El pijama mas feo del mundo

El niño del pijama de rayas. Empezaré diciendo que soy de ese (cada vez más reducido) grupo de personas que no se ha leído el susodicho libro (John Boyne, 2007). Que conste que no ha sido por pereza, sino más bien porque de alguna manera quería llegar “virgen” a la película. Nunca he considerado que un libro y sus reproducciones cinematográficas deban ser copias exactas, creo en la libertad y creatividad de directores, guionistas y productores, además está claro que no es lo mismo imaginarse un mundo como el de Narnia que recrearlo en celuloide. Bueno después de avisar al lector que lea esta crítica de que en ella sólo encontrará un análisis única y exclusivamente del film, me pongo manos a la obra.

Para empezar, lo cierto es que el título deja poco a la imaginación, para no fastidiar ni el contenido ni el final del que todo el mundo habla, diré que tenemos eso, un niño, un pijama de rayas y de telón de fondo los últimos años de la II Guerra Mundial en Alemania. Con estas pocas líneas podrían descrbirise más de la mitad de las películas que se han hecho sobre esta guerra. Pero ésta incluye un elemento nuevo que la hace más interesante, apasionante y cruel a la vez: todos estos elementos a los que ya estamos acostumbrados son descubiertos y descritos a través de la inocente (pero intensa) mirada de un niño de unos diez años que descubre los horrores de un campo de concentración. Lo que marcará de forma drástica un rápido paso a la madurez.

La película, aunque me resultó algo dura por el tema que trata, se erige como un gran acierto, una combinación perfecta de momentos de gran tensión, escenas dramáticas que arrancarán alguna lagrimilla que otra, pero también está llena de momentos cómicos, de inocencia, de juegos, de amistad y de lealtad. Por ello creo que el único fallo que podría ver en esta película (lo cual no significa que la volveré a ver cuando la estrenen en DVD) es que la temática me resulta facilona, y con esto quiero decir que tratando el tema que trata y con un niño como protagonista es difícil que no nos guste, ya que desde el principio la trama y los protagonistas te atrapan.

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Carta abierta a Meryl Streep

Mikel Ocilaregui, director del Festival de San Sebastián, ha dicho que eres “la mejor actriz contemporánea en activo”. Sabe convertir sus personajes en “inolvidables, de gran fuerza y personalidad”. Tan cierto como doloroso. ¿Cómo se te ocurre hacerme esto, Meryl? Sobre todo porque estoy seguro de que hace dos años te ofrecieron venir al festival cuando exhibieron El diablo viste de Prada como una de las joyas de Zabaltegui.

Si hubieses dicho que sí, me hubiese ahorrado a Matt Dillon.
Tras asistir, más feliz que unas pascuas, todo sea dicho, durante tres años a San Sebastián como jurado joven, este año me he quedado sin esa ración a la que ya me había acostumbrado por estar de viaje. Y encima, me quedo sin tí.

Cuando estes recibiendo en el Kursaal uno de los premios Donostia más merecidos en la historia del Festival, yo estaré en Nueva York pensando en como me gustaría estar viéndote. No deja de ser curioso que estoy seguro que, durante esos tres años que me he pasado en el festival, tu estabas en Nueva York. Ironías de la vida.

Me despido de esta misiva (programada para el día de hoy, que recibes el premio) deseando que disfrutes de la espectacular ovación que te darán, absolutamente merecida. Yo me resigno a verte en Julie & Julia, Doubt (donde espero que estés tan maravillosa que no puedan negarte ese tercer Oscar que te mereces desde hace años) o donde sea, porque eres garantía de que algo bueno va a pasar. Felicidades.

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Los extraños: ¿Solo porque estabamos en casa?

Desde que vi la película, he de confesar que en cierta manera han vuelto a mí esos miedos infantiles a los que todos nos hemos enfrentado alguna vez. Ahora antes de dormir miro en todas las habitaciones de casa y cierro bien la puerta. No vaya a ser…

Los extraños está basada en un hecho real, de aquellos que sólo parecen suceder en EE.UU. En el año 2005 tres encapuchados atacaron a unos jóvenes Kristen McKay (aquí interpretada por una siempre hetérea Liv Tyler) y James Hoyt (Scott Speedmam) mientras pasaban la noche después de asistir a una boda, en la casa de vacaciones de él en Clark Road. Tres años después, el asalto aun guarda muchas incógnitas, lo cual parece ser el punto de partida perfecto para un nuevo film de terror psicológico. El resultado podría ser un telefilme de cuarta, de aquellos que podemos ver en alguna cadena generalista en las sobremesas del fin de semana. Pero lo que la hace diferente, es primero que detrás están dos de las productoras que en los últimos años se han empeñado en hacernos gritar: Vertigo Entertaiment y Mandate Pictures (The ring I y II, The Grudge I y II) y después un guionista y director novel (Bryan Bertino) que parece haberle dado un toque de frescura.

