31 agosto 2008

Me muero por ver... "He's just not that into you"

El 6 de Febrero del próximo año, muy cerca del día de San Valentín (cuando se estrenará otra de mis gran esperadas, New York I Love You), se estrena la nueva comedia romántica de Ken Kwapis, director de la previsible Hasta que el cura nos separe, algunos capítulos de la magnífica serie The Office y de esa comedia juvenil, que es mucho más de lo que parece, llamada Uno para todas (horrorosa traducción de The Sisterhood of Traveling Pants, que pronto verá estrenada su segunda parte).

He's just not that into you, que de nuevo se lucen en España con el título Qué les pasa a los hombres, es una película que los guionistas de Nunca me han besado han adaptado de un libro del mismo título. Parece que el libro está inspirado en aquel episodio de Sexo en Nueva York (604) en el que Miranda interrogaba a Berger, novio de Carrie, a cerca del comportamiento post-cita de un potencial interés emocional, después de que un hombre rechazara subir con ella a su apartamento alegando que tenía una reunión temprana. Berger contesta diciendo "He's not that into you, when a guy is really into you, he's coming upstairs, meeting or no meeting" (No le gustas tanto, si a un hombre realmente le gusta, va a subir a tu piso, con reunión o sin ella).

La adaptación de Kwapis nos cuenta las desventuras románticas de varias personas de veinte y treintaytantos. El tema común es que en cada una de las relaciones, uno de los integrantes esta más por el otro que el revés.

En el centro de estas historias múltiples está Gigi (Jennifer Goodwin), una joven que constantemente malinterpreta las señales que los hombres le dan con respecto a su interés por ella. El más exitoso, románticamente hablando, es Alex (Justin Long), el manager de un bar, quien la ayuda a comprender a los hombres.

Otras historias incluyen a la pareja casada formada por Janine (Jennifer Connelly) y Ben (Bradley Cooper) que pasan por una mala racha cuando él flirtea con Anna (la cansina Scarlett Johansson). Anna, a su vez, está con Connor (Kevin Connolly), pero está claro que el esta más por ella que ella por él. La colección de arcos la cierran Neil (el aburrido Ben Affleck) y Beth (Jennifer Aniston), quienes han vivido juntos durante un tiempo, pero rompen cuando Neil se niega a casarse.

Drew Barrymore, que es una de las productoras del film, tiene un pequeño papel en el que ayuda a Connor, pero ella también tiene dificultad para entender el lenguaje de los hombres.

En definitiva, una de esas comedias románticas con un reparto nada desestimable, una propuesta que, aunque no resulte innovadora, se ve enriquecida por la cantidad de tramas y personajes que la componen y, para que negarlo, unas vibraciones en la línea de películas como Love Actually. Por supuesto hay dos cosas que influyen aún más en mis ganas de verla: una es el trailer, que podéis ver a continuación, la otra es mi fanatismo absoluto, y escasa capacidad de selección, del genero choni. Aunque, de nuevo, los elementos de He's just not that into you ya la separan de la multitud.


29 agosto 2008

El dios televisivo Aaron Sorkin hará una película sobre el fenómeno Facebook

Lo leí ayer en la versión digital de El Pais y aunque al principio me costaba creerlo, he investigando un poco más por la red, y finalmente podemos confirmar que uno de los mejores creadores y guionistas de las últimas décadas, Aaron Sorkin se ha puesto manos a la obra para escribir su próximo proyecto en cine. Y tratará nada más y nada menos (redoble de tambores) del “interesante” mundo del Facebook.

Para aquellos que no conozcáis el portal (una de dos: o no os gustan las redes sociales virtuales o habéis estados escondidos en una cueva los últimos tres años) es una comunidad virtual en la que puedes encontrar a gente de tu antiguo instituto, universidad o simplemente gente con quien compartas aficiones. En ella puedes mostrar tus fotos, escribir en el “muro” de otros y en definitiva relacionarte con gente a través de Internet (la base es la misma que myspace, Tuenti o Fotolog).

Pues bien el creador de El Ala Oeste de la Casa Blanca o Sport Nights, ha aceptado el proyecto de llevar a la gran pantalla la historia de cómo tres emprendedores estudiantes de Harvard (Mark Zuckerberg, Dustin Moskovitz y Chris Hughes) crearon esta red social en un principio como una simple herramienta para conocer gente nueva en su campus y como en menos de cinco años ha crecido hasta llegar a tener más de 100 millones de usuarios en todo el mundo.

Para comenzar su investigación Aaron Sorkin se ha creado su propia cuenta en la susodicha página y ha comunicado desde ella el comienzo del proyecto. En dos días se han unido ya casi 5000 personas a este grupo (debo confesar que yo me encuentro entre ellas), incluso hay una sección donde puedes dejarle tus dudas al magnífico creador y (supuestamente) él responde.


No es la primera experiencia en el cine de Sorkin, que el año pasado estrenaba La guerra de Charlie Wilson. Anteriormente escribió los guiones de El presidente y Miss Wade, que inspiró su Ala Oeste, o Algunos hombres buenos, basada en una obra de teatro que él mismo escribió. Recientemente se canceló The trial of Chicago 7, un drama histórico que él escribiría y Spielberg dirigiría. Lamentablemente, el director de Munich o ET anunción en los últimos meses que dejaba la película, al menos, temporalmente.

De momento no podemos adelantar muchos más detalles de la película, pero en cuanto sepamos la productora, el casting o cualquier detalle más de este curioso proyecto, os informaremos. No obstante, no deja de ser curioso que alguien que ha afirmado en múltiples ocasiones que odia Internet y sus foros, escoja este tema para su próxima película.

28 agosto 2008

Hellboy 2: secuela de "latón"

La nueva aventura de Anung Un Rama, más conocido como Hellboy, llega a nuestras pantallas esta semana, con el tipo de chascarrillos que nos hicieron gracia la primera vez (la segunda ya no tanto), nuevos personajes y sobre todo con mucha mucha acción. En esta segunda parte, Hellboy y su equipo tendrán que enfrentarse a un príncipe elfo (sí, sí, habéis leído bien) que corrompido por el rencor hacia los humanos y los años de destierro, intentará despertar al gran Ejercito Dorado para eliminar a la humanidad y ya que está convencer a Hellboy para que se pase a su bando, haciéndole ver que en el mundo de los hombres tampoco encontrará su lugar.

Está claro que Del Toro tiene un don para crear mundos y criaturas capaces de impresionarnos y a la vez aterrarnos. Lo vimos en El Laberinto del Fauno y lo volvemos a ver aquí, en la segunda parte de la película que adapta el comic homónimo de Mike Mignola. Los parecidos en el diseño de las bestias y seres mitológicos de las dos películas son obvios. En esta ocasión la historia sirve para algo más que para presentarnos a los personajes, no podemos decir que la trama sea muy complicada ya que al fin y al cabo lleva a la típica moraleja de: “hombres malos, criaturas del bosque buenos”. Aun así la puesta en escena es bastante potente. Más peso que la historia tiene la acción, la cual algunas veces llega a asfixiar, aunque no se puede negar que el director mexicano ha buscado y rebuscado todas las formas de hacer que las peleas sean más impresionantes que en la primera parte.

