The Scouting Book for Boys

La ventaja de los festivales de cine es la oportunidad de poder ver pequeños títulos que de otra forma pasarían desapercibidos. The Scouting Guide for Boys es una pequeña historia de amor que se desarrolla en un modesto parking de caravanas donde viven Emily y David, dos amigos de toda la vida.

La historia toma el recurrente punto de partida de una pareja de amigos en la que uno de ellos, en este caso él, está enamorado del otro y haría cualquier cosa por la otra persona. Y ese “cualquier cosa” se lleva al extremo en este título.

Pero realmente no es la historia ni su desarrollo lo que destaca de esta cinta. La presentación de personajes y situación es más que efectiva. Emily se queda embarazada y sabe que, en esa situación, su madre perderá la custodia frente a su padre. Para evitar tener que marcharse, David le ayuda a que se esconda y hará lo posible por evitar que la encuentren. El pobre está convencido de que Emily se dará cuenta de que él es lo que ella necesita pero nada es tan bonito como parece.

A medida que avanza la historia, la situación no sólo se hace poco verosímil sino que el trajín que se trae David del parque de caravanas a la cueva escondite es imposible de creer o, incluso, situar cronológicamente. El guión deja demasiadas cosas sueltas y sin justificar a favor de lo que le conviene para la historia, lo que acaba molestando sobremanera.

Pero si bien en el aspecto de guión, el título pierde fuelle a medida que avanza el metraje, no se le puede restar méritos ni por un momento a la ambientación, la dirección, la fotografía o la música. Esos cuatro aspectos de The Scouting Book for Boys no solo se merecen ser remarcados sino destacados sobresalientemente. El uso de los colores calientes y fríos, el uso de la música melódica para enfatizar las emociones es fantástico.

Lo mejor: la atmósfera.
Lo peor: Que se va desinflando a medida que avanza la historia.
La imagen: David y Emily corriendo por los techos de las caravanas.

The Scouting Book For Boys es una historia agradable de ver pero que requiere un nivel de compromiso por parte del espectador muy alto para conectar con la historia.

500 días juntos... Memento llega a la comedia romántica

Lo reconozco: la verdad. El trailer, posters y reparto de 500 días juntos me tenía comprado semanas antes de que me sentase a ver esta gran película. ¿Es garantía eso de que me vaya a encantar la película? Hay innumerables ejemplos que gritan no (sin ir más lejos ahí están Agora, Los abrazos rotos, La cinta blanca... y eso éste mismo año). No hay nada como esperar una gran película para terminar con un "pse, no está mal pero...".


¿Quiere decir esto que 500 días juntos es la gran película del 2009? Pues no... y sí. Pocas películas este año han ofrecido escenas tan estimulantes y efectivas - tocándote la fibra sin ser efectistas ni manipuladoras - como algunas que ocupan el metraje de esta ópera prima del debutante Marc Webb. El ejemplo más claro es esa devastadora secuencia de expectativas / realidad que cambia todo en la historia... o el alargado (por otra parte) episodio en Ikea.


No todo es perfecto: ahí estan los clásicos secundarios de estas comedias románticas como la niña sabionda o los amigos freaks... que nunca igualarán al que lo inició la moda diez años atrás: el genial Rhys Ifans de Notting Hill. También está la inevitable escena del karaoke (¿invierten dinero en todas las películas indies? Cuanto daño ha hecho Sofía Coppola) o la clásica historia de protagonista que tiene su carrera soñada aparcada para acabar volviendo a apostar por ella en el último acto, habiéndose dado cuenta de que su felicidad es lo más importante.