Cuando escuche por primera vez que Liv Tyler iba a protagonizar una película como ésta, dónde la carga física es tan importante, tuve mis dudas y reticencias, pero después de haberla visto en acción confieso que me equivoqué. Ver a una actriz que en principio parece tan frágil (que por otra parte siempre será nuestra Arwen de El señor de los Anillos) luchar por salvar su propia vida y la de su pareja hasta la extenuación hace que su miedo y agotamiento resulten más creíbles. Además ya nos apetecía volver a verla en algún sitio. No puedo decir lo mismo de Scott Speedman, ¿por qué este hombre tiene siempre la misma cara de poker? Tengo la sensación de haber visto el mismo papel repetido una y otra vez, ya sea Underworld I y II o Felicity. Creo que particularmente él no aporta nada especial a la película.

Una elección particular tuvo que ser la de los tres enmascarados, para un actor su cara suele ser una parte más que importante de la interpretación, y ellos tenían que provocar terror sin servirse del gesto. Laura Margolis (Dirty Sexy Money), Keep Weeks (Camino a la Gloria de James Gartner) y una desconocida hasta ahora Gemma Ward completa el trío de enmascarados.

Parece que para Bryan Bertino ha sido llegar y besar el santo, como quien dice. Con su primer guión, ha coseguido no sólo ser respaldado por dos productoras relativamente importantes, sino además dirigirla. Dice que no quería recurrir al susto fácil y aunque en algunas escenas es innegable que lo hace, en cierta manera ha conseguido darle un nivel y estilo a un film que recordemos, está basada en una historia real, cruel y violenta.

Lo mejor: la interpretación de Liv Tyler y de los tres enmascarados.
Lo peor: La última escena que intenta rematar lo ya conseguido antes. Resulta redundante.

Por fin dejamos atrás el típico film que intenta provocar miedo (o algún sucedáneo) a través de supuestos niños muertos (muy muy feos) que se te aparecían por detrás cada vez que te lavabas los dientes o intentabas ver la televisión. Para los que nos apasiona el cine de terror y el Thriller psicológico más retorcido, Los Extraños es un gran descubrimiento. Es cierto que es una película limitada física y temporalmente (todo sucede en una noche y dentro de una casa) además de sólo contar con cinco actores. Aun así esta película te provocará momentos de tensión, miedo e incluso alguna que otra sensación de angustia. Pero sobre todo podrás disfrutar de un terror que después de las últimas cintas de este género se nos aparece como refrescante .

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Que llegan los Oscar... Una de Posters

Ya no hay dudas. Tras los festivales de Toronto y Venecia, las campañas de la temporada de premios no han hecho mas que empezar y ya corre por la red numeroso material promocional de las peliculas llamadas a convertirse en firmes candidatas al Oscar. Hoy nos centraremos en los posters, recordando el de Milk que colgamos hace unos dias.

Os hemos hablado varias veces de Revolutionary Road, el esperado reencuentro cinematografico de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, bajo la direccion de Sam Mendes. Ahora tenemos el primer poster promocional. Aqui podeis ver las primeras imagenes en movimiento.

Otro de los proyectos que suenan para la proxima temporada de premios es Frost and Nixon, una adaptacion dirigida por Ron Howard de una exitosa obra de teatro y protagonizada por Michael Sheen y Frank Languella. El sentimiento, por el momento, ante ella no es otro que el de pereza.

The Soloist atufa a Oscar se mire por donde se mire, pero yo no termino de tenerlas todas conmigo. El debut del muy prometedor Joe Wright (Orgullo y prejuicio, Expiacion) en Hollywood es la adaptacion de una historia real de un periodista (Robert Downey Jr, en el mejor año su carrera) que descubre en las calles de Los Angeles a un vagabundo (Jamie Foxx) que fue un niño prodigio de la musica en la infancia. El poster recuerda horrores al de Brokeback Mountain, todo sea dicho.