Ron Perlman da vida a un Hellboy muy parecido al que protagoniza el comic, en una elección de casting tan sorprendente como acertada (el tamaño, su carisma y haber trabajado anteriormente con Del Toro debieron ayudar lo suyo) y lo vuelve a hacer bien, pero sin introducir nada nuevo, el conflicto es bastante vacío.

No obstante es el personaje de Selma Blair el más interesante y el que más ha evolucionado (o al menos vemos algo diferente). Digamos que la apática Liz Sherman no era un rol particularmente llamativo en la anterior película, pero en ésta le han dado el protagonismo y el peso que necesitaba para brillar con luz propia. Su relación con Hellboy ha cambiado también y eso añade un toque de humor. Al mismo tiempo será ella quien marque el futuro próximo de los demás personajes y nos asegure quién sabe ¿una tercera parte? Además de la pareja protagonista volvemos a ver al entrañable Abe Sapien que también ocupa más espacio en la nueva entrega (el actor que lo interpreta, Doug Jones, hace otros dos papeles más en esta película, a ver si adivináis qué personajes son). A parte de elfos cabreados nos encontraremos con otras criaturas como hadas de los dientes, trolls y el Ejercito Dorado, setenta veces setenta soldados, que realmente más que aportar tensión al filme crean una expectación que se deshincha hacia el final de la película.

Lo mejor: los seres mitológicos que han creado para la ocasión y el personaje de Selma Blair
Lo peor: algunas trampas en el guión que intentan hacer que la historia cuadre, pero que se notan mucho y al final sales con la sensación de que se pasan algo por alto. También es incalificable la secuencia con el canario…
La secuencia: La introducción que explica las guerras entre los hombres y los elfos.
P.D: Guillermo del Toro y Santiago Segura siguen siendo coleguitas.

Como buen blockbuster del verano tiene todo lo que se esperaba de ella: cantidades desmesuradas de acción, personajes buenos con los que es fácil encariñarse y personajes malos a los que también es fácil odiar, pero todo esto que puede parecer simple (y lo es), visto a través de los ojos (y las gafas) de Guillermo del Toro le da un toque especial. Es una película más que correcta, pero después de "coronarse" con "el fauno", se esperaba más.

26 agosto 2008

Zohan: Licencia para provocar

Podrá ser mejor o peor actor, pero lo que es indudable es que Adam Sandler tiene carisma, la clave por la que, desde su protagonista en El chico ideal, ha destrozado las taquillas norteamericanas película sí, película también - su éxito no se ha extendido de igual forma al resto del mundo, donde se encuentra lejos de compañeros de generación como Ben Stiller, todo sea dicho-. Cuando le ha dado por ponerse serio, con sus participaciones en En algún de la memoria o Embriagado de amor, de P.T. Anderson), ha recibido buenas críticas para su masa de fans ha huído despavorida. Para tenerlos satisfechos, ahora interpreta a Zohan, un peculiar y extremadamente preparado agente israelí de los servicios secretos del Mossad que finge su muerte para poder trasladarse de Israel a Nueva York, y así poder cumplir allí el sueño de su vida: convertirse en peluquero.


El objetivo de la película (como "obra", no como producto´), criticar la falta de comunicación entre israelís y judíos en un conflicto que ya dura más de cincuenta años es digno de aplaudir, al igual que esa incorrección política que inunda parte de la película (la escena en la que los judíos les dicen que a los palestinos que ellos también les tienen miedo cuando les ven en un avión es hilarante). Sin embargo, eso sólo aparece con cuenta gotas. Inevitable y lamentablemente, el humor grueso -ese que hace apología del caca-culo-pedo-pis cada vez que puede- se apodera de la película y la hace perder puntos acompañando a otras cintas de Sandler como Click, ese subproducto, larguísimo, que incompresiblemente vi hace dos años en el Festival de Donosti.


No pienso entrar en valoraciones en si el éxito revelación de Borat tiene que ver o no con la existencia de esta película. Se agradece que una propuesta de estas características intente ir un paso más allá (si ignoramos los defectos anteriormente comentados) a pesar de que los resultados, finalmente, se queden a medio camino. La influencia del cine de Frank Capra y su clásico buenrollismo vuelve a hacer acto de presencia en el cine de Sandler. La buena , aunque también inofensiva, voluntad del actor aparece en Zohan: Licencia para peinar con su llamada a la comunicación entre ambos lados del conflicto no tarda en aparecer. No sé si el mensaje se transmitirá con éxito pero, al menos, ahí queda.

Lo mejor: Lo provocador de la propuesta: hay que ser valiente para producir una película de casi 100 millones de dólares de presupuesto y cuya premisa sea reirse de algo tan grande como el conflicto palestina israelí. Sandler tiene algo para que, yo, sin saber muy bien por qué acabe viendo casi todas sus películas.
Lo peor: Que tenga que recurrir al clásico CCPP(el ya mencionado caca-culo-pedo-pis) para poder satisfacer a su público objetivo. A Sandler, mandamás en cada una de sus películas (razón por la que coloca a sus "coleguitas" como directores) se le ve el plumero de lejos y sus películas repiten una y otra vez los mismos esquemas.
Los cameos: El tenista John McEnroe, los actores George Takei y Kevin James (que trabajó con Sandler en Os declaro marido y marido) o la cantante Mariah Carey son algunas de las celebridades que tienen un cameo en la película.
El actor: Rob Scheneider, más conocido por sus dos Gigoló, es un habitual del cine de Sandler, ya sea en papeles pequeños o de mayor importancia.
La curiosidad: Judd Appatow, el nuevo rey de la comedia de Hollywood tras los éxitos de Lío embarazoso o Supersalidos, es productor y guionista en la película, al igual que Sandler.

En otra época del año, quizás recomendaría la película. Ahora, cuando llegan films como Los girasoles ciegos o todavía podemos ver Batman, Wall·E o Una palabra tuya, no. No obstante, si dentro de unos meses vais al videoclub y quereís ver humor fácil con cierto pose provocador y, para qué mentir, entretenido, Zohan no es mala opción.

19 agosto 2008

Una palabra tuya, una película para tí

Rosario y Milagros son amigas y son barrenderas. También son jóvenes y no tienen ni novio, ni coche, ni amigos, ni futuro, a pesar de lo cual luchan, se pelean, se divierten, se quejan e incluso ligan... Hasta que un día, un encuentro inesperado dará un vuelco a su vida del modo más sorprendente.

