencias de guerras puras y duras. Aún no se conoce a ningún personaje principal y, siendo orientales, a los occidentales nos cuesta mucho distinguir a japoneses y chinos. Pero pasado ese comienzo, en seguida se identifican ambos bandos y sus protagonistas.

Lo mejor: Es excelente a todos los niveles: fotografía, dirección, interpretación, guión...
Lo peor: es realmente cruda y descorazonadora.
La imagen: Los japoneses amontonando los cuerpos de las mujeres que han violado sin parar hasta matarlas.

Si tienes el estómago suficiente para ver las crueldades de las que son capaces los japoneses, Ciudad de Vida y muerte es un magnífico thriller histórico imprescindible para todo cinéfilo.

Sí. En Tierra Hostil es un peliculón. Una obra maestra en su género que requeriría muchísimas líneas para enumerar todo aquello que la hace grande. Pero intentaré ser concisa.

El primer acierto va en el guión. Una historia simple por una parte pero muy intensa por la otra. Refleja muy efectivamente lo que quiere contar. Juega con una combinación de poética y realismo muy inteligente y equilibrada. Hasta el título (The Hurt Locker) es brillante.

La elección de las diferentes misiones, cómo se desarrollan y evolucionan es digna de reverencia. El potencial de ser repetitivas era muy alto y, sin embargo, cada una de ellas va más allá, te lleva un poco más al límite e introduce nuevos elementos interesantes.

Pero el peliculón no habría sido posible sin el trabajo de Kathryn Bigelow. La dirección es de una maestría espectacular que juega perfectamente con esa sensación de "todo es una amenaza". Es tan hábil a la hora de construir la tensión que asusta. Los planos, la dirección de actores, la cámara en mano más o menos acusada cuando es necesario, la forma de introducir al espectador en medio del peligro…

El resultado de la labor de la directora es un film con una tensión como pocas veces he visto en mi vida que es capaz de mantenerte con el corazón en un puño durante la mayor parte del metraje. Es impresionante. Muchos han criticado sus momentos de camaradería "entre misiones" que, para mí, resultan imprescindibles. El espectador necesita mucho más que nunca un descanso de todo ese desasosiego que en algunos momentos hasta asfixian.

Todo eso se combina con otros elementos que la hacen ser lo que es: La fotografía es excelente. El uso del sonido es uno de los mejores que he disfrutado ya que se hace de él un personaje más: el uso de los silencios, del simple ruido natural que hacen los soldados al avanzar por la grava, la música introducida en los momentos adecuados.... simplemente magistral. Las interpretaciones acompañan y la presencia de algunos invitados (David Morse, Ralph Finnes o Guy Pierce) otorga un punto elegante.

Acabo recomendado que huyáis de la versión doblada ya que seguramente se perderá mucha magia con respecto la atmósfera, los sonidos, las respiraciones y demás. Y es para ver en pantalla grande, entregarse a la historia y revolverse en la butaca.

No se si utilizaría el término obra maestra para calificar a En Tierra Hostil por la degeneración que el término ha ido sufriendo por el paso del tiempo. Pero es indiscutible que es una de las mejores películas que he visto y una de las que más he vivido y disfrutado con mucha diferencia.

Desgraciadamente el número de decepciones cinematográficas está aumentando demasiado últimamente, algo que, unido al poco interés que despiertan la mayoría de estrenos, le quita a una las ganas de acudir a la sala.

Un tipo serio

Esta vez los Coen me han decepcionado. Al igual que en otros títulos suyos que sí he disfrutado, parten de esa premisa tan propia de explotar la comicidad que existe en lo malo que les ocurre a sus patéticos personajes. Sin embargo, el desarrollo se me antoja erróneo, confuso y demasiado caótico.

Las cosas tienen un devenir poco lógico, pero no es ilógica irreverente y cómica sino que es confusa e indiferente. Si al menos lo que está se tratara de forma más obviamente satírica, se habría disfrutado más. Lo mejor es, sin duda, la mini historia que hay antes de los títulos de crédito.