¿Por qué si veo todos estos fallos creo que estamos ante una película imprescindible de la actual cartelera? A lo ya comentado hay que añadir la espectacular química entre Summer y Tom, que pasa a formar parte de las grandes parejas románticas del 2000 en un club presidido entre otros por Jesse & Celine (Antes del atardecer) o Ennis del Mar & Jack Twist (Brokeback Mountain) gracias al ángel que desprende la mágica Zooey Deschanel y el enorme talento del verdadero protagonista de la historia, Joseph Gordon-Levitt, que vuelve a estar enorme tras sus extraordinarias interpretaciones en Brick y Piel misteriosa. Qué ganas de ver a este hombre dirigido por Christopher Nolan en la próxima Inception. Y hablando de Nolan, no podemos olvidarnos del toque Memento que tiene la película. Es un acierto contar la película saltando en el tiempo a los diferentes estados y momentos de la relación entre Summer y Tom. Puede descolocar en algún momento pero está bien llevado y es una muestra más de que los responsables de la película han luchado por ofrecer algo nuevo, algo distinto. Y se agradece mucho.

Por último, decir que es triste. Entendible, pero definitivamente triste. Con sus 33 millones de dólares de recaudación, 500 días juntos, todo un éxito indie de taquilla, se queda lejísimos de cintas muy menores, sino directamente mediocres, como La proposición, La cruda realidad o Guerra de novias. ¿Se merecen las nuevas generaciones de espectadores que gente como el debutante Webb o la dupla Scott Neustadter & Michael H. Webber se rompan la cabeza por encontrar algo nuevo en un género tan manido como la comedia romántica? Probablemente no, pero sigue habiendo gente, como un servidor, que agradece que hoy en día haya cineastas que luchen por ofrecer algo nuevo, aunque sea partiendo de los estereotipos.

La marchita Flor del Desierto

Es difícil hacer un comentario de este título ya que, realmente, en Desert Flower hay dos películas. Una cuenta la historia de una niña somalí que escapa de su hogar y lucha para salir adelante en un mundo completamente nuevo para ella como es Londres. La otra es una interesantísima reflexión y denuncia sobre la aún vigente práctica de la circuncisión femenina.

El gran problema aquí es que la mayor parte del metraje se centra en esa primera y manida historia de pez fuera del agua con los choque de culturas y afán de superación pertinentes. El guión es de manual, con evolución y giros previsibles y una incursión de flashbacks que descolocan al espectador (aunque realmente sean lo más interesante de esta parte). Pero, llegado a un punto, a poco del final de la cinta, la intención gira radicalmente y la historia se centra en la crítica a la práctica mencionada anteriormente.

Vemos cómo ella deja de lado su vida en las pasarelas para hacer conocer al mundo que la práctica sigue existiendo. A pesar de la importancia, interés y seriedad de este tema, uno no puede evitar percibir cierta demagogia en la forma de tratar algunos momentos más clave. Sí, el discurso que da ella en las naciones unidas es muy emotivo y significativo, y el flashback correspondiente al momento en el que ella sufrió la castración es altamente dolorosa e impactante, pero pierde toda la fuerza cuando se compara ambos momentos con el resto del metraje.

Si Desert Flower hubiera sido sólo esa primera parte, la de la niña somalí en busca de otra vida, habría sido una película simpática más, incluso recomendable, sobre el afán de superación y el choque de culturas. Más complicada era una "Desert Flower" centrada en la segunda parte del metraje pero más interés y repercusión que la anterior seguro que tendrían. El problema es la mezcla de ambas.

Lo mejor: Todos los flashback (aunque no su emplazamiento en el film). Lyla Kebede.

Lo peor: Las posibilidades desaprovechadas de hacer algo relevante y no una comedia semi-romántica con aspiraciones a reivindicación política.

En fin, Desert Flower es un título que tenía muchas posibilidades al tratar de reflejar la vida de un personaje histórico tan interesante, pero con grandes defectos en la ejecución al perder de vista el objetivo y la historia que se quiere contar.

Sesión contínua: Adam / Infectados

Como siempre, con el otoño, además del siempre perturbador cambio de hora, llega una oleada de interesantes estrenos que cada año me hace aumentar mi asistencia al cine. Por ello, la cantidad de cintas vistas y pendientes de comentar son casi de una decena así que intentaré hacer posts dobles. Empezaremos con dos propuestas independientes norteamericanas, una un tanto decepcionante y otra más que correcta aunque no demasiado innovadora.