Rosario y Milagros son las heroínas, sin antifaces ni momias de por medio, de Una palabra tuya, la segunda película como directora de Angeles González Sinde, presidenta de la Academia de Cine y aclamada guionista. Tras ganar un Goya a la dirección novel por La suerte dormida, escogió esta novela de Elvira Lindo. Para interpretar a las protagonistas, González Sinde ha escogido a Malena Alterio y Esperanza Pedreño, la Cañizares de Cámera Café. Ambas se enfrentan a un gran reto: mientras la primera se enfrenta a su primer protaginsta en cine, es la primera película para Pedreño. Completando el trío protagonista nos encontramos con un Antonio de la Torre que no para de trabajar (aquí ya nos morimos por ver el Gordos de Daniel Sánchez Arévalo).

Una palabra tuya, que llega a los cines el próximo viernes, es el primer estreno de la temporada fuerte del cine español. Ya era hora. Además, ignorando Los crímienes de Oxford, es la primera película española que veo en cines este año. Al estar fuera de España desde febrero a junio me perdí películas como 8 citas, Elegy o Cobardes, asignaturas pendientes que saldaré en cuanto salgan en DVD, Volviendo al tema, que me voy por Peteneras, con Una palabra tuya nos encontramos una cinta notable, que conquista al espectador y que le hace reflexionar sobre lo que acaba de ver en pantalla. La obra es profunda y abarca muchos temas, todos ellos interesantes pero yo me quedo sin duda con el tratamiento de la soledad que hace Lindo y, en el guión, González Sinde. El cómo presenta los conflictos a través del enfrentamiento de dos personajes tan opuestos como compatibles, enriquece mucho la historia. El marcado - y obvio, por otra parte - tono literario de la historia no hace si no beneficiar a la historia.
No estamos ante uno de esos casos, habituuales en adaptaciones literararias, en los que los diálogos y las situaciones son tan artificiales que acaban perjudicando la verosimilitud de la histortia. En la presentación de la película, la autora explicaba el por qué de la elección del reparto: los actores rezuman verdad por todas partes. Sin importar el quizás excesivo giro de los acontecimientos, te crees los personajes, especialmente el de Alterio, con el que es fácil identificarse a pesar de que, por momentos, puede parecer antipática. El caso de Esperanza Pedreño es otro cantar. Milagros es uno de esos personajes que a mí me gusta llamar borderline: son especiales, se alejan de los clásicos estereotipos y que, a priori no peguen en la historia, les convierte en un caramelo que puede estar envenado. Afortunadamente, Pedreño está estupenda. Desde ya la veo como una candidata muy probable al Goya a la mejor actriz revelación. Antonio de la Torre cumple, aunque aquí no tiene un papel en el que pueda brillar (como sí tenía, por ejemplo, en Azuloscurocasinegro). Está bien en su papel de "Morsa" (y no lo digo por su aspecto en Gordos, sino porque así llaman a su personaje en la película) aunque el papel de este en la historia no es otro que completar el de Rosario.

Lo mejor: Malena Alterio y Esperanza Pedreño están excelentes. No tenían una papeleta fácil por delante pero aprovechan cada escena al máximo. El guión es brillante.
Lo peor: Esta película no reconciliará a los críticos del cine español, al que acusan, entre otras cosas, de sólo hacer dramas sociales (este no lo es). Ellos se lo pierden.
La frase: La distancia que interpones entre tú y el mundo se llama arrogancia, la dice Milagros en la excelente escena de la primera discusión entre las protagonistas.
¿Sabías qué... Malena Alterio estaba "emperrada" en hacer el papel de Pedreño? Sin embargo, hizo la prueba para ser Rosario y conquistó a la directora, pero ella no estaba convencida. Semanas después aceptó.

No voy a ser hipócrita y criticar el cine comercial (un adjetivo que no es negativo en absoluto, para mí al menos) y los blockbuster en este o cualquier otro post. Nunca lo haría teniendo en cuenta nuestra columna de críticas del 2008 (algo que cambiará en otoño con la llegda del cine de "qualité" del año). No obstante, espero y deseo que Una palabra tuya pueda encontrar su sitio en la cartelera. No estamos ante una obra maestra ni mucho menos pero no merece pasar desapercibida. Yo tengo fé en las posibilidades de la película y en Tesela, que en los últimos años han estrenado con exíto películas pequeñas como El bola, 7 vírgenes o la citada Azul... Darle una oportunidad.

18 agosto 2008

Mamma Mía: un festival de excesos (2ª parte)

Antes de hablar de Mamma Mía, voy a mencionar al caballero oscuro que está arrasando en todo el mundo. Nuestra crítica llegará cuando Adri y yo la veamos en VO. Ahora hay muchísimas críticas sobre la pelicula y vamos a esperar un poco. No mucho tampoco, que cada cosa tiene su momento y ahora estamos en el de Batman. Volvamos al tema del post.

Lo sé: hace unos días titulaba mi crónica de la entretenida-a-la-par-que-rídicula La Momia 3 de igual manero que hoy lo hago con la adaptación al cine de Mamma Mía!. Estamos antre otro festival de excesos, en el caso de la película de Fraser nos encontrábamos con un festín de acción y aventuras surrealista y excesivo. Por el contrario, en el film protagonizado por Meryl Streep, la adaptación de uno de los musicales más exitosos en todo el mundo durante la última década, nos encontramos con una selección de temas y una puesta en escena de lo más hortera en una película en la que la historia (más simple si cabe de lo que solemos ver en mi adorado género musical) está más que nunca al servicio de las canciones y de una Streep más pasada y sobreactuada que nunca. No es una crítica: si hay una película en la que esta diosa de la interpretación puede y se merece pasarse de rosca es en un musical inspirado por canciones como Chiquitita, Dancing Queen o la propia Mamma Mía.

Mamma Mía cuenta la historia de una veinteañera (interpretada por una estupenda Amanda Seyfried, quizás la mejor de todo el reparto pese a ser la más desconocida) que el día antes de su boda decide conocer la verdadera identidad de su padre. Toda la historia transcurre en una isla griega hasta la que llegan los tres posibles padres de Sofi y ex-amantes de Donna, su madre. El reencuentro sorprende a todos y... comienza el lío. Junto a lo pe gadizo de las canciones, el otro punton fuerte de la historia su reparto. A la ya mencionada Streep (que este año tiene pendiente de estreno Doubt, por la que, una vez más, suena para los Oscars de la próxima temporada) la acompañan como sus amigas Julie Walters y una Christine Baranski, con larga experiencia en musicales teatres, que se alza como la mejor cantante del reparto con diferencia - algo que se puede comprobar en el tema Does your mother know?-. De los chicos (Pierce Brosnan, Stellan Skarsgaard y Pierce Brosnan, que canta más o menos lo que yo.. o sea, nada) no se puede decir lo mismo, aunque pongan de su parte. Afortunadamente, es una de esas películas en las que se nota que el reparto se lo ha pasado bomba rodándola y eso se traspasa, dependiendo también de lo que te gusten las canciones de ABBA y los musicales, al espectador.