Tampoco estoy diciendo que sea una mala película. Tiene cosas curiosas (que luego quedan en nada), sí tiene un par de momentos remarcables (la historia del dentista es un ejemplo) y las interpretaciones son correctas pero, para mí, carece de alma, de propósito y ese abrupto final no es ni gamberro ni cómico, es una absurdez.

Alicia de Tim Burton

Antes de pasar a lo negativo, comienzo diciendo que visualmente Alicia es una maravilla. La dirección artística de escenarios, de maquillaje y vestuario y el diseño de personajes en general (y del gato en particular) es excelente. Y la banda sonora, aunque en la casi siempre idéntica línea de Danny Elfman, es interesante.

Alicia es suficientemente entretenida pero la historia se vive de una forma considerablemente fría, hay pocos momentos que sorprendan o destaquen y tiene algunas secuencias bastante vergonzosas. Es decepcionantemente light con un tono disney que no concuerda con la propuesta visualmente oscura.

Destaca muy muy positiva y sorprendentemente (y eso que nunca he sido especialmente fan) Helena Bonham Carter en el papel de la reina roja. Hace realmente bien su papel de reina caprichosa. Quizá sea por esa cabeza globo, pero es excepcionalmente expresiva. También destaco las apariciones del gato y su voz, siemrpe genial Stephen Fry, y a la oruga, Alan Rickman, otro de los grandes.

Furia de titanes

Resumiendo rápido y mal: Furia de Titanes es mala con avaricia y no tiene absolutamente nada que la salve.

El guión, como era de esperar, es terriblemente malo y está repleto de clichés absolutamente risibles. La historia de aventura tiene un interés y suspense nulos. Los efectos especiales no sólo no son nada del otro mundo sino que, en ocasiones, quedan en evidencia por culpa del 3D.
El protagonista tiene carisma cero y el resto de personajes son completamente indiferentes. El diseño de vestuario es de vergüenza ajena, la banda sonora es lo menos épico que he escuchado en mucho tiempo y las secuencias de acción hasta consiguen ser aburridas.

No, no iba con expectativas altas. Esperaba una peli mala pero que funcionase como entretenimiento de acción. Pero no sirve para nada. Es un auténtico coñazo.

Seguimos con los títulos de la Muestra Scifi. Teniendo en cuenta que la primera parte de The Descent no se contaba entre mis películas de terror favorita precisamente, no tenía especial interés por ver esta segunda parte, dirigida por el montador de la primera que también firma otro título del festival del que ya hemos hablado: The Desappereance of Alice Creed.

La historia continúa donde lo dejó la primera: Sarah, la única superviviente no recuerda nada de lo ocurrido y, cuando está más o menos curada, se la llevan de nuevo a las cuevas para ver si recuerda donde pueden estar el resto de sus amigas.

En una escala normal de calificación habría que decir que es mala. Muy mala. Típica hasta el hastío, con giros y sorpresas absurdas, con todo tipo de situaciones de dudosa credibilidad y frases matadoras. Pero toda la sala, yo incluida, disfrutamos de la película. No creo que en las pretensiones del director o el guionista se contaran la tensión o el suspense. Si es así, lo siento mucho por ellos… El personal no paró de reír en la hora y media que dura.

Este es ese tipo de guiones que te hace pensar en lo bien que se lo pasó el escritor haciéndolos. Yo habría disfrutado de lo lindo creando ese completo e hilarante absurdo.

Lo mejor: Que en lo mala que es reside su grandeza.
Lo peor: Que alguien la tome en serio.

¿Estás buscando ese título que ver una tarde de cachondeo con los amigos? The Descent es, sin ninguna duda, una buena elección para ello.

A priori no tenía demasiada curiosidad por ver este título de Oskar Santos principalmente por la calidad de protagonista que tiene Eduardo Noriega en la cinta, un actor del que siempre me ha sorprendido el éxito por sus considerables limitaciones interpretativas y tampoco especialmente remarcable atractivo.

Invitada al preestreno de la película con el director, el reparto y Amenábar, que produce, presente, no podía perdérmelo y tengo que admitir que me llevé una grata sorpresa.