Con el brillante cortometraje larutanatural el catalán Alex Pastor llamó la atención en los festivales de todo el mundo (premio en Sundance al mejor corto incluído) lo que provocó que prácticamente se le rifasen a la hora de producir su ópera prima. Por esto, lo que en principio iba a ser una produción rodada en video en el desierto de Almería se convirtió en una pequeña producción respaldada por la filial de una major.

Codirigida por su hermano, Infectados es una correcta muestra más del cine post - apocalíptico tan de moda en los últimos años (con la saga 28... después a la cabeza) que, lamentablemente, no va mucho más alla de las propuestas que hemos visto anteriormente. Hay que aclarar antes de nada que no es una película de zombies (por mucho que la publicidad de la película deje entrever eso... ¿es que no aprendieron nada con El bosque?) y que es interesante en que se crentre más en la psicósis que genera en los personajes la posibilidad de ser infectados que en la propia infección pero, aún así, no termina de enganchar. Me quedo con el reconocido homenaje a la escena de los velocirraptor en la cocina del primer Parque Jurásico.


Debo reconocer que no sabía lo que es el síndrome de Asperger hasta que uno de los principales personajes de la serie Boston Legal sufría esta enfermedad. Ahora es la película Adam, ópera prima del director y guionista Max Mayer, la que aborda este trastorno (que viene a ser básicamente y según nuestra amiga la wikipedia, la ausencia de un sofisticado sentido de reconocimiento de los estados emocionales ajenos, o sea, la empatía) aunque desde un prisma más dramático y sentimental.

La pelicula, notablemente interpretada por Hugh Dancy y Rose Byrne, no se deja llevar por el melodrama barato y presenta los confilctos que plantea el Asperger sin llegar a juzgar a ninguno de los personajes (no hay más que ver el acto final, con la voluntad de Adam y la justificación de la misma). En el lado negativo de la balanza nos encontramos con la subtrama de Peter Gallagher, que no hace sino quitar brillo a una historia princial. La trama principal sigue el clásico desarrollo de historia de amor-casi-imposible entre dos personas que son demasiado distintas a pesar de compartir tantas cosas (un poco como Yo, también, de la que hablaremos más adelante en el blog) y a pesar de todo, funciona. Adam se estrena en España el 30 de octubre.

Pixar y Ghibli reestrenan tres clásicos en los cines

La moda del 3D está funcionando muy bien como reclamo para atraer de nuevo a la gente a las salas, sobretodo a las familias, y estamos siendo testigos de cómo esta estrategia se extiende cada vez más a películas que no están pensadas para ello. La última obra maestra de Pixar, UP, es un gran ejemplo ya que lo único que añade el sistema 3D es una sensación de profundidad en los fondos de escena pero poco más.

Nos tememos que va a ocurrir lo mismo con el reestreno de las dos partes de Toy Story, que quieren aprovechar el tirón del 3D a la vez que vuelven a poner la saga en boca de todos como caldo de cultivo para el próximo estreno de la tercera parte. El atractivo de estos reestrenos ya no es tanto el verlo con las gafitas (ya que la sensación será similar a la de UP) sino el poder disfrutar de nuevo de dos grandes títulos en pantalla grande y además en 2x1!

Toy Story y Toy Story 2 en 3D se estrenan este viernes 23 de Octubre en España.

Pero no son los únicos reestrenos de animación que tenemos próximamente ya que el Aurum ha decidido reestrenar en cines uno de los títulos clave del estudio Ghibli, Mi Vecino Totoro, como pistoletazo de salida para el lanzamiento de títulos del estudio de animación japonesa en DVD inéditos en nuestro país.