En el lado negativo de la balanza nos encontramos con la dirección algo grotesca de Phillipa Lloyd, que demuestra ser una debutante en el mundo del cine. Que haya hecho un buen trabajo dirigiendo el musical en teatro no la hace válida para llevarla al cine. Otros directores podrían haberle sacado más juego. Tampoco hay que olvidarse de un flojo guión que se hundiría en la de no ser por las ganas que pone su reparto y que depende en exceso de los números musicales.

Lo mejor: Lo pegadizo del repertorio. Los actores saben trasladar a la pantalla lo bien que se lo pasaron rodando la película.
Lo peor: No deja de ser muy poca cosa y como en todo musical compuesto por canciones ajenas, que en ocasiones aparecen más por su fama que por su coherencia con la historia que están contando (algo que ya pasaba, por ejemplo, en Hoy no me puedo levantar). Sufre el principal defecto de los musicales al dejar la historia completamente de lado.
La escena: Varios números merecen ser rescatados ("Mamma mía", "Slipping though my fingers", "Does your mother know) pero yo me quedo con el "The winner takes it all", con una Meryl Streep sacando provecho de la mejor canción de ABBA.
¿Sabías que...Meryl Streep ya había cantado anteriormente en Postales desde el filo o El último show?

En resumen, una película entretenida y divertida que no es para todos los gustos: si no te gustan ABBA o los musicales, huye: te parecerá el horror. Pero si eres fan de Meryl, no te lo pierdas, esta más mamarracha (en el buen sentido de la palabra) que nunca.

16 agosto 2008

Harry Potter y el Príncipe Mestizo retrasada a verano de 2009

Hace un par de semanas que os hablamos de la sexta entrega en la saga de Harry Potter debido al lanzamiento del esperado trailer (que, por cierto, se puede ver en nuestras salas ya que viene acompañando a la cinta de la magnífica El Caballero Oscuro).

A sólo tres meses y medio de su estreno, la Entertainment Weekly ha anunciado en exclusiva que la Warner Bros ha retrasado el estreno de Harry Potter y El Príncipe Mestizo hasta el 17 de julio de 2009.

La compañía ha explicado que el verano es la ventana perfecta para un estreno familiar de este tipo. Pero parece que esto suena a excusa barata cuando uno sigue leyendo el comunicado, que afirma que "como cualquier otro estudio, aún estamos sufriendo las consecuencias de la huelga de guionistas, que cambió totalmente el panorama del 2009 abriendo así nuevas ventanas que queremos aprovechar".

Esto se ha visto con malos ojos por parte de los estudios rivales ya que "ya no necesitan dinero para este año. Cuando una película consigue lo que ha hecho El Caballero Oscuro, no necesitas a Harry Potter para cubrir el otoño. Pero los de la warner añaden que mover una fecha de una película como esta no es tan simple y que no sólo se llevan la película sino todo el merchandising, muñecos, videojuegos y demás. Es un efecto dominó que se alargará hasta el próximo verano. De momento, el 17 de Julio del 2009 es la fecha de estreno de la próxima película de Will Ferrell, Land of the Lost, pero Universal probablemente la moverá pronto a territorio más seguro.

De momento, y a parte de un puñado de fans cabreados, Warner ha descolocado ya a varias revistas que habían planeado, y tienen muy poco tiempo para cambiar, su especial de otoño con Potter en la portada, como la propia EW o la revista inglesa Empire. Pero a más corto plazo tenemos como ejemplo el trailer recién estrenado, que aún circula con la fecha equivocada incluso en la nueva película de la saga Star Wars: Clone Wars.

Parece que nos toca esperar casi un año para poder disfrutar de las aventuras del joven mago pero yo desde luego no me trago las excusas de la Warner ya que está claro que cuestión de dinero no es y ese cuento de la huelga de guionistas suena más a chino que a cualquier cosa... con los miles y miles de guiones que hay circulando por Hollywood constantemente la única realmente perjudicada con el tema fue la ficción televisiva.

13 agosto 2008

Anne Hathaway se casa en Donosti


Ayer hablábamos de Anne Hathaway y su divertido agente 99. ¿Será 2008 el año que la consagre definitivamente como una de las estrellas jóvenes con más futuro?

Rachel Getting Married será una de las cintas más interesantes de la 56 Edición del Festival de San Sebastián (a la que, desgraciadamente, no podré asistir por primera vez en cuatro años). No obstante, la cinta dirigida por Johnattan Demme (el mismo que en los buenos tiempos te hace El silencio de los corderos y en los malos el remake de Charada). La cinta se pasará en San Sebastián como parte de la sección Zabaltegi, Joyas de otros Festivales y es que RGM se estrenará antes en Venecia, donde compite en la sección oficial. Los primeros comentarios indican que podemos estar ante una de los hitos del cine indie de 2008 y, quién sabe, ante la primera nominación de Hathaway (ya hay expertos que lo predicen en sus webs).

Rachel Getting Married se vende como un drama con un corrosivo sentido del humor, sobre una joven que ha estado en rehabilitación intermitentemente durante diez años, y regresa a la casa familiar para la boda de su hermana. La cinta supone además el regreso por la puerta grande de Debra Winger, estrella femenina en los últimos 15 años que alcanzó la popularidad con films como La fuerza del cariño o El año que vivimos peligrosamente y que aqúi será la madre de Hathaway. Disfrutar del trailer de una cinta que veremos en otoño.

Superagente 86, digna cinta de verano

Diez años atrás, Paramount y Tom Cruise estrenaban la excelente Misión Imposible, de Brian de Palma, una versión de una aclamada serie de espías de los años 60. En años posteriores la saga se completaría con dos nuevas entregas: una horrible dirigida por John Woo y una bastante interesante realizada por JJ Abrams, el gurú televisiva (no en vano, esta tercera película recuerda inevitablemente a su serie Alias). Ahora nos llega una adaptación de otra serie de la misma época: Superagente 86 (ignoraré la innecesaria muletilla "De película"). Por edad (las series corresponderían más con la infancia de mis padres que con la mía propia) no he podido ver ninguna de las dos originales - que hoy pueden ser rescatadas en DVD - pero este Max Smart se me antoja como una especie de parodia de Ethan Hunt.


En estala cinta, Steve Carell interpreta al despistado y atolondrado Superagente 86 de la agencia de inteligencia gubernamental C.O.N.T.R.O.L., que lucha contra las fuerzas del mal encarnadas en K.A.O.S., la agencia rival. Dicho agente siempre va acompañado de su compañera, la agente 99 (encarnada por una estupenda y bellísima Anne Hathaway).