Para acabar vamos con el poster de otra pelicula de la que ya os hemos hablado, Rachel Getting Married. El retorno al cine de pedigree (cuanto miedo me da esta expresion) de Jonhattan Demme (El silencio de los corderos) puede acabar dando a Anne Hathaway su primera nominacion al Oscar. Recordemos tambien que la pelicula se vera estos en dias en San Sebastian, donde Demme ejerce de presidente del jurado de la Seccion Oficial.

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The Women, más neuras en Nueva York

No se equivoquen ni juzguen de antemano. La imagen que veis a la derecha no corresponde al tipico cartel alterado por el Photoshop. Aqui, los milagros rejuvenecedores vienen del botox, esa maravillosa herramienta que ha destruido el 90% de las capacidades interpretativas de la un dia maravillosa Nicole Kidman.

Meg Ryan, Annette Bening y compañia, al igual que Sarah Jessica Parker y sus maravillosas secuaces, han pasado por las manos de cirujanos para estar listas para Sexo en Nueva York I & II, porque no nos equivoquemos: esta The Women esta mucho mas cerca de la reciente Sexo en Nueva York que del filme de George Cukor que supuestamente remakea. En la cinta dirigida por Dianne English (la creadora de Murphy Brown, esa comedia televisiva de los 80-90 que ando buscando desde hace años) se vuelven a presentar los conflictos vistos mil y una veces en la comentada SENY o El diablo viste de Prada.

No todo es malo en la pelicula pero si terriblemente topico aunque no para merecer ese terrible 10% de aprobados que le han puesto en la muy recomendable RottenTomatoes. No se que les habra jodido mas: que sea una pelicula de los mas normalita / mediocre o que sea a la pelicula de Cukor lo contrario que el tremendisimo remake de Gus Van Sant de la magistral Psicosis de Hictchcock.



En todo caso nos encontramos ante una cinta divertida y entretenida, absolutamente centrada en el publico femenino y, despues, homosexual. No es casual (ni narrativamente creible, por la trama del personaje de Meg Ryan) la apuesta de English porque no aparezca en pantalla ni un solo hombre a lo largo de las casi dos horas de pelicula. Lo que si se suceden son los topicos, que acompañan a una serie de escenas comicas y dramaticas que funcionan gracian al acertado trabajo de un buen trabajo de casting, una de las mayores virtudes.

Ya sea por razones presupuestarias (que tampoco me extrañaria nada) o elecciones artisticas deliberadas,no han optado por las actrices de moda de turno. La eleccion de unas actrices veteranas con carreras en un punto mas bien muerto (Meg Ryan, Annette Bening, Cloris Leachman o una Candice Bergen que ha encontrado, de nuevo, su salvacion en la TV con Boston Legal) o interpretes en los primeros años de su carrera como Debra Messing (la maravillosa protagonista de la fantastica sitcom Will y Grace) o Jada Pinkett Smith, se erige como un gran acierto de English. Las actrices estan divertidas y demuestran quimica entre ellas, aunque en la inevitable comparacion con la serie de los manolos, pierde claramente.


Lo mejor: Las actrices, desde Cloris Leachman a Debi Mazar. La """"arriesgada"""" eleccion del reparto.
Lo peor: La cantidad de topicos que hay en el metraje, el claro homenaje a Sexo en Nueva York, no aporta nada nuevo y desde luego que no es un remake del clasico de Cukor.
La actriz: Debi Mazar, a la que adoro desde que la descubri en Entourage, es un diamante en potencia. Es hora de que le den mayores papeles, no importa si es en cine o television.
El detalle: Aunque la pelicula apunta a la tipica pelicula femenina en la que todos los hombres son o tontos o cerdos, hay una pequeña revelacion al final que indica que no solo nosotros nos equivocamos.

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Cuando el Oscar se equivoca

Como ya sabreis, esta semana se han anunciado las precandidatas españolas a los Oscar de 2009> Los girasoles ciegos, de Jose Luis Cuerda; Siete mesas de billar frances, de Gracia Querejeta y Sangre de mayo, de, como no, Jose Luis Garci. La elegida se anunciara el 26 de septiembre. Pero vamonos mas lejos y mas atras en el tiempo.