El guión es sorprendentemente redondo, la idea es muy original y, a pesar de su dificultad, está desarrollada y llevada a buen puerto. La dirección es fantástica y visualmente consigue trasladar el tono oscuro y melancólico de lo que se cuenta a las imágenes.

El mal ajeno sería una buena película si no fuera por dos problemas, donde uno deriva directa e inevitablemente del otro. El primero es el ritmo. Realmente no tendría que ser percibido como problema ya que elegir un tempo pausado para contar una historia no es necesariamente negativo, y muchas veces es todo lo contrario, pero aquí lo es, y la culpa la tiene Eduardo Noriega, que es el gran defecto del film.

Como ya he dicho antes, como actor no pasa de correcto y en El mal ajeno todo el peso dramático de la historia, que lo es TODO, recae sobre él. Noriega logra expresar ni una ínfima parte de lo que debería: no conecta con el espectador, ni con el dolor de su personaje ni con sus conflictos… ni con nada. Su incapacidad de de otorgar la emoción y empatía necesarias a su personaje se transladan irremediablemente a la película dejando así un sabor de boca mucho más amargo de lo que debería.

Lo mejor: Que uno es capaz de ver el talento que rodea a la película.
Lo peor: Que Eduardo Noriega eclipse todo ese talento. Y no positivamente.

El mal ajeno es un título complicado de recomendar. Por una parte se es consciente de que la historia es interesante y está muy bien contada y desarrollada y toda la atmósfera que envuelve a la película enriquecen todo aún más. Pero, por otra parte, el hecho de que Noriega tire por la borda todo eso por culpa de su torpe interpretación baja mucho el nivel del film.

Leticia Dolera apuntó en su presentación de The Disappereance of Alice Creed que, allá donde se había proyectado, muchos críticos consideraban a su director J. Blakeson como el próximo Danny Boyle. Ya sabemos que las comparaciones son odiosas pero probablemente la mayoría de los espectadores que vimos Alice Creed en la muestra discreparía de esa afirmación.

Blakeson es hábil a la dirección, sí, y el desarrollo de la historia parte de una primera secuencia muy sugerente y poco a poco demuestra que su capacidad de otorgar ritmo y dejar respirar a una trama que ocurre prácticamente todo el metraje en las mismas dos habitaciones es admirable.

Alice Creed es una joven de familia rica que es secuestrada y llevada a una habitación insonorizada. Sus dos secuestradores tienen un plan: sacarle a su padre dos millones de libras por el rescate. Pero poco a poco las cosas se irán liando y resultan muy diferentes a cómo se habían planeado en un principio.

La primera hora de historia es inquietante, interesante, entretenida y utiliza muy bien un par de giros de guión sorprendentes que intercala con algo de humor para dar un descanso al espectador. El problema viene a partir de cierto momento en el que la situación dentro de la narración se les va de las manos y, a la vez, se sale de madre en guión, dando como resultado una colección de momentos sinsentido y resoluciones erróneas o típicas que desmerecen a la original y estimable primera parte.

Aún así, y lamentando el hecho de que podría haber sido mucho mejor, el resultado final es más que correcto y La desaparición de Alice Creed ha sido uno de los títulos más convincentes de la Muestra SyFy.

Sobresaliente sí es la labor de interpretación por parte de los tres actores protagonistas destacando, sobre todo, a Gemma Arterton (Alice), a la que conocimos en Quantum of Solace y pronto veremos en la, personalmente esperadísima, adaptación del videojuego homónimo Prince of Persia, las arenas del tiempo.

Lo mejor: Cómo el segundo giro deja por los suelos al primer, e igualmente inesperado, giro en la trama.
Lo peor: Que algunos de la sala hiciesen bromas continuas con respecto a un tema de la historia molestando al resto de espectadores.

The Desappereance of Alice Creed arranca y empieza su desarrollo de forma inmejorable pero va perdiendo fuerza hacia el desenlace. A pesar de todo, contiene elementos lo suficientemente interesantes y destacables como para convertirse en un título más o menos recomendable.