Se dice que a la hora de poner en marcha el proyecto, los responsables del mismo querían apostar por una especie de Bourne (no olvideis leer el interesantísimo reportaje sobre la trilogía que ha hecho mi compañera) cómico. Como digo más adelante, esta indecisión / apuesta por mezclar una comedia con una cinta de acción no termina de funcionar del todo. Aunque sería estúpido reconocer que estamos ante una entretenida que cuenta con ciertos gags muy divertidos (aunque tampoco abunden), en ocasiones se echa de menos que el director Peter Segal apostase definitivamente por la comedia. Después de todo, no siempre tienes a tus órdenes a actores tan divertidos como Steve Carell o una sorprendente Hathaway. Además, ambos demuestran estar cómodos en su primera aproximación a la acción.

En el lado negativo de la balanza nos encontramos con actores desaprovechados como Alan Arkin o innecesarios como la pareja de informáticos frikis que aparecen exclusivamente para promocionar la TVmovie que han lanzado paralelamente a la película. La historia emotivo- sentimental de la pareja protagonista no cuaja pero tampoco es lo que esperaba de esta película (para eso ya tendremos la Australia de Baz Lhurman, de la que ya hablamos). Para la secuela de la cinta - muy probable, dados los más de 200 millones de dólares recaudados en todo el mundo en ocho semanas - exijo secundarios aprovechados, no como el pobre Alan Arkin. Sólo Bill Murray, en su memorable cameo como un solitario agente, aprovecha su participación.

Lo mejor: La pareja formada por Steve Carrell y Anne Hathaway (la mejor del reparto) funciona. El cameo de Bill Murray.

Lo peor: A veces la delimitación de comedia y acción no termina de funcionar. Da la sensación de que si se decantase por un género en concreto podría funcionar incluso mejor.

El diálogo: - ¿Piensa lo mismo que yo, jefe? (Steve Carell); - Si estás pensando: Joder, casi muero por culpa de un pez espada, entonces sí. (Alan Arkin)

¿Sabías que... Carell y Arkin trabajaron juntos en Pequeña Miss Sunshine, por la que el segundo gano el Oscar como mejor actor de reparto, a pesar de que un servidor prefería el trabajo del primero?

Un divertido regreso al humor más físico, que si bien no apuesta por lo inteligente al menos apuesta por lo clásico en lugar de la escatología que tan acostumbrados estamos a ver. Entretiene aunque no sorprende, recomendable para fans de la pareja protagonista.

12 agosto 2008

WOW! Primera imagen del Príncipe de Persia

Los chicos de Just Jared han conseguido una de las imágenes más buscadas del año: Jake Gyllenhaal caracterizado como el Príncipe de Persia. La espectacular instantánea ha cerrado las miles de bocas que pusieron el grito en el cielo cuando el excelente actor de Brokeback Mountain fue escogido para protagonizar una de las sagas más prometedoras de los próximos años. A mí personalmente me chocó su elección pero nunca dudé que haría un gran trabajo. Recordemos que Mike Newell ha sustituido al inicialmente previsto y temible Michael Bay como director de la primera entrega: El Príncipe de Persia y Las Arenas del Tiempo. Además, Ben Kingsley y Alfred Molina acompañarán a Gyllenhaal.

Eso sí, no os dejeis llevar por la foto: Reese Witherspoon no será la chica de la historia. Ella está ahi acompañando a Jake, con el que sale desde que trabajaron juntos en (la, por otra parte, aburrida) Rendition.

La sinopsis es la siguente: Dastan es un joven príncipe de la sexta centuria persa que debe unir fuerzas con Tamina, una exótica princesa, para prevenir que un noble malvado tome posesión de Las Arenas del Tiempo, un regalo de los dioses que tiene el poder de revertir el tiempo y convertir a su poseedor adueñarse del mundo.

El film ha sido retrasado un año y finalmente nos llegará en el verano de 2010.

11 agosto 2008

Una de trailers

Es conocido por todo cinéfilo que con el otoño no llegan sólo lluvias (perdonenme el triste chascarrillo, por Dios) sino las primeras cintas interesantes del año. No ha sido un mal verano en absoluto (aunque por cada Batman y Wall·E ha habido al menos un expediente X y una momia) pero es momento de que empiece a llegar lo bueno. Y con lo bueno me refiero a cine de más "pedigree". Empecemos con tres films de los que en los últimos días han salido las primeras imágenes en movimiento.

RED DE MENTIRAS
¿Quién? Ridley Scott (American Gangster, Alien, Thelma y Louise) dirige a dos ases como Leonardo DiCAprio y Russell Crowe.
¿Qué? Un antiguo periodista herido en la guerra de Irak es contratado por la CIA para seguir la pista de un líder de Al Qaeda en Jordania. Basada en la novela "Body of Lies" de David Ignatius
¿Cuando? El 24 de octubre llega a nuestras pantallas.


LUCIÉRNAGAS EN EL JARDÍN

¿Quién? Mi adorada Julia Roberts, Willem Dafoe, Ryan Reynolds, Emily Watson, Carrie-Anne Moss y Hayden Panettiere
¿Qué? Melodrama familiar que narra los tormentos y los traumas que acompañarán durante su vida de adulto a un niño al que su padre agredía y humillaba, y el reencuentro con esos fantasmas del pasado cuando la familia se reúne en el entierro de la madre.
¿Cuando? No tiene fecha de estrena todavía pero debería de llegar a España en septiembre u octubre. Vista en Berlín, con críticas irregulares.



EL NIÑO DEL PIJAMA DE RAYAS

¿Quién? Mark Herman (Little Voice) dirige, entre otros, a David Thewlis y Vera Farmiga (la chica de Infiltrados)
¿Qué? Adaptación de uno de los grandes best-seller de los últimos años.
¿Cuando? La veremos el 26 de septiembre pero antes competirá en la sección oficial de Donosti.

10 agosto 2008

El Caso, el Mito y el Ultimátum de Bourne: Trilogía de calidad.

Las aventuras y desventuras de Jason Bourne estrenan esta nueva categoría en La Última Película. Dentro de la etiqueta RETRO podréis encontar comentarios y críticas referentes a aquellos visionados atrasados (o a revisionados) de películas que no sean de actualidad.

Aprovechando el puente del finde pasado en Madrid, el viernes fue nuestra cita con las tres películas que conforman la saga de Jason Bourne, ese espía sin memoria interpretado por Matt Damon.

Allá en 2002 se estrenaría El Caso Bourne, una gran película de acción que más tarde se convertiría en la primera parte de una de las mejores trilogías del género. Quién no sabe ya que Jason Bourne despierta en un barco pesquero sin nada más que lo que lleva puesto.. ni siquiera conserva su memoria. Durante las casi dos horas de metraje, Bourne descubrirá lo turbio de su pasado mientras investiga su identidad. Esta primera entrega de la saga tiene todos los elementos de una buena película de acción, de espías y de conspiraciones. El guión tiene giros y arcos originales a pesar de lo trillado del género.