El 30 de Octubre se estrena Mi Vecino Totoro en cines y por duración limitada, cuya edición en DVD vendrá el 9 de Diciembre. Además el 28 de Octubre será el lanzamiento en Dvd de Ponyo en el acantilado y Susurros del Corazón. Aún no hay fechas para otros títulos que Aurum ha comunicado que saldrán a la venta como Nausicaa del Valle del Viento, El Castillo en el cielo o Porco Rosso.

A muchos les puede parecer una tontería ver por nosecuanta vez una película de nuevo en el cine, pero al ser tres títulos que me encantan, casi no puedo con la impaciencia de volver a verlos en pantalla grande. Hace poco lo hice con Parque Jurásico y fue algo impagable. Por ello, esto va derechito a la sección “me muero por ver” ;)

Si la cosa funciona, otra vuelta de tuerca al universo Allen

Woody Allen regresa en su ya obligada cita anual con Si la cosa funciona, con la particularidad de que el cineasta vuelve a Nueva York después de cuatro aventuras europeas (cuya mejor experiencia fue la más que notable innovación - para el cine de Allen - de Match Point y el excelente trabajo de Penélope Cruz en VCB... todo lo demás es bastane olvidable).

En Si la cosa funciona, Boris Yellnikoff (interpretado por el televisivo Larry David), un hombre que se considera demasiado inteligente para el resto de personas que viven este planeta y que, tras un fallido intento de suicidio, se retira a su casa en un viejo apartamento neoyorquino hasta que le sorprende la llegada de una joven - y bastante estúpida - sureña (la ascendente Evan Rachel Wood) que le cambiará la vida. Yellnikoff repite, uno a uno, todos los tópicos de los personajes nacidos tradicionalmente a la sombra del genial director y escritor neoyorquino, osea: es un snob, inteligente, hipocondríaco,... y un largo etcétera que cualquier aficionado al cine que haya visto un par de películas de Allen reconocerá al instante.

Un servidor sigue sin tener muy claro por qué Woody Allen renunció a interpretar el papel protagonista cuando tiene todo lo que requiere. No es que David haga un mal trabajo, que para nada, pero seguramente la película habría funcionado un poco mejor con él. A favor de la película están los trabajos de Wood y, sobre todo, Patricia Clarkson, una de las eternas secundarias de Hollywood que siempre encuentra el modo de estar estupenda. La trama que ella protagoniza, con una madre que va a Manhattan a rescatar a su hija para encontrarse con una vida completamente nueva, es de lo más logrado de la cinta.

¿Es una buena película? Pues sí... y no. No ofrece nada nuevo (y esto ya empieza a ser una constante, no tan positiva, en el cine de Allen) pero, para qué negarlo, el estilo y particular toque del cineasta sigue funcionando, aunque película a película vaya perdiendo parte de su fuerza, hasta el punto de que da la impresión de que este hombre no volverá a hacer una gran película.

Veremos en su nuevo proyecto - que, dada su velocidad, ya está rodado - si el director decide ir de nuevo un paso más allá y arriesgarse por hacer algo nuevo. La película, rodada de nuevo en Londres, reunirá un casting excepcional: Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin Antonio Banderas y Freida Pinto, revelada la pasada temporada con su Slumdog Millionaire. Pese a todos los peros de las películas de Allen, sus proyectos me seguirán hasta el momento en que, lamentablemente, la luz de uno de los grandes genios del cine se apague.

Una de trailers

Ya hay trailer y avance de sinopsis para algunos de los estrenos más interesantes del 2009 / 2010. Entre ellos, una esperada ópera prima, una impresionante reunión de estrellas y la película norteamericana más sorprendente de la temporada.

En El Mal ajeno Diego es un médico acostumbrado a manejar situaciones límite, que se ha inmunizado ante el dolor ajeno. El intento de suicidio de Sara, una de sus pacientes, provocará que el compañero sentimental de ésta señale al médico como responsable directo de lo ocurrido durante un amenazante encuentro. Horas después, Diego sólo recuerda el ruido de un disparo, y la extraña sensación de haber recibido algo más que un encargo durante este incidente... Produce Amenábar, escribe Sánchez Arévalo y tiene a Eduardo Noriega, Belén Rueda y Clara Lago entre sus estrellas. El director nóvel es Oskar Santos.