Son incontables las ocasiones en que los aficionados pensamos "pues no estoy de acuerdo con este Oscar". Lo raro es que sea un propio ganador el que lo reconozca. Allá por 1982, Steven Spielberg y su mágico E.T. El extraterrestre emocionaban a crítica y público al mismo ritmo que destrozaban las taquillas de todo el mundo. Sin embargo, la Academia decidió premiar finalmente a Gandhi, un biopic sobre el lider pacifista hindú, que se convirtió en la gran ganadora de la noche con 8 Oscars, dejando a E.T. con 4 Oscars técnicos.

Ya hubo periodistas entonces que se quejaron amargamente de esta decisión. El crítico del New York Times Vincent Carnby escribió E.T. y Tootsie son películas. Ghandi es un libro de texto muy bien ilustrado.

Ahora, 26 años después, Richard Attenborough, director de Gandhi, confesaba en una entrevista a la radio de la BBC: Mi compañera Diana y yo fuimos a ver E.T. en Los Ángeles poco antes de la época de premios y nada más verla nos dijimos: no tenemos ninguna oportunidad. E.T. debería ganar y lo hará. Sin la premisa de Mahatma Gandhi y su historia, nuestra película no sería nada. Gandhi ess una obra narrativa más que una obra cinematográfica, cómo sí lo era E.T. Steven Spielberg, cuyo cine me encanta, es un genio y E.T. es una película extraordinaria. Digno de aplaudir, la verdad. Ahora sólo falta que gente como Paul Haggis o Roberto Benigni (el de actuación, no película extranjera) continuen sus pasos.

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Me muero por ver... Milk

Hace tiempo que oí hablar de Milk pero nunca terminó de despertar las ganas de verla que ahora sí tengo. Claro, que entonces no había visto su fantástico trailer (que podeis ver más abajo).

Sabía que era una biografía entorno a un activista gay, Harvey Milk, el primer político abiertamente homosexual elegido para un cargo público en la historia de Estados Unidos. Eran los últimos años de la década de los años 70 y la libertad sexual de los sesenta había pasado a mejor vida. Así, muchos no supieron encajar que Milk luchase por los derechos gays. Entre ellos, Dan White, su rival político y (cuidado porque viene un SPOILER, aunque se haya comentado anteriormente), en última instancia, su asesino. En el film vemos como surge la figuara política de Harvey Milk y la reacción social ante él y su muerte.

Para interpretar a Milk fue elegido el (casi siempre) extraordinario Sean Penn, que ha adelgazado mucho para el papel. A su lado están James Franco como su pareja y Josh Brolin, más de actualidad que nunca (no olvidemos que interpreta a George Bush en W, de Oliver Stone). Diego Luna y Emile Hirsch también figuran en el reparto. Estarán dirigidos por el a veces temible, a veces estupendo Gus Van Sant. A España llegará en los primeros meses de 2009 y es una firme candidata para los Oscar.

A continuación os dejo el trailer (que vuelvo a recomendar, el montaje es fabuloso) e imágenes de los principales protagonistas, caracterizados en sus papeles.

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El Rey de la Montaña: el por qué de la violencia

Te dan de hostias y no sabes por dónde te vienen. Tu, atolondrado y sorprendido por lo que está pasando reaccionas, primero sorprendido, y después aterrado. No sabes qué es lo que está pasando, quién lo hace y, lo peor de todo, por qué. De esto, en resumidas, cuentas, va El rey de la montaña, la interesante ópera prima de Guillermo López Gallego, que llega a los cines españoles ¡un año! después de exhibirse en Sitges.

Quim (un estupendo, como casi siempre, Leonardo Sbaraglia) se piede con su coche en la carretera de una montaña que se encuentra en mitad de ninguna parte. Se baja del coche y, de repente, recibe un disparo. Herido y desorientado, se encuentra con Bea (María Valverde). Ella también está perdida y su coche se ha quedado sin gasolina. Pese a las desconfianzas mutuas, ambos deben unirse para intentar salir de allí. Tienen que huir por el bosque a pie, desarmados, con frío, perdidos. Y sin dejar de ser acechados ni un solo segundo. Si paran, mueren...