Una de las mejores características de la saga, y que ya es una marca de identidad, se evidencia ya en esta primera entrega: Las persecuciones. En este caso tenemos a un habilidoso Bourne, acompañado de una no tan asustada como debería Marie (Franka Potente, protagonista de esa joya que es Corre, Lola, Corre), que recorre las calles, aceras y plazas de París en un mini huyendo de la policía parisina.

El Caso Bourne nos ofrece mucho más de lo que parece y es que Bourne forma parte de un grupo de asesinos de élite que trabaja para el gobierno de los Estados Unidos haciéndole el trabajo sucio. Cuando los jefazos del proyecto Treadstone se enteran que Bourne está vivo, llaman a sus matones que tienen desperdigados por Europa para asesinarle. Es así como conocemos a Clive Owen, un ejecutor de pocas palabras atormentado por las pesadillas que le provoca su trabajo, algo que luego tormentará a Bourne de igual forma.

Tras demostrar sus habilidades infinitas (y sorprendentes), superar y engañar a todo potencial enemigo y desvelar la verdad de su identidad, el Caso Bourne acaba de forma conclusiva (cosa que no pasa con el resto de las entregas) y con un final que puede percibirse como feliz.

Tras la dosis de acción y espionaje casi perfectos que es la primera parte de la saga, en 2004 nos llegó El Mito de Bourne, una producción inferior a su predecesora, aunque no demasiado, cuyo planteamiento ya concebía claramente la existencia de una tercera entrega algo que resulta ser lo peor de la película ya que produce una sensación de no tener identidad en sí misma.

A pesar de ello, esta segunda entrega recoge todos los elementos de la anterior y los potencia constantemente, estableciendo así una estética, elementos y tramas que conforman una identidad propia para la saga. Acción, conspiraciones, persecuciones y un Bourne cabreado porque ya tenía suficiente con sufrir las consecuencias de su pasado, sino que encima le arrebatan a Marie, el pilar básico de la única vida que recuerda haber vivido.

Aquí la conspiración se vuelve más complicada y Bourne va descifrando qué son esos flashes que tiene de su pasado y se las arregla para desenmascarar al topo que busca la CIA, matar al asesino ruso que se cargó a Marie y confesarle a la hija de la vícitma de sus flashes la verdad sobre la muerte de sus padres.

Paul Greengrass (que sustituye a Doug Liman en la dirección, y se hace amo y señor de la saga) demuestra un mejor manejo de la puesta en escena haciendo que secuencias que en la primera película habrían sido geniales sean espectacularmente magistrales. La persecución en Moscú es un claro ejemplo de un manejo de la cámara espléndido unido a un montaje rápido pero claro y efectivo que mantiene la tensión intacta en todo momento. Llegado a éste punto, y ya que es otra parte importante y característica de la saga, debo hablar de John Powell, artífice de la banda sonora de la trilogía. La banda sonora ha conseguido crear una serie de melodías que forman parte de la identidad de la saga, y que sabe potenciar muy bien todas las secuencias que, al fin y al cabo, es él propósito final.

Con ésto y con todo, y apesar de que es altamente entretenida y mantiene el altísimo nivel de su predecesora, como he dicho antes, y sobretodo se intensifica con el final, la sensación es de transición pero deja todos los elementos sobre la mesa para que se de lugar El ultimátum de Bourne, una película magnífica que pone fin (esperemos) a una de las mejores sagas de acción de los últimos años.

El ultimátum de Bourne está contado en flashback con respecto a la segunda entrega, algo de lo que no nos damos cuenta casi al final del metraje y nos mete de lleno en la venganza de un Bourne que ha decidido no quedarse de brazos cruzados y descubrir qué significan todos los flashes que le abruman. Por su parte, Pamela Landy se da cuenta de lo turbio de Treadstone, la nueva división derivada de ello y algunos peces gordos de la CIA y ayuda a Bourne de lejos pero de cerca.

Greengrass vuelve a demostrar su valía tras una cámara de rápidos movimientos y nos ofrece una de las mejores persecuciones que veremos en muchos años, un despliegue de medios (los extras del film son muy reveladores) y un montón de ideas originales hacen de la persecución por Tánger en general, y los tejados en particular, sea espectacular. En todos sus detalles. Pero no me olvido tampoco de la persecución, esta vez en coche, en Nueva York. Si es que son muy grandes.

Además vuelve a ponerse de manifiesto es gran marca de identidad de Bourne y es que, si la acción se desarrolla en Madrid, se graba en Madrid, y eso le aporta credibilidad, realismo y calidad a la película (me viene a la mente esa plaza en Salamanca llena de mejicanos de En El Punto de Mira).

Se le achacan lagunas en cuanto a la historia y el pasado de Bourne pero que sólo son ciertos en parte. Sí, podríamos haber sabido la vida de Bourne antes de ser reclutado, pero con los detalles que te muestran es suficiente para darte cuenta de que no es un pasado agradable. Además muchos critican que no se aclare nada respecto a la relación de Nikki y Jason, algo que me parece fuera de lugar por dos motivos. Primero, Bourne demuestra que se sale de lo tipicorro y no cae en el sentimentalismo de las relaciones y no tiene miedo a ser fiel a la historia. Bourne tiene su historia de amor con Marie y, después de muerta y tratando de vengarla, lo más lógico y conveniente para la historia es que la relación con Nikki en la tercera entrega, ya que en la segunda apenas aparece, no vaya más allá de la amistad o de ayudarse mutuamente. Sería más criticable que los dos acabasen felices y contentos haciendo bebés.

Y por otra parte, muchos critican que no queda nada claro el pasado y el futuro de ambos. El pasado queda totalmente explicado y no hace falta ser un lince para conocer la verdad. Además, viendo la trilogía de nuevo te das cuenta que, ya en la primera entrega, Nikki le pone ojitos a Bourne la primera vez que se ven. Tuvieron una relación, tristemente Bourne no la recuerda, pero esa relación, tras lo sucedido en la tercera, no puede ir a ningun lado si quieren continuar con sus vidas. El que quiere pensar que Bourne busca a Nikki igual que buscó a Marie, que lo piense.. yo prefieo pensar que cada uno hace su vida sabiendo que el otro sigue vivo. No creo que haya una visión correcta en este aspecto.

Y no puedo terminar sin hablar de Matt Damon, declarado uno de los hombres más sexis del planeta, que ha sabido dar una personalidad y porte a Bourne que no muchos hubiesen conseguido. Ha logrado crear un personaje serio y creible dentro de una saga de acción prácticamente pura cuando, en general, el imaginario de protagonistas de este género es risible, exagerado o una parodia de sí mismo.
Lo mejor de la trilogía: Cómo han hecho de unas grandísimas persecuciones una marca de identidad de la saga. El aprovechamiento artístico y de puesta en escena de las localizaciones Europeas.
Lo peor: los rumores de una cuarta entreg, sin Greengrass ni Damon... ni siquiera Liman.