A mí desde luego, me da un poco igual de qué va Valentine's Day (aunque su título sea suficientemente elocuente) porque lo que importa de la nueva película de Garry Marshall (responsable de ese clásico inevitable que es Pretty Woman)es el apabullante desfile de estrellas que tendrá la película. Hay que ser oportunista para usar el I gotta feeling de los Black eyed peas en el trailer de la película pero se perdona cuando unes en pantalla, entre otras, a tres generaciones maravillosas como Anne Hathaway, Julia Roberts o Shirley McLaine. Para ver las decenas de caras restantes es mejor ver el trailer. Hay tanta estrella junta que, después de presentarlas todas en el avance, no hay tiempo para contar de qué va la película.



La última cinta de la que hablamos es Up in the Air, la primera película del realizador Jason Reitman, desde Juno. George Clooney es la estrella de una película que está arrasando en los festivales y que se perfila como una de las favoritas de cara a los próximos Oscars. Ryan Bingham es un experto en reducciones empresariales (tanto de personal como de dinero) cuya preciada vida en la carretera se ve amenazada en el momento en que está a punto de ganar diez millones de millas en vuelos frecuentes, y justo después de haber conocido a la mujer de sus sueños, otra viajera habitual.

Le refuge, cuando la realidad supera a la ficción

Sábado 19 de septiembre. Son las 9.10 de la mañana y diez minutos antes ha empezado la proyección de la francesa Le refuge (El refugio)cuando un grupo de espectadores empiezan a gritar en mitad de la proyección pidiendo asistencia médica para atender a un espectador que le ha dado un chungo brutal en el mismo momento que, en pantalla, vemos como, muy gráficamente, una pareja de jóvenes parisinos se meten picos por todas partes (desde el tobillo hasta el cuello). Desde la primera llamada de socorro hasta que el espectador - paciente fue atentido seguimos viendo como la proyección, que no se detuvo, nos motraba la muerte y posterior entierro de uno del chico. Afortunadamente al espectador finalmente no le paso nada grave. Como comentaron en algunas críticas, vaya metalingüísmo más brutal para empezar el festival.

¿Cómo mantener la atención sobre la película después de algo como esto? La película del generalmente interesante François Ozon, que logró finalmente el Gran Premio del Jurado, lo consigue pero siguiendo para ello un camino mucho más tranquilo, reposado, reflexivo. Gracias a Dios. Lo que pareciía que iba a ser una película brutal sobre una pareja de yonquis se convierte en la tranquila y pausada (algunos han considerado que demasiado) reflexión sobre la marcha de un ser querido, el papel de uno en la vida y la ma/paternidad que todos llevamos dentro. Con una puesta en escena agradable y preciosista, desde la banda sonora hasta su fotografía, se nos cuenta una historia sencilla pero efectiva y bonita. Debo reconocer no obstante, que su tercer acto (y en especial la polémica decisión de uno de los protagonistas) no me terminó de convencer aunque en el fondo fuese coherente.


Le refuge no alcanza el nivel de la muy interesante El tiempo que queda (la otra película de Ozon que he visto, un excelente drama protagonizado por Melvin Poupad, que aquí interpreta al joven muerto) pero se queda en un drama efectivo, emotivo y, para qué negarlo, bastante francés. Aunque no es que eso a mí me importe.

La ópera prima Moon arrasa en Sitges con cuatro premios

Moon, la opera prima del norteamericano Duncan Jones (hijo del legendario David Bowie), ha cumplido los pronósticos al alzarse como la gran vencedora del festival de Sitges al lograr, entre otros, los galardones a mejor película e interpretación para Sam Rockwell, en otro premio que se veía venir.