El rey de la montaña pertenece a esa corriente de cine que intenta reflejar la violencia como algo inesperado, irracional y trágico en sus consecuencias. Hay diferentes formas de abordar el tema de fondo, cómo se puede ver, por ejemplo, en el Funny Games de Michael Haneke. Aunque, algo sobado, es una propuesta, un tema que siempre funcionará - si está bien hecho, como es el caso, porque logra que el espectador se ponga en la piel de unos personajes que son perseguidos, con intenciones mortales, sin saber muy bien por qué. López Gallego utiliza el poder de la ignorancia y el desasosiego, del no saber qué es lo que va a pasar a continuación

No debemos olvidarnos tampoco de ese último acto que cambia completamente la estructura narrativa de la historia. Con la revelación del quién les está persiguiendo se busca un efecto chocante (que pese a todo se puede intuir por el buen-aunque-demasiado-explicativo poster de la película) que se consigue a medias. Hace diez años hubiese sorprendído más. Pese a todo, funciona. Lo mejor: López Gallego saber trasladar la tensión y el desasosiego que sufren los personajes a los espectadores. La puesta en escena ayuda a reforzar la labor de los intérpretes, en un registro muy físico que no se había visto antes en sus interesantes carreras.
Lo peor: Es una suma de películas e ideas que ya hemos visto en obras como Deliverance o Las colinas tienen ojos.
Las influencias: El director ha confesado que hay numerosos planos de la película que están inspirados en la estética de videojuegos como Doom, algo evidente al ver la película.
¿Por qué... se ha tardado un año en estrenar la película en nuestro país? El rey de la montaña se exhibió en Sitges en octubre de 2007 y desde hace semanas hay un dvd-rip en Internet.

En definitiva, una película notable, con unos protagonistas impecables y una satisfactoria puesta en escena del debutante López Gallego. Un buen retrato de la violencia injustificada, con una factura notable y uno de esos casos en los que se puede pronunciar la terrible frase "pues no parece española". Lo peor de todo es que ya la hemos visto antes. Aún así, una buena opción para ir al cine.

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El dos de mayo llegará en... octubre

Gracias a nuestra amiga de La Katarsis, me entero de que por fin tenemos tanto las primeras imágenes del proyecto como una fecha de estreno para la nueva película de José Luis Garci, ese polémico proyecto sobre los fusilamientos del dos de Mayo. La Comunidad de Madrid, con motivo del bicentenario de tan importante fecha en la historia de Madrid, decidió financiar íntegramente una película ambientada en esta fecha. Sangre de mayo, título final del proyecto, llegará a los cines españoles el 3 de octubre, compartiendo fecha con la excelente No me pidas que te bese, porque te besaré (que tuve la oportunidad de ver la semana pasada y puedo adelantar que me encantó) de la que hablaremos próximamente.

Quim Gutiérrez y Paula Echevarría interpretan a la pareja protagonista. Manuel Galiana, Enrique Villén, Fernando Guillén, Fernando Guillén Cuervo, Tina Sainz, Natalia Millán, Carlos Larrañaga, Lucía Jiménez y Miguel Rellán, entre otros, completan su reparto.

Veremos qué sale del proyecto. Tras encantarme You're the one (Una historia de entonces) -lo único que he visto de Garci, debo admitir- y la presencia de mi adorado Quim, debo admitir que estoy bastante interesado por el proyecto. Os dejo con nuevas imágenes.

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Hace mucho que te quiero: el poder del silencio

Nunca llegué a entender el Oscar a Juliette Binoche por El paciente inglés. Para mí, la gran dama de la película no era ni más ni menos que una Kristin Scott Thomas (SPOILER el clímax en la cueva es de los más tremendo - melodramáticamente hablanndo - que un servidor ha visto en su vida FIN SPOILER) veía desde entonces como su carrera se apagaba poco a poco. Intentó convertirse en estrella con La casa de mi vida (todo un placer culpable para mí, debo admitir) y Caprichos del destino pero no llegó a ninguna parte. Entonces se refugió en el cine francés en roles secundarios con alguna que otra participación en películas como Secretos de familia o Gosford Park.

Ahora, con Hace mucho que te quiero, puede salir del ostracismo en el que no merece estar con su primer papel protagónico en Francia . En la ópera prima de Phillipe Claudel, Scott Thomas hace un trabajo maravilloso, en el que no hacen falta palabras para describir o dejar entrever qué es lo que está pasando su personaje.

Juliette (Scott Thomas) sale en libertad después de pasar quince años en la cárcel. Durante esos quince años no ha tenido ningún contacto con su familia, que la rechazó. Léa (Elsa Zylberstein), su hermana menor, la acoge en su casa de Nancy, donde vive con su marido Luc y dos hijas adoptivas. Debido al largo encarcelamiento de Juliette y a su diferencia de edad, las dos mujeres se sienten como dos extrañas. Ambas tendrán que enfrentarse, tarde o temprano, al por qué acabó Juliette en la carcel: mató a su propio hijo.