Para acabar, y a modo de valoración general de la saga, la trilogía de Jason Bourne es cine comercial de entretenimiento de calidad, una saga que derrocha originalidad, espectacularidad y un buen saber hacer cuyo resultado deja al espectador con un sabor de boca inigualable tanto al finalizar cada entrega individualmente como al término de la saga.

08 agosto 2008

Wall·E: Hasta el infinito y más allá

Una sandwichera y un iphone se enamoran. ¡Que descabellado, ¿no? No. Porque Pixar convierte en oro todo lo que dibuja.

Da igual que sea una rata que cocina que un juguete luchando por volver al lado de su dueño, los magos de Píxar meten la mano en su chistera, como hace el ilusionista del corto ‘Presto’, y sacan historias que no sólo conmueven y sorprenden, sino que dejan una huella en la historia del cine que ni el pequeño robot Mo puede borrar.

Estamos ante una época en la que la animación se reinventa a sí misma. Sabemos que los niños tiran de la mano de sus padres para ir al cine de la misma forma que para comprarse un bollicao con cromos de Nemo. Qué mejor solución para esta situación que hacer una película muy divertida de un ogro verde que hace velas con la cera de sus oídos que a la vez encandile a los padres con una estructura inversa a lo que están acostumbrados a soportar mientras lanzamos un par de guiños que sólo ellos entienden.

Wall·E es un robot solitario que busca aprender sobre la humanidad y el amor a través de la basura que recoge. Es una historia de aventuras donde el mensaje es un personaje más de la historia y que está camuflado por robots muy divertidos que serían mejor compañero de juegos que un Pokémon. ‘Wall·E’ es cine para adultos camuflado como cine para niños.

Este E.T del nuevo milenio se hace con la empatía del espectador gracias a su ternura, simpatía y curiosidad. Durante los primeros 40 minutos del metraje el lenguaje visual es el único idioma que existe y, en conjunción con una banda sonora capaz de acentuar las emociones, nos regala una cadena de secuencias que logran expresar la felicidad, la libertad, el miedo y la curiosidad ante lo desconocido, la amistad y el amor.

Pero ese amor no es el único que se refleja. El amor al cine, con constantes referencias y homenajes a la historia del séptimo arte, y el amor a la tierra, ya desde el latido maternal de Eva cuando aloja la planta en su ‘vientre’ o cuando el corazón de éste nuestro E.T. palpita levemente cuando parece que todo está perdido, son dos elementos básicos en la historia.

A otro nivel se encuentran los constantes y obvios mensajes lanzados al espectador, una moralina que muchos podrían tildar de poco sutil pero que es resuelta de una forma muy elegante, haciendo de este mensaje un personaje más de la historia, algo que ya intentó fallidamente Shyamalan en la decepcionante ‘El Incidente’. Y no sólo eso, sino que logra enmarañar otras reflexiones que muestra de forma sutil, como ese acto de rebeldía interior de Mo que muestra que, al igual que hacía Melvin Udall en ‘Mejor Imposible’, a veces es necesario salirse (o pisar) la raya.

Y, cuando parece que todo está perdido, E.T. hace lo imposible para volver a casa y tras un sinfín de peripecias, el vuelo de bicicletas llega con los primeros pasos de ese capitán gordinflón que vence a HAL al ritmo de los inconfundibles tambores de ‘2001 odisea en el espacio’.

Con este final culmina una magnífica película plagada de guiños, homenajes y buen cine que no muchos sabrán apreciar simplemente por ser “una película de dibujos”. Y no, no he hablado de la animación, la técnica ni los efectos. Para eso ya está ‘300’. Wall·E es una historia sobre la humanidad protagonizada por un ser robótica. Qué cosas. por un ser robótico. Qué cosas.

07 agosto 2008

Un reparto de campanillas para el western de Ed Harris

Debo admitirlo: con toda probabilidad el western es el género que menos me llama a la hora de ver una película. No es que no me gusten (El hombre que mató a Liberty Valance, sin ir más lejos, es una gran película) es que es una gran asignatura pendiente. Durante la última década, la cantidad de westerns que han llegado a los cines es muy muy pequeña. El género, toda una estrella hace décadas gracias a gente como Sergio Leone o John Ford, a día de hoy está prácticamente muerto, a pesar de los intentos del Kevin Costner director de luchar contra ese aciago destino.

Ahora es Ed Harris, otro actor metido a director, quién apuesta por el género con Appaloosa, adaptación de la novela de Robert B. Parker del mismo título, que gira en torno a dos amigos que son encargados de proteger una ciudad sin ley que sufre a manos de un renegado ranchero. Sin embargo, la llegada de una atractiva viuda desbarata sus planes. Harris (uno de los mejores actores sin Oscar de la industria a pesar de papeles como el Cristof de El show de Truman) interpretará uno de los papeles protagonistas de un reparto de campanillas que incluye, entre otros, a Viggo Mortensen (en un año que se antoja antológico, gracias a su participación en The Road, la adaptación de la novela homónima de Conrad McCarthy, autor de la novela que inspiró No es país para viejos), Renee Zellweger y Jeremy Irons.

A continuación os dejo el trailer de una película que espero tenga mejor suerte que El tren de las 3.10, western protagonizado por Christian Bale y Russell Crowe estrenado en Estados Unidos en otoño de 2007 y que aún no hemos visto por estos lares. Recordemos que es el segunde filme como director para Harris, que hace seis años dirigió e interpretó el biopic del genial pero atormentado Jackson Pollock, por el que Marcia Gay Harden ganó un Oscar como secundaria.

06 agosto 2008

No me pidas.... ¿la sorpresa del año?

Gracias a los amigos de la Katarsis descubro imágenes promocionales de No me pidas que te bese porque te besaré, el segundo gran estreno de cine español del que hablo este mes, tras Los girasoles ciegos. En esta ocasión nos encontramos ante el debút como director de Albert Espinosa, un reputado guionista y dramaturgo, responsable de las obras de teatro o guiones que inspiraron cintas como Planta Cuarta, Va a ser que nadie es perfecto o Tu vida en 65 minutos. Me voy a poner en modo "Yo confieso": no he visto ninguna de ellos pero intentaré poner remedio a ese problema antes del estreno de su ópera prima (aunque no en el caso de la dramedia de Tejero, Millán y cía... por ahí, de momento, no paso).