La española Elena Anaya se llevó el premio a mejor interpretación femenina por la criticada Hierro, compartido con la coreana Kim Ok-vin por Thirst. La francesa Enter the void se llevó el premio especial del Jurado y Brillante Mendoza por Kinatay el de mejor director. Zombieland, actual número 1 de la taquilla estadounidense, ha ganado el premio del público.

Recordar a los espectadores que Moon se estrenó precisamente el pasado viernes, esperemos que este reconocimiento sirva a la película para aumentar su taquilla.

PALMARÉS SECCIÓN OFICIAL
Mejor Diseño de Producción - Patrocinado por el Parc Audiovisual de Catalunya

Tony Noble por Moon

Mejores Efectos de Maquillaje
Kaatje Van Damme por Mr. Nobody

Mejores Efectos Especiales
KNB EFX Group por Splice

Mejor Banda Sonora Original
Teresa Barrozo por Kinatay

Mejor Fotografía
Benoit Debie por Enter the Void

Mejor Guión
Nathan Parker, basado en la historia original de Duncan Jones, por Moon

Mejor Actriz
Ex-aequo: Elena Anaya por Hierro y Kim Ok-vin por Thirst

Mejor Actor
Sam Rockwell por Moon

Mejor Director
Brillante Mendoza por Kinatay

Premio Especial del Jurado
Enter the Void de Gaspar Noé

Mejor Película
Moon de Duncan Jones

A l'interieur, mama que miedo

Hace unos meses hablábamos de Martyrs, la última sensación del siempre prolífico cine de género francés. El film, que despertó sensaciones encontradas en el público (yo debe reconocer que soy más detractor que fan), sucedía como fenómeno cinematográfico a la cinta que aquí nos ocupa: A l'interieur, una brutal y sorprendente ópera prima de los realizadores Alexandre Bustillo y Julien Maury, que este año estrenarán su segunda obra, la británica Livid.

¿Por qué hablo de esta película estrenada hace dos años (inédita en nuestras salas a pesar de obtener dos premios en Sitges) en nuestra cobertura del festival? La respuesta es simple: la cinta se exhibió en San Sebastián dentro del interesantísimo ciclo La contraola: el novísimo cine francés. Quería contar lo menos posible - y asi lo haré - en la crítica de la película pero que el poster sea la imagen que vemos a la izquierda de la noticia me facilita enormemente el trabajo. ¿Cómo hablar de A l'interieur sin destripar que realmente va de una mujer le quiere quitar el bebe a otra que está a punto de dar a luz?


Si la película funciona a este nivel es porque pone en imagen un horror que jamás se había visto en una pantalla (no deja de ser curioso que la crítica coincida con la muerte de la asesina de Sharon Tate). El espectador sufre como nunca al ver como una mujer embarazada es perseguida y atacada de un modo tan brutal, diciéndose en todo momento "no van a ser capaces de hacer eso" y vaya si lo son. Se puede acusar a esta A l'interieur de perder parte de su efecto novedad según avanza la historia: llega un momento que la violencia es tan brutal y explícita que la línea que separa la barrera entre el terror y la comedia es cada vez más y más fina. A la salida de la película, mi acompañante decía que esperaba que detrás de esta historia hubiese algo más que el morbo de usar el recurso de la mujer embarazada. Yo, sinceramente, pienso que no lo hay. No creo que haya una segunda lectura, como si pasaba por ejemplo en la - muy inferior - Martyrs. Tampoco hace falta: la película es impactante y merece la pena en todo momento.


Una película dura, no para todos los estómagos (no obstante, el aprensivo 20% aproximado del publico se salió de la sala antes de que terminase la proyección), pero definitivamente interesante que nunca debió ser olvidada por los distribuidores con la base de fans del cine de terror que hay en nuestro país, sobre todo si tenemos en cuenta la cantidad de bodrios que se estrenan mensualmente en España. Pero bueno, gracias a Dios se creó el dvd e internet.