Estamos, como veis, ante un drama de proporciones importantes. No utilizaré el término telefilmero porque considero que hay maravillosos dramas que, en las manos equivocadas, podrían pertenecer a ese grupo: Brokeback Mountain o Million Dollar Baby, sin ir más lejos. Este Hace mucho que te quiero no se acerca ni mucho menos a estas películas pero es un buen melodrama, en el que las cosas suceden poco a poco, a su ritmo, contadas con una elegancia que no siempre aparece en primeras obras. Gracias, por ejemplo, a la relación que mantiene Juliette con el amigo de Lea y, sobre todo, con su agente de la condicional, la película gana enteros. A pesar de su hermatismo de Juliette, su personalidad, su rostro terminan por atraer y conquistar a aquellos que están a su alrededor, los cuales, al igual que ella, son unos solitarios... a todos menos a ella misma. Aún no ha superado lo que sucedió hace quince años, un secreto que aquí no vamos a desvelar y que se desvela poco a poco en el desarrollo de la historia.

Lo mejor: Los actores son fantásticos, el uso de los silencios, la elegante puesta en escena y, ante todo, una maravillosa Kristin Scott Thomas.
Lo peor: Su desenlace, además de algo previsible, puede pecar de tramposo y algo ñoño.
La escena: Juliette esperando en el aeropuerto. Una Scott Thomas a cara lavada sabe transmitir todo con una mirada, con un gesto, sin necesidad de palabras. Fantástica.
¿Por qué... las actrices que ya han pasado los 40 tienen tantos problemas para encontrar papeles a su altura?

Las palabras aparecen con cuentagotas, es una de esas películas en las que los personajes y sus actores transmiten tanto o más con los silencios que con las parafradas que los guionistas les han escrito. En este campo destaca un Kristin Scott Thomas que, como he dicho anteriormente, hace un trabajo espectacular. No es de extrañar que ya haya webs americanas que han mencionado su trabajo como uno de los posibles candidatos al Oscar a mejor actriz.

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Cuando el monstruo está en el interior: La Niebla

Uno de los aspectos más destacados de las novelas de Stephen King es su capacidad de poner a sus personajes al borde del avismo, experimentar con ellos, enfrentarlos y exprimirlos.

Como admiradora de King, tristemente infravalorado por alguno de sus títulos más prescindibles (y sus horribles adaptaciones cinematográficas), esperaba con ansia el estreno de La Niebla, film basado en uno de los mejores relatos del autor, uno de esos que dejan poso e invitan a la recomendación.

Frank Darabont ya tiene experiencia adaptando a King con títulos como La Milla Verde o la magnífica Cadena Perpetua y, en esta ocasión, se une a King para elaborar un guión que aprovecha de los clichés del género reinventándolos y sorprende al espectador, que es testigo de lo que King sabe hacer mejor: describir una dinámica de grupo caótica.

Tengo que reconocer que la cinta ya me tenía ganada desde esos primeros minutos en los que vemos al protagonista retocar unos pétalos de la rosa en un cuadro que representa La Torre Oscura, la mayor saga de King y el epicentro de toda su obra.

Arranca la historia con un grupo de habitantes de un pequeño pueblo de, cómo no, Maine que quedan encerrados en un supermercado debido a que una extraña niebla, en la que habitan criaturas extremadamente peligrosas, ha arrasado la zona.

A diferencia de las películas de terror y suspense al uso, y quiza por eso algunos han salido muy decepcionados de la sala, la tensión en la Niebla no crece en torno a las criaturas hostiles sino a los miedos y tensiones que estaas generan sobre los personajes.Los clímax de ataque y persecución monstruosa se sustituyen por las presiones, relaciones y enfrentamientos entre los habitantes, que muestran su verdadera yo en esta situación límite. Y ésto es lo que hace de La Niebla una gran película. Combina a la perfección esa evolución de los personajes y la estrecha conexión del espectador con ellos (que levante la mano quien no quiso aplaudir en el "momento Marcia Gay Garden") con el uso de la tensión y el horror más convencionales porque, aunque la película gire en torno a cómo esa situación afecta a los protagonistas, Darabont maneja a la perfección las situaciones de puro suspense (y la secuencia de la farmacia es un gran ejemplo).