¿Por qué entonces me atrae esta película? Dos razones básicas: su trailer, que podemos ver al final del post, apunta a una dramedia muy particular (quizás demasiado, no tengo muy claro que la película sea capaz de encontrar su público a pesar del éxito de Planta cuarta o sus obras teatrales) con ese toque especial más característico del cine independiente / europeo. La otra razón es digno regreso al cine de Eloy Azorín, el Esteban de Todo sobre mi madre que me trastocó desde la primera vez que lo ví. A pesar de ser un papel breve y sin demasiada chicha, me fascinó tan pronto como aparecía en escena para ver Eva al desnudocon Cecilia Roth, su inolvidable madre Manuela en la ficción. Me alejé de Azorín tras elecciones que no me llamaban la atención y pensé que verle en A Electra le sienta bien el luto, obra de teatro que hizo en Madrid con Emma Suárez, nos reconciliaría, pero no: demasiado intenso para mí. Pero creo que esta vez será diferente.


La película nos cuenta la historia de un chico que está a punto de casarse, pero no se atreve a decirle a su novia que ya no la quiere. Además vez de preocuparse por organizar la boda, se pasa el día intentando aprender a tocar la guitarra. Por eso se apunta a un cursillo en el que conocerá a un grupo de personas "especiales", con los que montará el club de las pajas.

No me pides que te bese porque te besaré llega a nuestras pantallas en octubre, así que podeis ir abriendo boca con el trailer. Aquí podeis encontrar más información interesante sobre la película y un artista tan interesante como Espinosa, enfermo de cáncer entre los 14 y los 24 años, perdió un pulmón y una pierna, hechos que han influido indudablemente en los temas de sus obras.

04 agosto 2008

Una nueva maravilla de Pixar... ¡qué raro!

(SIN SPOILERS)
¡Qué mono que es Wall·E! Es uno de los comentarios que más escucharemos durante las próximas semanas. Otros hablarán de la (obvia) genialidad de Pixar y de cómo el estudio dirigido por John Lasseter se supera película a película.... algo que es cierto y no lo es a la vez (con la excepción de la decepcionante aunque muy correcta Cars que, por cierto, tendra secuela gracias a su gran éxito en la taquilla y las tiendas de marketing). Habría que ver las películas dentro de un par de años con más perspectiva para hacer un juicio más global y objetivo pero, a día de hoy, se puede decir que estamos ante una película maravillosa, un pequeño clásico instantáneo como apuntaba en su crítica Peter Rogers de Rolling Stone.

Es admirable como, película a película, Pixar lucha por reinventarse a sí mismo y buscar nuevos caminos. Un ejemplo claro es su apuesta por un largometraje en el que el diálogo es inexistente durante sus primeros 40 minutos. La primera decisión artística que toman otros estudios (y podría citarlos, pero seré bueno y no haré comparaciones) es ver qué estrellas doblaran a los personajes de sus películas. Pero Pixar, como España, is different.


La película dirigida por Andrew Stanton (que ya fue responsable de Buscando a Nemo, esa joya tan divertida y emotiva que es injustamente criticada por los más puristas) funciona en todas sus vertientes: comedia, drama, cine - denuncia (el - efectivo - ataque al consumismo de la sociedad en la que vivimos está muy presente, quizás demasiado, en la historia) ... El factor animación es lo de menos. Por supuesto que hay concesiones a un público más joven / infantil (es lo que tiene hacer cine de animación con aspiraciones de dominar la taquilla: no puedes olvidarte de los más pequeños) pero no afecta en absoluto al fantástico resultado final del filme. Son innumerables las escenas que dejan al espectador sin habla a lo largo de la película, destacando, por poner sólo un ejemplo, la secuencia en la que Wall·E cuida de Eve después del momento fotosíntesis (cuando lo veaís lo entenderás). Preciosa: al igual que cuando la escena se reproduce "a la inversa". En el lado negativo de la balanza únicamente citar que, desde el golpe de giro, el desarrollo de la película se hace más monótono de lo que esperaba y se aleja del primer acto.

Lo mejor: La primera parte de la película es absolutamente magistral. La historia de amor entre Wall·E y Eve.
Lo peor: Que parte del público no termine de conectar con la película por estar acostumbrado a otro tipo de cine de animación. Pixar lo ha demostrado en numerosas ocasiones ya pero quizás esta sea la película que deja más claro que estamos ante una forma diferente de hacer películas (que no obstante, también tiene su moralina, todo sea dicho).
El cameo: si no me equivoco, el perro Bolt (protagonista de la nueva película de Disney) aparece en una escena de la película. A ver si lo descubrís.
¿Por qué... hay espectadores que siguen despreciando al cine de animación por ser "de dibujos"?
El corto: No me olvido de Presto, el cortometraje escogido en esta ocasión para acompañar al estreno de una cinta Pixar. No estamos ante la mejor obra de la compañía pero sin duda es uno de sus piezas más divertidas. No dejas de reir en ningún momento. Y hasta aquí puedo leer.

Una película recomendable por muchísimos motivos pero lo resumiré en uno: estamos ante la primera gran historia de amor de Pixar. Imprescindible. Sin lugar dudas y al menos hasta la llegada del Joker, la mejor película de 2008.

02 agosto 2008

Me muero por ver.... Los girasoles ciegos

En el país de los ciegos, el tuerto es el rey. En un año en el que no hay estreno de los Amenábar y Almodóvar de turno, Los girasoles ciegos se alza como el estreno, a priori, más interesante del cine español del 2008. El regreso a la dirección de José Luis Cuerda promete y mucho.

Maribel Verdú en el mejor momento de su carrera + Javier Cámara en su primer papel dramático desde su fabulosa interpretación en Hable con ella + Raúl Arévalo, el joven de moda del cine patrio + la adaptación de una prestigiosa novela = Favorita (personal) de cara los Goya del año próximo.

Cada vez que Elena (Maribel Verdú) cierra la puerta de su casa, echa la llave de sus secretos. Al mismo tiempo que sortea los rigores de la posguerra, Elena levanta junto a su hijo Lorenzo (Roger Princet) una fachada de apariencia para ocultar la verdad sobre su familia: Elenita (Irene Escolar), la hija adolescente, se ha fugado embarazada con su novio Lalo (Martín Rivas), un joven que lleva meses en las listas de la policía. Y Ricardo (Javier Cámara), su marido, vive oculto en un hueco practicado en el dormitorio matrimonial.Creyéndola viuda, Salvador (Raúl Arévalo), un joven diácono que duda en colgar la sotana después de verle la cara al caos y a la muerte, se obsesiona con ella, hasta el punto de presentarse en su domicilio y acosarla, lo que impulsa a Ricardo a descubrirse para ayudar a su mujer.

No habrá que esperar demasiado para verla (yo la habría lanzado en San Sebastián, si se me permite la opinión): el 29 de agosto la tenemos en las pantallas españolas. Desde ya apuesto por la película para ser envíada a los Oscar, a no ser que El dos de Mayo de Garci, si es que la estrenan algún día, recupere al cineasta de la estupenda You're the one. A continuación os dejo el trailer.



 
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