Mucho se ha hablado de su final y de la relación con el libro. Aunque Darabont se ha tomado algunas licencias propias de una adaptación (si hay algo que no soporto son los puristas), es bastante fiel al libro salvo por el desenlace. El motivo de ello es que la novela queda mucho más abierta, dejando a los personajes sin un final claro e incluso esperanzador. Pero Darabont decide cerrar todo aquello que en la novela quedaba en el tintero (como el origen de las criaturas que, en el fondo, es indiferente) incluyendo ese desgarrador final.

Lo mejor: El final. El personaje de Marcia Gay Garden. Esa casi ausente música que subraya los momentos más desasosegantes.
Lo peor: El doblaje al español.
La secuencia: La visita a la farmacia.

La Niebla, otra adaptación de Stephen King que se suma a la escasa pila de éxitos. Un gran thriller donde los personajes importan más allá del suspense, algo que se agradece en estos tiempos de chicas en camisón huyendo de asesions por jardines en pleno riego.

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Aronofsky y Mickey Rourke, grandes ganadores en Venecia

El director estadounidense Darren Aronofsky (Réquiem por un sueño) ha conseguido el León de Oro con su película The Wrestler, un drama centrado en la figura de un campeón de lucha librre en pleno declive. Mickey Rourke, que se llevó una gran ovación en la entrega de premios, ve como su carrera resurge gracias a un papel que le puede llevar a su primera nominación al Oscar. La victoria de Aronofsky tiene especial valor después de que su anterior película, la pretenciosa a la vez que interesante The Fountain, fuese destrozada en este mismo festival hace dos años.

El jurado, presidido por el director alemán Wim Wenders otorgó a su vez al ruso Aleksei German Jr. el León de Plata al mejor director por su película Bumaznyj soldat (Paper Soldier). Los premios a los mejores intérpretes han sido para la actriz francesa Dominique Blanc, por la película L'Autre, de Patrick Mario Bernard y Pierre Trividic, en la que interpreta a una mujer torturada con un desdoblamiento de personalidad. El italiano Silvio Orlando, de 51 años, ha obtenido la Copa Volpi a la mejor interpretación masculina por su actuación en Il Papà di Giovanna, en un premio que merecía Rourke, según los asistentes al festival. Además, el director alemán Werner Schroeter ha recibido un León especial del jurado del certamen de la Mostra por su «innovadora» obra. También el cineasta etíope Haile Gerima, de 62 años, ha recibido un premio especial del jurado por su película Teza, que cuenta las convulsiones políticas que atravesó su país en los años 80.

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Dios los cría y ellos se juntan: Vías Cruzadas

Se abre el telón y aparecen un joven (inadaptado), un personaje peculiar (un enano) y una mujer (con trauma a cuestas) intentando ser una familia feliz. Se cierra el telón, ¿qué tenemos ante nuestros ojos?. El espectador medianamente avispado no tardará en reconocer lo obvio: esto es una película indie. A pesar de que este cine me guste, lo cortés no quita lo valiente. Mientras ves estas películas, independientemente de que guste o no la obra en cuestión, te das cuenta de que siempre estamos viendo la misma historia contada de un modo diferente. No importa si ésta se llama Pequeña Miss Sunshine, Lost in Translation o, como en esta ocasión, Vías cruzadas, ya que la aceptación social y la interacción entre personajes que a priori son unos perdedores que no tienen nada que ver entre sí, son el pan de cada día un cada vez más homogéneo cine indie norteamericano.

Si las vías cruzadas del debutante Thomas McCarthy se erigen como una de las propuestas cinematográficas más curiosas e interesantes de su año, es gracias al retrato de personajes de su excelente y honesto guión, que presenta, sin prisas pero sin pausas y afortunadamente sin las estridencias que suelen lastrar películas como la insoportable Extrañas coincidencias. Y es que McCarthy respeta la delgada línea que separa a los personajes diferentes / extrovertidos de los que son exagerada y deliberadamente “freaks” (en el peor sentido de la palabra). No en vano, es inevitable encariñarte con el simpático-a-pesar-de-sí-mismo vendedor de helados, o especialmente, con Olivia (la sensacional Patricia Clarkson, musa del nuevo cine independiente), esa mujer que te conquista ya sea casi atropellando por dos veces al pobre protagonista o cuando es incapaz de superar el dolor por la muerte de su hijo. Otro tema es Finn, su –en principio - inaccesible y arisco protagonista al que finalmente acabamos queriendo porque, en realidad, a través de sus propios traumas no hace más que hablar de las angustias y los temores que todos tenemos.



Es indudable que Robert Redford y su festival de Sundance han ayudado muchísimo a que el cine independiente salga a la luz y a que las distribuidoras y, por tanto, los espectadores se interesen en él. Las carreras de directores como Soderbergh, Todd Haynes, Richard Linklater o Tarantino podrían haber sido muy diferentes de lo que son hoy día de no haber pasado por el Festival. Sin embargo, el éxito del propio festival han acabado por lastrarlo. Lo que antes era para un público más reducido, ahora se intenta masificar con la presencia de estrellas de cine y con argumentos y ritmos más “digeribles” que casi consiguen cargarse su esencia.

Pese a su ligeramente manida premisa inicial, McCarthy opta por seguir su propio camino, con su ritmo y sus particulares personajes. Por mucho que a algunos les moleste, yo me quedo con ese final en el que, como en la propia vida, los conflictos quedan sin una aparente y satisfactoria conclusión, a pesar de que la llegada del pequeño protagonista de la historia a ese pueblo en mitad de la nada haya cambiado de un modo casi imperceptible la vida de todos ellos.

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Por fin viuda, los pequeños problemas de la vida

Siempre he envidiado al cine francés. Creo, sincieramente, que es el espejo en el que el cine español debería mirarse y no el americano, con el que, por diferentes razones, no puede competir. En la cinematografía de nuestro país vecino nos encontramos a menudo con experimentos, con películas más arriesgadas, más naturales en muchas ocasiones... en definitiva, un cine, generalmente, más maduro y consistente que el que se hace al otro lado de los Pirineos. No obstante, también hay que admitir que ellos tienen una posición mucha más ventajosa que la nuestra, tanto desde la perspectiva del público como de las organizaciones políticas. Pero bueno, dejemos este tema porque me estoy yendo de madre, vamos a por el tema real de la crítica.

No se puede decir que Por fin viuda sea una de esas arriesgadas propuestas francesas que llegan a las pantallas (eso está reservado para obras, mejores o peores - ahí no entro-, como Irreversible, Vidocq o Ne le dis a personne), con la segunda película de Isabelle Mergault (que debutó con la comedia Eres muy guapo, también vista en nuestro país). Es una pequeña comedia agridulce entorno a esas difíciles pero necesarias decisiones que las personas debemos de tomar a lo largo de nuestras vidas. Después de todo, nuestra felicidad está en juego. En el segundo film de Merchant nos encontramos con Anne-Marie, la esposa de un rico pero tremendamente aburrido cirujano plástico. Ella, cansada de su matrimonio, ha conocido a un hombre con el que quiere huir a la China. Cuando Anne-Marie va a dejar a su marido recibe la noticia de que éste acaba de fallecer en un accidente de tráfico. Lo que parece la solución perfecta a su problema, se acaba conviertiendo en una maldición cuando toda su familia aparece para apoyarla en estos momentos difíciles.

De esta situación - como suele suceder en la comedia, donde las mejores historias surgen del drama - surgen los mejores momentos de la historia: Anne-Marie intentando huir de su familia para poder reencontrarse con su amante, encontrándose con mil y un obstáculos. La idea de la propia familia como el mayor "coñazo" cuando sucede una tragedia de esta magnitud, más que original - que probablemente no lo sea - es tremendamente efectiva. Ayuda además las excelentes y naturales interpretaciones de los secundarios son fundamentales (como por ejemplo, la hermana de su marido, que sospecha que está teniendo una aventura).


Lo mejor: Michelle Laroque, la protagonista, a la que desconocía totalmente, es fantástica. Está divertida hasta el punto de giro de la historia y estupenda a partir de entonces. Es uno de esos casos en los que con la cara, sin grandes gestualizaciones, se puede expresar muchísimo.
Lo peor: Es una propuesta bastante simple, a pesar de su efectividad. No cuenta nada que no hayamos visto antes.
La escena: Dos, la revelación de Anne Marie ante su familia y todo lo que pasa a raíz de la película escogida por aquella para explicar su ausencia el día de la muerte de su marido con la película.
La frase: A partir de cierta edad, es de consideración con los demás hacerse un lifting.

Por fin viuda es una comedia más que digna, una oportunidad para aquellos que se han pasado el verano esperando una comedia y se han encontrando con el Zohan de Adam Sandler, que teniendo sus momentos, se aleja de lo que puede ofrecer la película de Mergault: sencillez, buen guesto y mucha humanidad.

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